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Este peculiar personaje con aspecto de motero y vestido siempre de cuero negro, entró de la mano de Andy Warhol en el mundo de la decoración de interiores, allá por los años 70, y también en el del coleccionismo de arte, pues el pago por su trabajo fueron un par de dibujos suyos. Este arquitecto neoyorquino, cuya verdadera vocación fue desde siempre el diseño, arrastra cuarenta años de profesión decorando casas y tiendas de lujo por todo el mundo: «… soy el único arquitecto que puede recorrer todo el alfabeto, desde la A de Armani, la B de Bulgari, la C de Channel, la D de Dior y así hasta la Z». Cuando empezó a ganar dinero, se dedicó a comprar arte, y así logró una exquisita colección de piezas antiguas y obras de arte de todos los tiempos.
One Way: Peter Marino es la exposición que acoge el Bass Museum de Miami del 4 de diciembre al 5 de mayo. Su inauguración se hizo coincidir con la 13ª edición de la Art Basel en Miami Beach y la 10ª edición de Design Miami, la feria internacional de diseño más importante en la que, por primera vez, se hizo entrega del premio Visionario del diseño precisamente a Peter Marino, que cuenta además con el título de Caballero de las Artes y las Letras Francesa desde 2012. Para la ocasión se han seleccionado 136 piezas entre su propia colección, proyectos personales (acabados o no) y trabajos encargados para la ocasión a artistas contemporáneos amigos.
El protagonismo de Marino es indiscutible desde el momento en que se entra en la sala plagada de fotografías suyas y se pasa junto a la estatua de cera que saluda sin descanso a los visitantes, y que posa impertérrito junto a todo el que quiera hacerse una foto con el artista, aunque no sea el de carne y hueso.
Comienza la exposición con las Sombras órficas, una selección de tiras de vídeos de la película Orfeo de Jean Cocteau hecha por Hildebrandt, y la proyección en cuatro pantallas de la ópera Orfeo y Eurídice de Gluck, que se había representado en su apartamento de Manhattan en 2013, con la colaboración para la puesta en escena de Francesco Clemente y Raf Simons.
La ambientación casi sadomasoquista de algunos espacios con vitrinas llenas de instrumentos quirúrgicos, imágenes de cuchillos, máscaras de gas y diversas representaciones de cráneos (motivo recurrente en su obra y que representa la presencia constante de la muerte) contrasta con el lujo y la elegancia de sus trabajos para las firmas de moda más importantes o las más grandes mansiones de todo el mundo. Y todo esto junto a secciones dedicadas al Pop Art, al retrato icónico y a la fotografía, así como algunos de los arcones de bronce que se cuentan entre sus últimas creaciones. En la fotografía se pueden ver dos ejemplos bajo el cuadro de Andreas Gursky. Sobre este, la palabra Paradise es obra de Farhad Moshiri y está compuesta por cuchillos clavados en la pared.
Espíritu libre, personaje transgresor y sensible, de gustos eclécticos, se mueve solo por su pasión por el arte. De esta pasión provienen las obras que se han llevado a Miami, piezas de Miquel Barceló, Jeff Burton, Francesco Clemente, Manolo Yllera, Pierpaolo Ferrari, Andy Warhol, Lee Quiñones, Y. Z. Kami, Idris Khan, David LaChapelle, Andrei Molodkin, Yan Pei-Ming, Paola Pivi, Richard Prince, Richard Serra o Ansel Kiefer, entre muchos otros.
Peter Marino será siempre reconocido como un pionero de la interdisciplinariedad, que ha aglutinando arte, moda y diseño arquitectónico durante cuarenta años. Quizá como muestra de esta perdurabilidad que transmite la energía de Marino, Erwin Wurm ha creado la obra Peter Marino dentro de 100 años, donde un esqueleto vistiendo su cazadora preferida y una gorra, despide la muestra. La exposición podrá gustar o no, pero la selección de piezas no deja a nadie indiferente y es una muestra fiel de su contribución al mundo de la moda, de la arquitectura y del diseño.
