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- Written by Irene Iribarren
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Irene Iribarren, la pintora que, como ella misma afirma «entra en la Historia con los personajes que pinta», Es una retratista española con gran prestigio internacional. En sus casi 50 años de carrera ha abrazado muchas técnicas artísticas. Ella misma nos descubre unas pinceladas de su vida.
Mi nombre es Irene Iribarren.
Soy una apasionada observadora de la vida y eso me ha sido de mucha utilidad cuando las circunstancias y el destino propiciaron que me viera inmersa en el mundo del arte.
Estudié la carrera de Bellas Artes en Barcelona, en la facultad de San Jorge. Esto ocurría entre los años 1962 y 1967. Fueron unos años muy intensos que me descubrieron un mundo que nunca hubiera imaginado que guardase un espacio para mí. Completé los cursos de la carrera de Bellas Artes con otras especialidades, como fueron Pintura mural al fresco y Grabado calcográfico.
No había antecedentes artísticos en la familia, pero comprendí inmediatamente que había encontrado mi lugar. Un mundo sorprendente, donde se utiliza la imaginación continuamente y permite transformar la realidad a tu antojo, entablando diálogos con el mundo animado e inanimado de la manera más natural. Un sitio ideal. Lo cierto es que, mirando hacia atrás en el tiempo, compruebo que a lo que he dedicado más tiempo ha sido al retrato y al grabado calcográfico.
El retrato, dentro de la pintura, es un tema muy interesante, siempre que seas observador y te fijes en la gente que te rodea. Si bien es cierto que hace falta tener un sexto sentido que no es patrimonio de muchos artistas: un paisaje lo pueden hacer muchos creadores, pero la figura humana es otra cosa. Reconozco que tengo debilidad por los retratos a pesar de que tienen muchas dificultades.
En cuanto al grabado tradicional, ha sido otra faceta a la que he dedicado mucho interés y mucho esfuerzo, porque técnicamente es muy complicado y laborioso. Estuve unos diez años de mi vida volcada sobre los ácidos y las herramientas. Hice muchos trabajos, combiné muchas técnicas, gane los premios y las becas más importantes del momento, entre ellas la Beca de la Fundación Juan March, en 1970, dedicada a un estudio de investigación de grabado en color.
Presenté un proyecto muy ambicioso que consistía en superponer cuatro técnicas de grabado diferentes: litografía, xilografía, lino grabado y calcografía, en una estampa. El tema que elegí para ello fueron los Doce Signos del Zodiaco. Un trabajo técnicamente muy complicado porque a nadie se le había ocurrido hacer esto antes que a mí y, por lo tanto, nadie me podía aconsejar. Cuando conseguí vencer todos los problemas y montar la exposición en 1971, tuve mucho eco entre la prensa especializada y la crítica. Incluso me llamaron del Gabinete de Estampas de la Biblioteca Nacional para que llevara la colección de Signos del Zodiaco, que inmediatamente adquirieron. Posteriormente, adquirieron también todas las pruebas de estado de las sucesivas técnicas, que completaban el estudio, para tener la colección didáctica definitiva.
Así comenzó una relación con la Biblioteca Nacional que culminó el año 1978 con una Exposición Antológica titulada 100 obras grabadas, que adquirió en su totalidad para el Gabinete de Estampas, en cuyo museo se conservan. Al año siguiente, el Académico D. Carlos Seco Serrano presentó en la Biblioteca Nacional el libro Los Borbones de España. Se trataba de un libro de Bibliofilia, con 12 retratos grabados de los reyes de la Dinastía de Borbón Española y texto de Julián Cortés Cavanillas, gran historiador y periodista. Este libro me costó muchas horas de trabajo durante más de un año y consideré que era hora de cambiar un poco de aires.
A partir de este momento, me dediqué más a la pintura y comencé a viajar fuera de España, empezando por la República Federal Alemana, México y varias ciudades de Estados Unidos, donde permanecí durante varios años haciendo exposiciones y retratos, empezando por el del Presidente George Bush.
Al mismo tiempo, he ido haciendo paisajes. Es un tema más relajante, que me gusta mucho y no solo con imágenes de España, sino con temas de otros países, con otras formas de naturaleza.
En la actualidad, sigo haciendo retratos y pinturas de todas clases… al pastel, con acrílicos y con óleo, pero tengo un proyecto que me interesa mucho, y es el de utilizar nuevos materiales y explorar el mundo digital para hacer otras cosas que hace unos años no estaban a nuestro alcance. Vamos a ver qué pasa, seguramente me va a salir algo diferente de lo que he hecho hasta ahora, pero he llegado a la conclusión de que no se puede vivir en esta época dejando de lado las nuevas tecnologías.
