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- Written by Daniel Fábrega.
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| Stoller Casa Cocoon, Florida 1950's / Montse Zamorano, Casa AriasMiguez, Madrid 2013. |
“It’s becoming increasingly unfeasible to reflect on our experience based on the distinction between images and things, copies and originals.”
― Susan Sontag, On Photography
Much of our generation is aware of the great landmarks in modern American architecture from the mid-20th century, not necessarily from having visited them personally, but from having seen the iconic images of photographers such as Ezra Stoller or Julius Shulman.
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| Stoller Casa Cohen, Florida 1950 / Montse Zamorano, Casa AriasMiguez, Madrid 2013. |
The economicy prosperity and the collective optimism of the people witnessed in the post-war years in the United States made the one-family household a social experiment, whose key features seemed to be total devotion and a perfect, infinite future in sight. Domestic life suddenly became a kind of day-to-day art-form, effciently manufactured and marketed, almost a national therapy to ease the trauma left from the war not long before.
During this period of industrial growth, both Stoller and Shulman produced some of the most relevant images of modern domestic architecture in decades, as well as creating a visual legacy that would transcend the purely practical needs of their commissioned work to become what we see today as a representation of the very symbolism of the period.
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| Shulman Casa Twin-Palms Palm Springs California / Montse Zamorano, Casa AriasMiguez, Madrid 2013. |
After having studied Architecture in Madrid and Chicago, and having written her pre-doctoral thesis on a comparative study of the work of the two great American photographers Ezra Stoller and Julius Shulman, photographer Montse Zamorano (born in Madrid in 1985) has channelled her love of architecture by photographing the work of high-calibre architecture studios such as Foster & Partners, Álvaro Siza and even great masters in the field such as Le Corbusier or Louis Kahn.
Following on from her investigative work of the two great American photographers of the 20th century, Zamorano has begun a new photography project which aims to seek out the roots of the visual aesthetic of the time, a period in modern American architecture that seemed to portray not only contemporary architecture itself, but also a vision for a more human, and humanist, way of life.
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| Stoller Casa Deering, Florida 1958 / Montse Zamorano, Casa AriasMiguez, Madrid 2013. |
As a foundation for her project, Zamorano is investigating a one-family household initiative in the “El Bosque” residential area in suburban Madrid and, in partnership with the initiative’s creators — the American architecture studio Buildworks — Zamorano is defining the outline of a new approach towards accurately portraying contemporary society in terms of Spanish domestic architecture.
Starting from the idea that architecture is a spatial experience, Zamorano’s illustrations of this kind of household embody a rich and eloquent visual framework, in which the constitutive parts integrate with one another in a way that transcends the simplicity of the architectural shapes. Like the American photographers, Zamorano depicts both space and its depth, often through the use of diffuse or fragmented elements in the foreground, such as the shadow of a parked vehicle, the branch of an oak tree, or a merry glass of wine. Her photographs clearly show an appreciation for the purity of architectural structure, as well as expressing a seeming preference for the more human aspects of their use — pure images, without drama or desire to intrude.
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| Stoller Tienda en Cambridge, Boston 1969 / Montse Zamorano, Casa AriasMiguez, Madrid 2013. |
There is a lack of pretense and artificial mise-en-scène in the images — what we do see in them is a sense of perseverance and perfectionism. Zamorano presents an everyday scene within an architectural framework, transmitting the fluidity between the exterior and the interior, the lines and details in the execution, the striped board panels of the reinforced concrete, the brightness of the ceramic coating, the pathos of an autumn sky, the ubiquity of vegetation that belongs to the site since generations past and is respected by the architectural work.
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| Shulman Casa Koenig, Los Angeles 1960 / Montse Zamorano, Casa AriasMiguez, Madrid 2013. |
The use of black and white in these photographs as a documentary technique is a stylistic inheritance from Stoller and Shulman, bringing to the photography a great deal of abstraction. By omitting colour, Zamorano depicts modern architecture without theatricality nor distractions from its pure composition, thus adding to the functionality of the image an aura of hipnotic beauty, timeless and eternal.
For more information on the photographer: www.montsezamorano.com
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- Written by Alejandra de Argos
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Con gran curiosidad, entré en la sala que alberga la colección de Furias, que el Museo del Prado exhibe hasta el dia 4 de Mayo. Al igual que el crítico de arte francés, Louis Vauxcelles al entrar en el Salón de Otoño de 1905, clamó su famoso "Donatello entre las fieras" que dio nombre al movimiento fauvista (fieras en frances), así me encontré yo con el "Laocoonte entre las Furias". Esta magnífica escultura del sacerdote de Apolo antes de morir con sus hijos estrangulado por las serpientes, refleja el dramatismo extremo del sufrimiento que representan tambien las Furias; caras descompuestas en un grito de dolor y contorsión.