One Way: Peter Marino
Bass Museum of Art Miami
December 4, 2014 – May 3, 2015
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Son ya cincuenta años de matrimonio y de coleccionismo de arte contemporáneo los que unen a Don y Mera Rubell, y veinte desde que crearon esta prestigiosa fundación, junto a sus hijos Jason y Jennifer Rubell. La mejor forma de celebrarlo, para quien ama el arte y ha convertido su pasión en una de las más prestigiosas colecciones de arte contemporáneo del mundo, es mediante este ambicioso programa de exposiciones que tendrá lugar en su sede de Miami, desde diciembre de este año hasta mayo de 2015. Y así, las principales salas de esta sede acogen la labor de todos estos años coleccionando arte y mostrándolo al mundo, repartiendo sus muros para exponer a los muchos artistas que protagonizan este evento.
Las salas del primer piso nos presentan los trabajos de los artistas Will Boone, Aaron Curry, Lucy Dodd, Mark Flood, David Ostrowski, y Kaari Upson, quienes pasaron por la fundación a lo largo del 2014 y a quienes se les encargó muestras individuales de su trabajo, específicas para esta ocasión.
Un segundo piso nos mostrará otra nueva exposición bajo el título To Have and to Hold (Tener y mantener) que nos hará recorrer cronológicamente, a lo largo de veinte galerías, la trayectoria de la colección Rubell desde que este tocólogo y su esposa profesora decidieran iniciar una colección privada de arte allá por finales de los años 70, a través de varias piezas claves de la colección, y donde podremos disfrutar de artistas como Jean Michel-Basquiat, Mark Bradford, Cecily Brown, Marlene Dumas, Keith Haring, Jeff Koons, Glenn Ligon, Reinhard Mucha, Elizabeth Peyton, Richard Prince, Cindy Sherman, y Rosemarie Trockel.
«Los artistas son la auténtica fuente de nuestra juventud» dice Mera Rubell, y por tanto, desde este pensamiento, parece lógico que este matrimonio quisiera dar cabida también a los artistas más jóvenes, como Josh Kline, Serge Alain Nitegeka, Michail Pirgelis y Lior Shvil que mostraran sus trabajos acompañados de algunos textos de su autoría.
La Rubell Family Collection and Contemporary Arts Foundation ha conseguido reunir, en todos estos años, alrededor de 6.800 piezas de 831 artistas, en unos momentos muy diferentes a los actuales, en los que el arte contemporáneo ha llegado a convertirse en algo casi glamuroso y desde luego bastante accesible. Todo este impresionante trabajo quedará recogido también en un catálogo titulado Highlights and Artists’ Writings, Volume 1. En palabras de la propia Mera Rubell: «El arte no viene a ti, tú debes ir hacia el arte». Sigamos su consejo y disfrutemos de esta oportunidad.
Rubell Family Collection
95 NW 29 ST, Miami, FL 33127, U.S.A.
De diciembre de 2014 a mayo de 2015
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«El mundo no es más que una comedia» Bernini.
Esta era la visión de la vida que tenía el artista a quien El Prado ha hecho un hueco especial en sus salas, y que llega a este museo por primera vez, en la mayor exposición dedicada a él en nuestro país.
Bernini fue el artista más grande y polifacético del Barroco. Era escultor, arquitecto, pintor, diseñador de fuentes y de fiestas. Pero lo que nunca imaginó es que también sería instrumento diplomático para la corte española. La compleja situación de la corona hizo que Felipe IV se sirviera de su arte para buscar una mayor presencia en Roma, a través de la financiación de sus obras y mediante numerosos encargos, tanto para las basílicas más simbólicas de la Ciudad Eterna, como para El Escorial o el Real Alcázar de Madrid. Y eso, precisamente, es lo que recoge esta exposición, la relación de Bernini con España y la evolución de su obra durante aquellos complicados años.
Dividida en tres secciones, El Prado nos muestra tres facetas de la obra del artista: Retratos del alma, donde veremos la habilidad y genialidad del escultor para trasladar a la piedra los estados de ánimo del alma humana; Roma teatro de las naciones, que recoge los proyectos más interesantes de Bernini en su labor propagandística de la corona española; y, finalmente, El último Bernini, que nos presenta su época más difícil, de obras inacabadas, de críticas llegadas de París, pero también, de una relación más estrecha con la corona española, especialmente con Carlos II.
A través de obras como Anima beata o Anima dannata, el artista refleja distintos estados del alma humana en los rostros de estos bustos, del mismo modo que lo hace en la escultura que realizó para Santa María de la Vittoria, El éxtasis de Santa Teresa, al tiempo que contribuye a la propaganda de la monarquía española. Y ya en sus últimos años, alejado un poco de Roma, pero más ligado a la corona de España, Bernini realiza varias esculturas ecuestres del monarca Carlos II.