Tertulia homenaje del Café Gijón "El Abanico" a Irene Iribarren
Estoy encantada de poder mostrarles algunas de mis obras. Espero que las disfruten.
(Hacer Click en las imagenes para verlas a tamaño completo)
Dibujos
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Retratos
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Grabados
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Paisajes
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Datos de contacto:
- Página Web: http://www.ireneiribarren.com/
- Correo: ireneiribarren @ gmail.com
- Teléfono: +34 91 366 69 22
- Autorretratos: Irene Iribarren - - Página principal: Alejandra de Argos -
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- Written by Ángeles Blanco
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El nuevo camino que ha tomado Miquel Barceló en la exposición que presenta en la galería Thaddaeus Ropac nos sumerge en los fondos marinos que él tan bien conoce: sus grandes, pero al mismo tiempo, livianas pinturas salen del fondo del mar para mostrar las belleza que solo unos pocos han tenido la fortuna de disfrutar al natural. «Cuando salgo del taller es para tirarme al agua. Siempre estoy sumergido. Menos respirar agua de mar, lo he hecho todo, también beberla», explica.
Con L´inasséchement, el artista nos muestra un universo de agua, de contornos de carbón que recuerdan los pigmentos del arte rupestre. En estos lienzos de gran formato pintados en su isla de Mallorca, recurre a un mundo submarino salpicado de pintura que todo lo difumina, de relieves de arena y restos de especies marinas, incorporando al propio animal en ocasiones, incluso utilizando tinta de calamar. Como si de un enclave arqueológico se tratase, consigue reflejar las huellas del paso del tiempo en la naturaleza y, al mismo tiempo, retrotraernos a nuestros los orígenes.
Este apasionado del buceo ha conseguido que quien visite esta exposición, sienta la sensación de sumergirse en el mar, de bucear contemplando los fondos rodeado de las diecisiete grandes telas que la componen, como Double Apnée o La Dinamique de l'Inassèchement. Al igual que ocurre bajo el agua, las figuras parecen diluirse entre el fondo. Él mismo desvela sus sensaciones al crear su arte: «He estado buceando durante largo tiempo. Cuando trabajo en grandes pinturas en el suelo, es como si yo buceara libremente. Me sumerjo. Hago los movimientos adecuados, o al menos lo intento. Aguanto la respiración, contrarresto la presión... Entonces salgo soplando agua de mar a través del esnórquel... o como si... Este sería el ritmo de mis pinturas; los sucesivos minutos de contener la respiración».
Si hay un factor fundamental en la obra de Barceló es el tiempo: el que tardan sus obras en secarse o, como en su serie cadaverina (cajas con pequeños animales en descomposición), la transformación que produce en su obra. O la ausencia de él pues, como dice Barceló en el prólogo del catálogo confiado a Enrique Vila-Matas: «A veces veo a Miró pasar en taxi por el paseo marítimo» como si volviese a sus años de juventud que coincidieron con la estancia del maestro catalán en Mallorca. Visión alegórica que, sin duda, sirve de reconocimiento al gran artista con el que mantuvo tan buena relación. Y, desde luego, se adivina la influencia de aquel reinventada con la técnica que solo el artista mallorquín es capaz de aplicar.
Los parisinos están de suerte y, quien no tenga la oportunidad de visitar L´inasséchement, en la primavera de 2016, en el Museo Picasso y en la Biblioteca Nacional de Francia, tendrá lugar una gran exposición de la obra de Barceló.
L'inassèchement
Galerie Thaddaeus Ropac. París
Del 25 de abril al 31 de mayo de 2015.
{youtube}Vsdvi-sil6U|600|450{/youtube}
Ver también:
- Miquel Barceló. L´inasséchement - - Página principal: Alejandra de Argos -
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- Written by Kosme de Barañano
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Autor Colaborador: Kosme de Barañano, |
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Uno de los mejores biopics del pasado año, pero que inexplicablemente no ha llegado a España, es Get on Up, sobre la vida del cantante James Brown (1933-2006). La pelicula está dirigida por Tate Taylor con un inteligente guión de los hermanos Jez y John-Henry Butterworth, con Chadwick Boseman de protagonista. El productor ha sido Brian Grazer que intentó hacer la película ya en vida del artista y que ahora para finalizarla ha contado con el dinero de Mike Jagger, que asimismo está produciendo un documental puro dirigido por Alex Gibney. Jagger coincidió con James Brown sólo una vez en octubre de 1964 en el TAMI Rock Concert 1964 en el Civic Auditorium de Santa Monica, viendo sus impresionantes interpretaciones de Please Please Please y de Night Train en el que ya hacía el show del desmayo y el de la capa, así como el claqué al que después Michael Jackson supo darle lírica y marcha atrás, moon walk. Nacido en 1933 Mr Dynamite murió el día de Navidad de 2006. Bajo su influencia se han desarrollado las carreras de Michael Jackson y de Mick Jagger, como éste mismo ha reconocido, pero también de Prince, de Usher, de Chris Brown, y de muchos raperos.