El protagonismo de la exposición recae sobre los cuatro cuadros que realizó Tiziano para el Palacio de Binche, en Bruselas por encargo de María de Hungría en 1548. Representan a los personajes de la mitología griega que fueron castigados al Hades por enfadar a los dioses: Tántalo a no conseguir la ansiada comida que le sacie; Tício a ser devorado su hígado por un buitre; Ixión a dar vueltas a una rueda eternamente y a Sísifo a portar una piedra enorme sobre sus hombros subiendo una montaña para luego caer y volver a empezar, que dio lugar al ensayo filosófico de Albert Camus, El mito de Sísifo como metáfora del esfuerzo y absurdo de la vida humana. Estos cuadros fueron utilizados políticamente por la hermana del emperador Carlos V como representación alegórica de los príncipes alemanes que se habían alzado contra el emperador.
Destacan también las obras de Rubens, Salvator Rosa, Langetti, Ribera o el dibujo de Miguel Angel Buonarroti, en una exposición cuyo tema central, las Furias cubrió un periodo desde mediados del s XVI hasta finales del s XVII que se utilizó como alegoría política.
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- Written by Alejandra de Argos.
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George Condo en Galería Skarstedt en 23 Old Bond street. Hasta el 5 de Abril de 2014.
Me sorprendió y entusiasmó el nuevo trabajo en papel y tinta del artista americano George Condo (1957). De gran formato, su intencion ha sido la de experimentar todas las posibilidades que le da la tinta sobre papel.
George Condo en la Galería Simon Lee en 12 Berkeley Street. Hasta el 22 de Marzo de 2014.
Como impresionante fue también, su nueva exposición de pinturas cubistas. Condo describe este trabajo como cubismo psicológico. George Condo dice que Picasso pintaba un violin desde cuatro diferentes perspectivas en un solo instante y que el hace lo mismo con los estados psicológicos. Cuatro de ellos pueden suceder simultaneamente, reir, escuchar, llorar, dormir. Y el los plasma en un solo rostro.
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- Written by Alejandra de Argos
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"Density" es el nombre de la nueva e impresionante exposición del artista chino Liu Wei (Beijing, 1972 ) en la galería White Cube de Londres. Hasta ahora, había seguido su trabajo en ferias, exhibiciones y museos, donde complejas construcciones arquitectónicas, emergían desde todos los puntos con materiales reciclados o algunas con piel de buey y cerdo que representaban ciudades enteras. Esta temática a la que recurre muy a menudo es producto de su pertenencia a una generación que ha crecido en un momento de gran expansión urbanística en China.
Esta ciudad realizada con piel de animales se realizo en la Galería Saatchi en 2005
El incremento de población y de zonas urbanizadas ponen nombre a esta exposición, "Densidad" y su consecuente impenetrabilidad. La cuestion de la individualidad en nuestro mundo tan global, es una cuestión siempre presente en su obra.
La planta de arriba estaba compuesta por obras en acero galvanizado que recordaban a segmentos de edificios. Todas ellas bautizadas con el nombre de Density y acompañados de un número. Su estética geométrica y mínimal les dotaba de una fría belleza. Me gustaron, pero todavía mucho más lo que me esperaba en la planta baja.
Allí formas geométricas monumentales se esparcían por el espacio evocando una composición urbana contemporánea. Al interactuar entre las formas geométricas se observaban los inmensos cuadros monocromáticos de las paredes desde diferentes ángulos que componían una nueva visión.
Galería White Cube , 25-26 Mason's Yard, Londres
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- Written by Alejandra de Argos
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Era mi primer contacto con la obra de este artista. Las obras de Zhang Eli, de gran formato ( la mayoría rondan los 2x3m aprox.) reciben al visitante con fuerza. Quería saber más sobre este artista de Jilin, China, nacido en 1965 y más desconocido que otros artistas de su generación.
Hauser & Wirth lo presentan como el "defensor de los espacios y objetos olvidados", representados en melancólicos retratos de objetos y lugares del día a día, que surgen de su propia imaginación.
Con una brocha suave y suelta nos lleva a su mundo de objetos cotidianos como cuerdas, mangueras o bolas, en relación con los aspectos de la vida contemporánea. Las pinturas tenían en común una cuadrícula de fondo, que evoca un intento de organizar el caos de la vida contemporánea.
Sus espacios vacíos invitan al observador a dejarse llevar por la imaginación y crear su propia narración. Cuanto más tiempo pasaba en la galería, más me iba gustando su obra...
Galeria Hauser & Wirth. 23 Savile Row, London. Hasta el 1 de Marzo 2014.