Bernini fue innovador, valiente y luchador, tanto a través de sus esculturas como de sus dibujos, libros y apuntes. Lo mismo podía criticar la demolición del campanario que había diseñado para el Vaticano, mediante un dibujo, como ocurre en La verdad desvelada por el tiempo, que podía, del mismo modo, organizar una actuación teatral para embajadores y grandes hombres.
Según el comisario de la exposición, Delfín Rodríguez, «Bernini convierte Roma en el escenario de sus nuevas propuestas (…), pero a la vez adquiere un papel de director de escena en momentos políticos cambiantes, intercediendo entre los intereses de los prelados y de las naciones». Y ahí está su relación con España.
Su perfeccionismo, su valentía y su fortaleza se reúnen en El Prado a través de dibujos, planos y diversos documentos que nos acercarán a un nuevo Bernini.
Las Ánimas de Bernini. Arte en Roma para la corte española
Museo Nacional del Prado
Del 6 de noviembre de 2014 al 8 de febrero de 2015
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Primero, meteorólogo en las fuerzas aéreas, después repartidor de correos, y más tarde guardia de seguridad; es poco probable que un artista recorra caminos tan diferentes hasta llegar al arte, tal y como hizo Dan Flavin. De sus dibujos infantiles y de su formación en el Immaculate Conception Preparatory Seminary de Brooklyn (barrio en el que nació, en 1933) pasó a alistarse en las fuerzas aéreas, donde se formó como meteorólogo, y de ahí, a la New School for Social Research para estudiar Historia del Arte, para trabajar después en la sección de correos del museo Guggenheim de Nueva York.
Primero, meteorólogo en las fuerzas aéreas, después repartidor de correos, y más tarde guardia de seguridad; es poco probable que un artista recorra caminos tan diferentes hasta llegar al arte, tal y como hizo Dan Flavin.
imagen: Dan Flavin’s Fantastic Lights, disponible en http://imgbuddy.com/
De sus dibujos infantiles y de su formación en el Immaculate Conception Preparatory Seminary de Brooklyn (barrio en el que nació, en 1933) pasó a alistarse en las fuerzas aéreas, donde se formó como meteorólogo, y de ahí, a la New School for Social Research para estudiar Historia del Arte, para trabajar después en la sección de correos del museo Guggenheim de Nueva York, y más tarde como guardia de seguridad en el American Museum of Natural History de esta misma ciudad, donde comenzó su relación más directa con el arte al conocer a artistas como Ward Jackson, Barbara Rose o Bruce Glaser, aunque empezó su obra bajo la influencia de Duchamp y del Expresionismo Abstracto. Flavin, vinculado al movimiento minimalista, inició su vida artística a finales de los años cincuenta, primero interesándose por la pintura y, más tarde, haciendo de la luz fluorescente el eje su obra y mostrando así, el papel que desempeñaban los materiales tecnológicos cotidianos en el arte.
Imagen (izquierda): Crushed can, disponible en https://www.nga.gov
Para sus primeras creaciones, utilizó la acuarela, el collage y la fotografía, con los que montó su primera exposición individual en la Galería Judson de Nueva York, en 1961, dentro del movimiento expresionista, pero dando ya sus primeros pasos en la incorporación de la luz eléctrica a sus esculturas. Es así como surge la colección Iconos (Icons Series), en 1963, formada por una serie de composiciones simples consistentes en luces verticales que consiguen destacar la energía y el color que se encierran en estas luces, y que crean una atmósfera especial que, para algunos críticos, invita al misticismo y la reflexión. La más representativa es la que dedicó al monje Guillermo de Ockham The Nominal Three (To William of Ockham) (El tres nominal) en referencia al axioma de este filósofo.
Imagen: The Nominal Three, disponible en http://www.museoreinasofia.es/
Dan Flavin, definido como «el escultor de la luz fluorescente», continuó trabajando con la luz y sobre todo con el color, ayudado por las nuevas tecnología industriales, centrado en que sus esculturas transformaran la atmósfera donde se instalasen, a través de los efectos ópticos creados por los tubos de color amarillo, azul, rosa y rojo. Surge así su obra Diagonal of May 25, dedicada a Brancusi, la primera en la que utilizó el tuvo fluorescente y con la cual queda totalmente integrado en el movimiento minimalista, presentada en la Green Gallery de Nueva York. De hecho, participó en 1966, en una exposición que se hizo sobre este movimiento en el Jewish Museum, con la obra Estructuras Primarias (Primary structures).