Brown, alicatando el blues y el gospel, cambió el alma del soul hacia el funk y hacia la disco music, y está en la base del hip-hop. Supo rodearse de gente inteligente y buena como Bobby Bird o Marceo Parker, esos amigos que saben reconocer el genio y se mantienen a la sombra aunque no callados. Brown supo elegir a su acompañantes, supo sacar lo mejor de ellos, aunque muchas veces de malas maneras, las maneras en las que se había criado, pero también la pelicula demuestra que hay tipos como Byrd que saben, tanto por amistad fiel como por musicalidad, que se puede aguantar a los genios muchos de sus pecados, incluso los graves. La hija de Brown, Deanna Brown, que se refiere a Byrd como el tío Bobby, dijo que uno de sus mejores recuerdos es el de su padre y Byrd tocando y cantando juntos en su boda, el tipo de actuación improvisada que sólo aquellos dos hombres podían dar.
La personalidad de Jame Brown se ha desdibujado por la majestuosidad de cartón piedra de su presencia escénica, por esa personalidad entre arrogante y divertida, entre Ben-Hur con sus capas de senador de la música marginal y predicador de circo de provincias, pero mas allá de la escenografia, o mejor dicho, al comienzo de todo, estaba su poderío vocal y su dominio del ritmo. James Brown no sólo abrió las vías del funk sino que recorrió todos los estilos del momento dándole su toque, incluso la ironía de los falsos pasos y de perdida de control corporal, que nunca era real, como tampoco sus muestras de agotamiento fisico. JB dominó todos los resortes de la interpretacion como Klaus Kinski, con ojos de fuego detrás de sus máscaras. Pero al margen de su stage show están sus vinilos con sus aportaciones de composición y síntesis. Casi sesenta años de carrera con una vida pública notoria, pero poco sabemos de su vida interior, de sus complejos y de sus dudas, incluso de sus últimas parodias de si mismo, si fueron falsificaciones como los cuadros de De Chirico de su etapa metafisica. James Brown supo advertir su propia caricatura cuya mejor ejemplo es la parodia de un joven Eddie Murphy en 1983 en el sketch satirico de la televisión en el programa Saturday Day Night titulado "James Brown Celebrity Hot Tub Party".
James Brown se convirtió a finales de los 50 en el cantante principal de un grupo que se llamaron a sí mismos las llamas y, más tarde, los Famous Flames. Little Richard predijo '' 'Y'all are the onliest people who ever made yourself famous before you were famous.'' (ustedes son las unicas personas que se han hecho a sí mismo famoso antes de que fueran famosos). En 1956 publicó ''Please, Please, Please,'' con la discografica de Syd Nathan consigueindo el puesto 6 de los R&B charts. Después vinieron ''Try Me'' (1958), ''Night Train'' (1962), ''Prisoner of Love'' (1963), ''Papa's Got a Brand New Bag'' (1965), ''I Got You - I Feel Good'' (1965), ''It's a Man's World'' (1966), ''Cold Sweat'' (1967), ''I Got that Feeling'' (1968), ''Say It Loud - I'm Black and I'm Proud'' (1968), ''The Popcorn'' (1969), ''Ain't It Funky Now'' -Part 1 (1970), ''Hot Pants'' (1971), ''Get On the Good Foot'' (1972) y ''The Payback'' (1974)., the only gold-certified album [500,000 copies sold] of his long and successful career. La cancion ''Say it Loud -- I'm Black and I'm Proud'' fue como el himno nacional de los negros en 1968, y un año después ''America is My Home'' se convirtió en más patriótico aùn. Brown fue un votante, sin embargo, de Richard Nixon y de Ronald Reagan. Recibió el Achievement Award de 1992 en los premios Grammy Awards y un año después el premio del Kennedy Center en Washington.