Imagen (izuierda): Diagonal of Personal Ecstacy (1963), disponible en http://www.examiner.com/, 10 de julio de 2012
Imagen (derecha): Dan Flavin Lights 11, disponible en http://trendland.com/
Después de estos trabajos, llegarían sus grandes instalaciones de luces fluorescentes, posiblemente la más destacada fue la que realizó para Documenta 4 en Kassel, en 1968, una de las exposiciones de arte contemporáneo más importantes del mundo. Después vendrían otras como la que realizó para la Galería Nacional de Canadá en Ottawa, en 1969. En estas obras, más complejas, el artista estudia también los aspectos arquitectónicos, como ocurre en Untitled, de 1968, una barrera de neones que cierra la propia sala a la que ilumina.
La lógica evolución de su obra se iba haciendo cada vez más compleja, más grande. En 1974, la Dia Art Fundation, no solo adquirió numerosos trabajos del artista, sino que estuvo dispuesta a financiar sus más ambiciosos proyectos, como por ejemplo, sus trabajos exteriores para el Kunstmuseum Basel, en 1975. A este le siguieron, entre otros, la iluminación de las vías del tren de la Gran Estación Central de Nueva Yor (1977) y la instalación permanente hecha para la Iglesia Baptista de Bridgehampton, sede de lo que después sería el Instituto de Arte Dan Flavin, creado en 1983 para mostrar su trabajo de forma permanente. Posiblemente, estos fueron excelentes «ensayos» para la que fue su obra más importante de las hechas a gran escala, la iluminación de la magnífica construcción que Frank Lloyd Wright diseñó para el Guggenheim Museum de la ciudad neoyorquina, y que Flavin realizó para conmemorar su reapertura en 1992. Otras de sus intervenciones en la arquitectura fueron las que realizó por ejemplo para el Hamburger Bahnhof de Berlin, la Chianti Foundation in Marfa, Texas, y la iglesia de Santa Maria Annunziata, en Milan, todas en 1996.
Imagen (izquierda): Dan Flavin, disponible en http://baseljournal.ch/
Imagen (derecha): The Guggenheim NewYork, disponible en http://inewsdesign.com/, 10 de junio de 2013
A lo largo de estos años, se fueron realizando diferentes exposiciones en distintas lugares del mundo. Por ejemplo, en nuestro país, el Museo de Arte Reina Sofía organizó una importante retrospectiva que hubiera sido la primera desde la que se llevó a cabo en 1969. Sin embargo, no fue reconocida como tal por el artista, al situarla, exclusivamente, dentro del movimiento minimalista, algo que no convenció al escultor, quedando este «honor» para la exposición celebrada años más tarde en París, en 2006, como parte del proyecto organizado por la Dia Art Foundation de Nueva York, en colaboración con la National Gallery of Art, de Washington, en 2004, viajando después a Fort Worth (Texas) y a Chicago. Otra de las ocasiones en las que se pudo contemplar la obra de Dan Flavin en España fue en la galería Helga de Alvear, de Madrid, donde se expusieron cinco piezas del artista creadas entre 1990 y 1995.
Dan Flavin moría en 1996 en la ciudad en la que había nacido, Nueva York, dejando atrás un legado que él consideraba menos «un hacer» y mucho más «un pensar», y así lo explicaba después de crear su obra Diagonal: «Me gusta más el arte como pensamiento que como trabajo. Lo he afirmado siempre (...). Es una proclamación: el arte es pensar».
imagen: Dan Flavin Mumok, disponible en https://artpjf.wordpress.com
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La creación de un nuevo museo siempre es una gran noticia. Esto es lo que ha ocurrido en el Museo Carlos de Amberes de Madrid donde se han reunido más de cuarenta pintores flamencos y holandeses llegados de diferentes destinos. Unos del Museo de Bellas Artes de Amberes, otros del Museo del Prado y algunos más de Patrimonio Nacional. La Fundación les ha acogido entre sus salas con motivo de su nuevo proyecto: la constitución de su museo permanente y, ¿qué mejor forma de hacerlo que con la presencia de los maestros de los siglos XVI y XVII? Por eso, algunas instituciones más han querido sumarse a este acontecimiento, como la Biblioteca Nacional o la Fundación Custodia de París.
Todo comienza en una antigua iglesia, sede de la actual Fundación. Al entrar, solo tendremos que dar unos cuantos pasos para llegar a la primera sala que inicia la exposición, dedicada al paisaje y al retrato, porque, según el comisario científico de este museo, Fernando Checa, no se trata tan solo de reunir un determinado número de estos pintores «sino de mostrar al público la gran calidad de retratos, obras mitológicas, iconografía religiosa, bodegones, paisajes, escenas de género, y representaciones de animales, que dieron vida a esta escuela».
Hace las veces de «anfitrión» el cuadro de Pablo Rubens El Martirio de San Andrés, la única obra en propiedad de la Fundación desde que hace 420 años, el mismísimo Carlos de Amberes cediera sus posesiones en Madrid para crear una institución que ayudara a los viajeros de los Países Bajos que llegaban a la capital. Desde entonces ha sido protagonista directo de todas las transformaciones que ha sufrido dicha Fundación. Comparte sala con el tapiz llegado de Patrimonio Nacional, Los funerales del rey Turno, y con los otros cuadros de mayor tamaño dedicados a la pintura religiosa, como La educación de la Virgen de Rubens, y a la pintura mitológica, como El sueño de Venus de Jacob Jordaens.
Hay un tercer espacio para que se reúnan con ellos otros maestros llegados de muy diferentes puntos. Algunos ya eran viejos conocidos nuestros, como los procedentes del Museo del Prado, que ha cedido obras como La infanta Isabel Clara Eugenia en el parque de Mariemont, otras de Brueghel el Viejo, de Denis van de Alsloot o de Frans Francken II. Otros, sin embargo, vienen de algo más lejos como los llegados de Amsterdam, tales como Van Dyck, Rubens, Jordaens, Cornelis de Vos, Bernard van Orley, etc., y una de las pocas pintoras flamencas de aquel momento Michaelina Wautier casi nueva para nosotros, así como la Biblioteca Nacional y la Fundación Custodia, que han cedido obra gráfica para la pequeña exposición temporal dedicada a grabados de desnudos femeninos y masculinos de Rembrandt.
Y así, con todos ellos, podremos dar un agradable y tranquilo paseo por las diferentes salas y disfrutar de una de las colaboraciones más inteligentes entre diferentes instituciones, que nace con «vocación de permanencia».
MUSEO CARLOS DE AMBERES MADRID
MAESTROS FLAMENCOS Y HOLANDESES
Calle de Claudio Coello, 99, Madrid
Desde el 6 de noviembre de 2014
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«Mi trabajo es sobre el espacio y la luz que habita en él. Se trata de cómo se puede hacer frente a ese espacio y materializarlo. Se trata de tu visión, como el pensamiento sin palabras que proviene de mirar hacia el fuego».
Estas palabras son suficientes para definir la obra de este artista californiano que ha pretendido encerrar la luz en un solo espacio, y que ha hecho de estos dos elementos los ejes de su obra.
Imagen: James Turrell, disponible en http://www.blueverticalstudio.com/
James Turrell nació en Pasadena (1943), California, un lugar indudablemente lleno de luz y su trabajo como cartógrafo, a los dieciséis años, posiblemente fuera el origen de su atracción por el espacio. Más tarde, estudiaría percepción psicológica en Pompona College, en 1965, además de matemáticas, geología y astronomía. No fue hasta 1966, cuando dio el paso a los estudios artísticos en la Universidad de California, realizando sus primeros trabajos basados en la proyección de la luz. Fue entonces, en 1967, cuando tuvo lugar la muestra en solitario de su obra Projection Pieces, en el Museo de Arte de Pasadena, en la que utilizó proyectores de alta intensidad con el fin de modificar los espacios a través de la luz.
Imagen (izquierda): Carn White, disponible en http://www.kaynegriffincorcoran.com/
Imagen (derecha): The Wolfsburg Project, disponible en http://blog.vaffanculomag.com/, 21 de marzo de 2013
Después llegarían otra serie de trabajos desarrollados en su estudio de Santa Mónica. En esta ocasión, transformó completamente el Hotel Mendota, abriendo huecos en sus paredes y techos, cambiando las persianas y tratando de integrar el paisaje urbano en su interior. Su finalidad era cambiar la percepción de quienes entraran en él, a través de la luz y su proyección por el edificio. A partir de aquí fueron surgiendo diferentes proyectos en los que investigó sobre la percepción del espacio y la proyección de la luz a través de él. Son las obras recogidas bajo el nombre de Shallow Space Constructions.