La película subraya también las rabietas en escena o los insultos a los músicos que no entienden el ritmo, o el hecho, ahora ya ridículo, del promotor regalándole un Cadillac. Son interesantes, aunque melodramáticos, los flashbacks a su infancia de niño abandonado en Georgia, cuyos ojos han visto de todo antes de entrar en la mili. Fue un defensor de su música y de su espectáculos, de los derechos de su música y del control de la misma. Pronto se dió cuenta que no podía dejar a los promotores blancos el dinero de sus promociones, e invirtió rapidamente en comprar radios, en compañias de discos y en la propia organización de su viajes, para ganar más dinero y no perder el control de su propio negocio. Fue el primero que dedicó horas a firmar autógrafos ya a responder a entrevistas y a saludar a disjockeys para que promocionaran su música. El mismo fue su mejor agente. También de él aprendieron esto otros dos mitos como son Michael Jackson y Prince. Fabulosa es la presencia de los dos en el escenario, invitados por Brown, que les había visto entre el público el 20 de agosto de 1983 en el Beverly Theatre de Los Angeles: su forma de baile, su entregada performance en todo momento, tiene su origen en Brown. Prince hace un breve solo que es a la vez homenaje al funk de Brown y a Santa Claus. Brown fue uno de los primeros en recoger canciones de navidad en un disco a su estilo. Brown entregó en el 2003 el premio a la "legendaria carrera" de la cadena BET a Brown, Black Entertainment Television es un canal de televisión por cable, perteneciente a Viacom, y ubicada en Washington, D.C. desde 1979. Jackson bailó al estilo Brown y se emocionó al decirle que nadie le había influenciado tanto. Tambien "el niño" fue una de las pocas celebridades que acudieron al entierro de Brown. Una gran cantidad de celebridades y miles de fans asistieron a la conmemoración pública en el Teatro Apollo de Nueva York el 28 de diciembre de 2006 y en el James Brown Arena el 30 de diciembre de 2006 en Augusta, Georgia, retransmitido por la CNN. En el Apolo la gente llevó la camiseta con el texto “Say It Loud — I’m Black and I’m Proud" por todas partes, fue una parade casi nacional, y en los letreros electronicos del Apolo ponía: "Rest in Peace Apollo Legend, The Godfather of Soul, James Brown, 1933-2006.”Luego se celebró una ceremonia privada en la Carpentersville Baptist Church de North Augusta, Carolina del Sur, el 29 de diciembre de 2006, a la que asistieron la familia de Brown y amigos cercanos como Michael Jackson, el rapero y ministro o preacher de la iglesia de Pentecostes M.C. Hammer o el boxeador Joe Frazier.
No fue un excéntrico, sino un personaje analítico y clarividente, un leader que se supo construir desde una niñez de huérfano y desde una corta estatura supo crecer como un mago del ritmo, y de mover a la gente, unas veces para el derroche y el desenfreno, otras como a la muerte de Martin Luther King para parar una avalancha de ciudadanos cabreados. Su legado es mucho más grande que el de la escena y que el histriónico: es la pasión del canto incluso con una mala voz. James Brown supo rehacer el rythm and blues con un ritmo sincopado donde todos los instrumentos fueron parte de la sección de ritmo, como sus propios gemidos. Es el origen del funk, y sin él es dificil entender la música actual.
- James Brown cantando con dinamita - - Página principal: Alejandra de Argos -
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- Written by Ángeles Blanco
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Escultura, fotografía, dibujo, vídeo y su propio cuerpo son los medios que utiliza para expresarse este artista, que vive y trabaja en Nueva York y cuyo trabajo genera opiniones para todos los gustos: algunos dicen de él que solo busca impresionar, mientras que otros aprecian el complejo significado de sus obras y la riqueza de sus exposiciones.
Imagen: Matthew Barney, disponible en http://basilicasoundscape.com/
En la infinidad de exposiciones que ha realizado por todo el mundo, despliega todo el arsenal de medios con los que se expresa y que acompañan a los largometrajes que él mismo protagoniza, acompañado en muchas ocasiones por personajes de lo más variado: Aimee Mullins (atleta paraolímpica), Richard Serra (arquitecto), Norman Mailer (escritor), Peter D. Badalamenti o Ursula Andress (actores).
Matthew Barney nació en San Francisco (California) en 1967, pero pronto su familia se trasladó a Boise (Idaho) donde vivió hasta que fue a la universidad. Cuando tenía doce años, sus padres se divorciaron y su madre, la pintora Marsha Gibney, se trasladó a Nueva York, donde se especializó en abstracción biomórfica. Él mismo reconoce: «Fui consciente, gracias a ella, de que el arte puede ser un camino viable. Y no fue tanto por las pinturas reales como por los libros que tenía siempre alrededor sobre arte de composiciones corporales de los años sesenta. Era el cuerpo lo que me fascinaba - en el deporte y en el arte - los límites, las posibilidades del cuerpo. Me di cuenta muy pronto de que yo podría traer elementos de la fisicidad del deporte a mi trabajo».