Estos proyectos hicieron que muchos estudiosos de su obra hablaran sobre ese toque de espiritualidad de las mismas, al parecer resultado de su formación cuáquera. Sea cierto o no, su manejo de la luz transforma los espacios en lugares para meditar, haciéndolos más intimistas y cambiando nuestra percepción sobre ellos. Según Clavin Tompkins, del New Yorker: «Su trabajo no es sobre la luz, o una alabanza de la luz, es la luz; la presencia física de la luz manifestada de una forma sensorial».
Su formación filosófica a menudo le lleva a citar la parábola de la cueva de Platón, como base para su percepción de las cosas a través de la luz: nuestros sentidos están limitados por nuestro entorno y nuestra cultura y nuestra realidad es la que nosotros creamos. A partir de aquí surgen sus Skyspaces (Espacios celestes), habitaciones con un vano en el techo por donde ver el cielo, espacios que nos dan la opción, como espectadores, de crear nuestra propia visión de los cambios que se van produciendo en la luz y el color.
Imagen: Arrowhead, disponible en http://jamesturrell.com/
Con estos principios estéticos, quién sino él podía transformar un volcán inactivo en una obra de arte. Así, en 1974, empieza su proyecto más ambicioso, llevado a cabo en el volcán Roden Crater, en Arizona, en el que el artista ha ido creando, a lo largo de los años, su propio paisaje desde el interior del volcán, escavando túneles, abriendo pequeñas cámaras, etc. Un proyecto que aún está en marcha y que ha compaginado, durante las últimas décadas, con numerosas exposiciones y trabajos que han visitado museos como el Guggenheim, el Whitney Museum of American Art de Nueva York, los museos de arte contemporáneo de Los Ángeles y de San Francisco y la Colección Panza de Biumo en Varese, Italia.
Imagen (izquierda): Arrowhead, disponible en http://tlmagazine.com/
Imagen (derecha): Roden Crater, disponible en http://www.wired.com/, Mayo de 2013
Al mismo tiempo que supervisaba la marcha de este gran proyecto, seguía creando y realizando exposiciones. Por ejemplo, su obra Meeting, en 1986, para el MoMA PS1 en Nueva York, o Irish Sky Garden, su creación de 1992 para el hotel Liss Ard Estate, en Irlanda. Después llegaría una nueva serie de sus Skyspaces: Kielder Skyspace (2000) en Inglaterra, Sky-Space (2006) en Salzburgo y Second Wind 2005 en Cádiz.
Su trabajo en Cádiz (2009) fue el primero en nuestro país. Y para realizarlo, Turrell estuvo en persona eligiendo el terreno para su construcción; un terreno en pendiente que permitiera crear una estructura subterránea y en su interior una estupa de piedra sobre una cisterna con agua, a la que se accede por un túnel, y una abertura en el techo que permite ver un trozo de cielo. Se trata de que el visitante pueda contemplar esta estructura durante aproximadamente una hora y media, el tiempo necesario para disfrutar de los distintos colores que trae el atardecer.
Entre nuevos retos y proyectos, como Wolfsburg Project, en Alemania (2009), una instalación que iluminaba un área de 700 metros cuadrados, o su trabajo en el Yucatán (México), llamado Agua de luz, en donde ha creado una serie de sus Skyspaces junto a unas piscinas, dentro de una pirámide (2010), llegó la mayor retrospectiva que se había hecho sobre su carrera. Llevada a cabo en tres lugares diferentes durante todo el 2013 y parte del 2014 (Los Angeles County Museum of Art, Museum of Fine Arts, de Houston y Solomon R. Guggenheim Museum, New York), se trataba de utilizar la arquitectura de cada edificio para crear una masa de colores en movimiento similares a sus Skyspaces, además de contar con dibujos y bocetos de su gran proyecto Roden Crater.
Imagen (izquierda): Light Inside 2, disponible en http://hirambutler.com/
Imagen (derecha): Guggenheim, disponible en http://www.bustler.net/, 20 de mayo de 2013
A lo largo de su vida, y dada su trayectoria, no es nada raro el número de premios y reconocimientos recibidos: el Genius Grant , de la Fundación John D. and Catherine T. MacArthur, la Medalla Nacional de las Artes, o el más reciente Premio de Arquitectura, de manos del propio presidente Obama . Además cuenta con el Museo James Turrell, levantado en la Bodega Colomé, en Argentina como parte de la colección de Donald Hess. Él, mientras tanto, reside tranquilamente en Flagstaff, Arizona, mientras continua supervisando los trabajos que se llevan a cabo en su gigantesco proyecto del cráter Roden.