Imagen (izquierda): Drawing Restraint 2, disponible en http://entrelacs.revues.org/
Imagen (derecha): Drawing Restraint 5, disponible en http://en.daringtodo.com/
Permaneció en Idaho con su padre hasta que en 1985 ingresó en Yale para estudiar cirugía plástica, y allí formó parte de los equipos de lucha y fútbol americano; sin embargo, tras dos semestres, cambió la Medicina por las Bellas Artes. Este interés por el cuerpo humano y el deporte marcarán toda su carrera artística. Durante un tiempo, trabajó como modelo para financiar sus primeras obras y, gracias al reconocimiento de sus compañeros, la facultad le dejó participar en el programa de arte restringido solo a los alumnos graduados con honores.
Imagen (derecha): Catacea, 2006, disponible en http://www.theartblog.org/
En sus frecuentes visitas a su madre en Nueva York pudo entrar en contacto con el arte escénico, que empezaría a desarrollar desde el principio de su trayectoria: su tesis en Yale fue un vídeo llamado Field Dressing, en el que se ven las semillas que más tarde germinarían en el ciclo Cremaster.
Desde 1987, aún en la universidad, hasta el presente, trabaja en Drawing Restraint, una larga serie de obras que abarcan distintas disciplinas y cuyo hilo conductor es un modelo atlético de desarrollo en el que el crecimiento se produce solo a partir de la moderación: el músculo encuentra resistencia, se sobrecarga y, al curarse, se hace más fuerte.
Su interés por los límites de la resistencia, pueden tener su origen en la atracción por el escapista Houdini, una de sus obsesiones de niño, que en el ciclo Cremaster utilizará como símbolo de la transformación y la metamorfosis; él mismo reconoce: «Houdini se ha convertido en algo más para mí; creo que la referencia al principio tenía que ver con el concepto de ser sometido a resistencia, una resistencia autoimpuesta con un potencial creativo». Y es que a Barney le gusta estudiar las limitaciones físicas del cuerpo y explorar en vivo ante el público de forma multimediática. En sus primeras exposiciones, incluyó vídeos de sí mismo interactuando con distintos objetos, en ocasiones llevando a cabo notables esfuerzos físicos, incorporando escenarios complejos e imágenes de significados contrapuestos.
Drawing Restraint 9, en 2005, fue un proyecto de mayor envergadura: un largometraje, cuya banda sonora corresponde a Björk (su pareja durante varios años y madre de su hija), esculturas de gran tamaño, fotografías y dibujos, todo girando en torno al sintoísmo, la ceremonia del té y la caza de ballenas.
En la serie número 19 de Drawing Restraint, emplea un monopatín como instrumento de dibujo, con un trozo de grafito acoplado en el frente, un patinador traza líneas a medida que se mueve sobre una superficie lisa. La pieza formó parte de una exposición benéfica en 2013 para un parque de patinaje en Detroit.
Sin duda, es el ciclo Cremaster, compendio de videoarte y escultura exhibido entre 1994 y 2002, por lo que más se conoce a Matthew Barney. Se trata de cinco largometrajes que versan sobre la exploración de la identidad masculina y en los que se intuye un poso autobiográfico mezclado con lo mitológico. Las cinco partes, sin un orden concreto, se han ido desarrollando cinematográficamente, mediante fotografías, dibujos, esculturas e instalaciones realizadas para cada episodio. Por estos dibujos, vídeos y fotografías fue galardonado con el Premio Europa 2000 en la 45ª Bienal de Venecia de 1993.
En cada uno de ellos examina el proceso de creación y se vale del vídeo para perfeccionar la escultura mediante la evaluación de posición, iluminación, tamaño y forma, consiguiendo una estética surrealista plagada de sátiros, hadas y personajes fantásticos en escenarios barrocos e inverosímiles. En sus películas, no busca la identificación del espectador, sino impactar con sus imágenes, por eso huye de narraciones lineales y personajes corrientes. «Hay un intento consciente de equilibrar material autobiográfico contra el mitológico, y el material más intuitivo y abstracto – confiesa el propio autor. Y añade – No se trata tanto de crear el retrato de un individuo, sino más bien un complejo, un sistema que describa una forma individual. Algo como construir un elaborado espejo a lo largo de diez años, y entonces llegar al espejo y sorprenderse de ver el propio reflejo».
Su punto de partida es el músculo cremáster masculino, que sostiene los testículos y controla las contracciones testiculares en respuesta a los estímulos. Una vez más, enlaza los temas que predominan en su obra: la anatomía masculina, el cuerpo y el deporte para crear exposiciones en las que presenta espectaculares montajes con esculturas y dibujos que acompañan a los largometrajes. Aunque organizada en un principio por el Museo Guggenheim de Nueva York, es el Centro de Arte Walker la institución que conserva el ciclo completo por el que el artista ha ganado varios premios. Matthew Barney concibe cada proyecto como un todo que pierde su esencia si se separa, por eso aclara: «Para mí, es fundamental que todas estas formas se unan como una sola pieza, y el museo es el lugar en el que eso puede suceder. Diferentes aspectos, probablemente más fácilmente los aspectos de imágenes en movimiento, pueden viajar más allá de las paredes del museo y, en mi opinión, cuanto más lejos, mejor. Pero por el momento, creo que el museo es el lugar donde hacer el todo más claro».
De estos largometrajes se ha dicho que son arcanos, herméticos y solipsistas y, sin embargo, proporcionan algunas de las imágenes experimentales más enigmáticamente hermosas que jamás se podrán ver.
River of fundament, largometraje estrenado en 2014 en Europa y fruto de la colaboración con el compositor Jonathan Bepler durante siete años, es su obra más reciente. Concebido como una ópera en tres actos, durante las cinco horas y media que dura, narra una historia de regeneración y renacimiento que se inspira libremente en la novela de Norman Mailer, Ancient Evenings (1983). En la película, Barney recrea la muerte y reencarnación de dos personajes principales: el propio Norman Mailer y un automóvil antropomórfico. El objetivo aparente es conseguir que Mailer alcance un lugar entre los ascendentes de las Grandes Letras Americanas mientras es perseguido por el espíritu de Hemingway.
El artista explora aspectos como la voluntad y el deseo de transformación del protagonista y coloca la acción en REN (Los Angeles, 2008), KHU (Detroit, 2010) y BA (Nueva York, 2013). «Creo que estoy en mi mejor momento cuando puedo crear una situación en la que la acción está dictada en gran medida por el entorno» son palabras de Barney que dan sentido a las localizaciones de sus obras.
Los ríos Rouge y Detroit, el East River de Nueva York y las autopistas de Los Ángeles, representan las arterias, tanto naturales como artificiales, que dan título al film y que transportan al protagonista en su viaje de la muerte al renacimiento, viaje en el que toma contacto con los personajes incestuosos que se detallan en el mito de Osiris.
El trabajo de Matthew Barney ha provocado fuertes reacciones críticas tanto positivas como negativas y se ha comparado con artistas como Chris Burden o Vito Acconci, alegando que su arte es a la vez una crítica y un apoyo al cine comercial. De lo que no cabe duda es de que cuando su desbordante imaginación se vuelca en un tema, llega hasta sus profundidades para crear imágenes que permanecen en la memoria para siempre.
- Matthew Barney: Biografía, Obras y Exposiciones - - Página principal: Alejandra de Argos -
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- Written by Marisa Carrero
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A pesar de los problemas, el pasado 25 de octubre de 2014, reabría sus puertas el Museo Picasso de París, situado en el maravilloso palacete del Hotel Salé, en el Mareis parisino.
Todo llevaba tiempo ya prácticamente listo para la inauguración, pero, al mismo tiempo, todo parecía confabularse para que no fuera así: denuncias del personal contra la directora del proyecto, Anne Baldassari, su destitución por parte del ministerio y contraataque de esta arropada por el hijo del artista, Claude Picasso que «insinuó» que no cedería más obras ni documentos a no ser que Baldassari continuara dirigiendo este proyecto.
La ecatombe parecía cernirse sobre el museo, tras cinco años de cierre por obras. Menos mal que siempre se llega a un acuerdo: Baldassari se ocuparía de esta reapertura y el nuevo director elegido por el ministerio, Laurent Le Bon, de todos los actos futuros.
Finalmente, expertos, amantes del artista, estudiosos y público en general podían centrarse en lo verdaderamente importante, el artista, Pablo Picasso, «el español, orgullo de Francia» según las palabras de François Hollande el día de la reapertura. Finalmente, los visitantes podían pasearse por las diferentes salas del Hôtel Salé, para disfrutar de las 400 obras allí exhibidas especialmente para este acontecimiento (aunque el museo cuenta con 5.000), organizadas primero en la mente de la aún comisaria Baldassari y después en los diferentes pisos del museo, de una forma cronológica y temática a la vez, sin querer existir la una sin la otra.
Se trata de «atraversar todo Picasso», según la propia Baldassari, para recorrer íntegramente la trayectoria del artista: su monocromía de las etapas rosa y azul, el cubismo, su trabajo con los objetos o su implicación en los temas bélicos.
No encontraremos largos textos que nos expliquen lo que vemos, ni rígidos bloques temáticos sobre sus obras. Se trata más bien de «zambullirnos» en el artista, disfrutar de forma intuitiva y espontánea de sus diferentes técnicas, de sus colores, de los mensajes encerrados tras sus obras. Se puede elegir entre veinte minutos de recorrido acelerado por el subsuelo del museo, para disfrutar de su etapa cubista, sus últimas obras, sus creaciones monumentales o su fotografía, o tomarlo con más calma y pasearse por los tres pisos de esta exposición inaugural y ver así toda la vida del pintor. O también, podemos dedicarnos a la buhardilla, en la que se cobijan los gustos personales de Picasso: aquellos pintores y obras favoritas que mucho tuvieron que ver en su proceso creativo.