Los admiradores de su obra siguen preguntándose cómo deben observar lo que ven, a dónde deben mirar exactamente. Él les dice que se tomen su tiempo, que sus obras se pueden mirar desde cualquier punto, que cada uno tiene su propia mirada. Y añade: «No existe eso llamado luz artificial. Todas provienen del hecho de quemar algo y utilizar la luz que emana de ahí. Lo que cambia el tipo de iluminación depende de las características de lo que quemas y de la temperatura. No hay nada antinatural en ello.» Alguien que siente así la luz, solo puede crear arte con ella.
Imagen: Agua de Luz, disponible en http://jamesturrell.com/
Imagen (izquierda): Roden Crater, disponible en http://cargocollective.com/
Imagen (derecha): Kielder Skyspace, disponible en http://www.visitkielder.com/
Imagen: Rodencrator, disponible en http://web.guggenheim.org/
Imagen (Derecha): Sky Space 1, disponible en http://imgbuddy.com/
Imagen: Aten Reign, disponible en http://design-milk.com/
James Turrell | Art21
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Los pintores impresionistas Mary Cassatt y John Singer Sargent, entre otros muchos, vienen de recorrer museos como el Musée des impressionnismes de Giverny o la National Galleries of Scotland de Edimburgo. Sin embargo, el verdadero motivo de este viaje no está aquí en Europa, sino en una antigua exposición de Impresionismo francés organizada en Nueva York allá por 1886, gracias a la cual muchos artistas norteamericanos, descubrieron una nueva forma de usar el pincel, de plasmar el momento fugaz, de tocar nuevos temas en su pintura, procedente del otro lado del «charco».
Estos artistas, «impresionados» por lo que les llegaba de Francia, tuvieron que adaptar sus cuadros, transformar lo aprendido de los maestros franceses en su propio lenguaje, un lenguaje lleno de «la rapidez, espontaneidad y frescura impresionista que supieron importar los americanos", según nos cuenta Guillermo Solana, jefe conservador del museo Thyssen.
Algunos de ellos, simplemente se dejaron llevar por la fuerza de la exposición que el marchante Paul Durand-Rue les llevó hasta su ciudad. Otros, sin embargo, habían visitado París, habían conocido a Degas, a Monet, y habían expuesto sus cuadros en varias muestras, como Mary Cassat, «acaso la única impresionista de verdad», como señala Katherine Bourguignon, comisaria de la exposición, ya que participó en cuatro de las ocho exposiciones que tuvieron lugar en París entre 1879 y 1886, representada aquí con obras como Verano o Jenny con su hijo somnoliento. También John Singer conoció de primera mano lo que supuso la pintura de aquellos impresionistas, admirando hasta la idolatría a alguno de ellos, como Monet, al que inmortalizó en el cuadro Claude Monet pintando junto al bosque, y que podemos ver en esta exposición junto a algunas de las obras de su ídolo, Pradera en Giverny o Prado con almiares cerca de Giverny.
El museo Thyssen ha conseguido tener entre sus salas, por primera vez en España, el trabajo de aquellos pintores impresionistas estadounidenses, quienes consiguieron aumentar la popularidad del Impresionismo, adaptándolo a los temas norteamericanos. James Abbot, McNeill Wishtler, Childe Hassam, Dennis Miller Bunker, Theodore Robinson o Edmond C. Trabell, presentan en esta muestra, su manera de entender el Impresionismo, de presentar el entorno en el que estaban, la sociedad en la que vivían, a través de obras como Pabellón de horticultura en la exposición universal de Chicago o Tres hermanas. Estudio bajo el sol de junio. El museo Thyssen-Bornemisza ha conseguido, en esta muestra, enseñarnos esa conexión entre estos dos tipos de Impresionismo y, para ello, nos presenta tanto las obras de los artistas norteamericanos como la de los maestros franceses: «a quienes no copiaron pero en los que hallaron inspiración».
Impresionismo americano
Museo Thyssen-Bornemisza. Sala de exposiciones temporales
Del 4 de noviembre al 1 de febrero de 2015