Y con todos estos «mimbres», el día en que el artista habría cumplido 133 años, este museo reabrió sus puertas, recuperado de la polémica sobre las luchas burocráticas y políticas y sobre la supuestamente dudosa calidad de la restauración del edificio.
Indiferente a todo esto, el elegante Hôtel Salé del siglo XVII está dispuesto a brillar como nunca y a seguir presentando nuevas ofertas y nuevas maneras de mostrar al mundo al artista malagueño. Su nuevo director, Laurent Le Bon, tiene varias ideas para este 2015, entre ellas la de observar la obra de sus herederos: «La idea no es tanto invitar a artistas de hoy, aunque también, como observar a Picasso con una mirada contemporánea».
Y así llegamos a este 2015 con un museo pleno de actividades culturales para celebrar los treinta años de su inauguración. «Uno es lo que conserva», dijo Picasso en una ocasión. Disfrutemos, por tanto, de todo lo se ha conservado en el Musée Picasso.
MUSÉE PICASSO PARIS
5 rue de Thorigny
75003 Paris
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- Written by Marisa Carrero
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«Los límites de mi lenguaje son los límites de mi mundo». Pero en realidad, en sus inicios, sus límites estaban marcados por las tierras de labor del medio oeste americano, y no parecía muy probable que un joven nacido en Fort Wayne, Indiana, en 1941, se convirtiera en uno de los cinco artistas vivos más cotizados del momento. Es curioso también que empezara interesándose por las matemáticas y la física cuando ingreso, en 1960, en la Universidad de Wisconsin, para después cambiar absolutamente de rumbo y dedicarse al arte y la filosofía en la Universidad de California. Pero así fue y fueron años llenos de nuevas experiencias y descubrimientos como el del escritor Samuel Becket o el del filósofo austriaco Ludwig Wittgenstein, quienes le influyeron fuertemente sobre todo en lo referente a la importancia del lenguaje, los ritmos del discurso y el poder visual del texto, que él incluiría años más tarde en sus neones.
«Los límites de mi lenguaje son los límites de mi mundo». Pero en realidad, en sus inicios, sus límites estaban marcados por las tierras de labor del medio oeste americano, y no parecía muy probable que un joven nacido en Fort Wayne, Indiana, en 1941, se convirtiera en uno de los cinco artistas vivos más cotizados del momento.
Imagen: Bruce Nauman, disponible en http://museumzero.blogspot.com.es/
Es curioso también que empezara interesándose por las matemáticas y la física cuando ingreso, en 1960, en la Universidad de Wisconsin, para después cambiar absolutamente de rumbo y dedicarse al arte y la filosofía en la Universidad de California. Pero así fue y fueron años llenos de nuevas experiencias y descubrimientos como el del escritor Samuel Becket o el del filósofo austriaco Ludwig Wittgenstein, quienes le influyeron fuertemente sobre todo en lo referente a la importancia del lenguaje, los ritmos del discurso y el poder visual del texto, que él incluiría años más tarde en sus neones. Fueron años de gran actividad ya que Nauman no paraba de experimentar en diversas artes: colaboró en películas, realizó pequeñas representaciones, publicó incluso un libro, y todo ello antes de acabar su doctorado en 1966, el mismo año en el que realizó una exposición unipersonal (one-man exhibition) en la Nicholas Wilder Gallery de los Ángeles, con esculturas de fibra de vidrio. Después, se trasladó a vivir a San Francisco, donde montó su estudio: «Si era un artista y estaba en mi estudio, cualquier cosa que hiciera en ese estudio debía ser arte. En este punto, el arte se convierte más en un actividad y menos en un producto», afirma Nauman.
Imagen (izquierda): Walk with contrapoposto, disponible en http://www.lacma.org/
Imagen (derecha): Walk with Contrapposto, 1968–2003, disponible en https://www.artnet.com
Este tipo de reflexiones nos dan una idea del carácter de Nauman frente al arte y del por qué de sus obras de esa época: reproducción de las partes posteriores de los objetos, moldeado de algunas partes de su propio cuerpo, trabajos relacionados con lo oculto y lo inaccesible. En 1968 llevó a cabo su primera exposición individual en la mítica galería Leo Castelli de Nueva York, en la cual destacó especialmente la escultura hecha en cera De la mano a la boca, además de sus características esculturas de neón como, por ejemplo, Mi apellido exagerado catorce veces en posición vertical, donde las referencias personales marcan el principio de una de sus creaciones más características (luego, el propio artista contaría cómo se inspiró en los anuncios de cerveza de los bares de su barrio). Después de esta exposición, se fue con su obra a Alemania, al ser invitado a la Documenta IV de Kassel.
Imagen: My name as, disponible en https://anartjunkie.wordpress.com
Ese mismo año, empujado por sus inquietudes en otras facetas del arte, entró en contacto con la coreógrafa Meridth Monk y el compositor Steve Reich, junto a los que trabajo en varias ocasiones realizando diferentes representaciones, como Walking in an Exaggerated Manner Around the Perimeter of a Square (Caminado de forma exagerada alrededor del perímetro de un cuadrado), uno de sus primeros trabajos en video.
Después vendrían las colaboraciones con otros artistas, como Eva Hesse, Richard Serra y Joël Shapiro, con los que realizó varias exposiciones en Nueva York, como Anti-Illusion: Procedures/Materials, organizada en el Whitney Museum of American Art de Nueva York donde presenta su Performance Corridor, su primera instalación «de pasillo». En las obras que Bruce Nauman creó en estos años, el artista utilizó una gran variedad de materiales e, incluso, su propio cuerpo, no solo con tatuajes y pinturas, sino también con posturas y movimientos, siendo una herramienta más de su creación. Es el llamado body art dentro del cual realiza Posturas pared-suelo, donde movía su cuerpo de forma que creara un ángulo entre el suelo y la pared, representación que realizó en 1968 para la Universidad de California y donde trabaja únicamente con su cuerpo, sin ningún otro objeto material, creando su propio lenguaje, como ocurre con su serie Art Make-up.
Imagen (izquierda): Art Make-up, disponible en http://arttorrents.blogspot.com.es/
Pero no todo eran aplausos y reconocimientos; también tuvo que lidiar con malas críticas como la del periodista Milton Kramer en un artículo para el New York Times, publicado en 1973: «… penosamente salta a la vista que aquí hay muy poco; unas cuantas esculturas sin interés escultórico, unas cuantas fotografías sin interés fotográfico, unas pocas pantallas de vídeo mostrando imágenes que de algún modo se las arreglan para ser al tiempo aburridas y repugnantes». Era evidente que se trataba de la nota discordante porque, con tan solo treinta años, ya se realizó una retrospectiva de su carrera, organizada por Los Ángeles County Museum, con nada menos que 117 piezas, además de ser considerado por la mayoría de los críticos como el iniciador del postmodernismo en el arte. Él siguió creando y, a lo largo de estos años setenta, experimentó también con la fibra de vidrio produciendo importantísimas obras como Wax Impressions of the Knees of Five Famous Artists y Hand circle o hurt wall.
Imagen (izquierda): Wax Impressions of the Knees of Five Famous Artists, disponible en https://www.artsy.net
Imagen (derecha): Untitled (Hand Circle), disponible en http://www.theskinny.co.uk/
En 1979 se traslada a Nuevo México y establece allí su estudio y, durante los años siguientes, comienza a exponer sus obras por museos de todo el mundo: el Rijksmuseum Kröllermuller de Otterlo en los Países Bajos, Basilea, diferentes museos de Alemania y en la Whitechapel de Londres. Una de sus obras más significativa de estos años fue el Triángulo Sudamericano, como crítica a los regímenes totalitaristas de la zona, igual que había hecho con otras obras de clara referencia política, contra el Apartheid o la pena de muerte. A finales de los ochenta, introduce el neón definitivamente como elemento base de sus obras, lo que le permite también jugar con el lenguaje, creando contradicciones, por ejemplo, entre la palabra y la imagen, y todo impregnado de un toque sexual: Malice, sex y Death/Double 69 son una muestra de ello.
Imagen: Five Marching Men, disponible en http://www.gazduna.com/
Su segunda gran retrospectiva se produjo en 1995 y corrió a cargo del Walker Art Center de Minneapolis en colaboración con el Hirshhorn Museum and Sculpture Garden de Washington, con la idea de recorrer después varios museos del mundo. El primero de ellos fue el Centro de Arte Reina Sofía que contó con sesenta y tres proyectos, entre los que destacaban Sal de mi mente, sal de esta habitación (1968) o Tortura de payaso (1987). Después, continuarían viaje por otros museos como los de Minneápolis, Los Ángeles, Washington y Nueva York.
Las exposiciones se van sucediendo a lo largo de los años por diferentes países de todo el mundo. En unas, predominarán las instalaciones audiovisuales; en otras las esculturas; en otras, los dibujos. En cualquier medio, Nauman buscará la participación del público; sus obras no tienen sentido si no impactan, si no conmocionan al espectador. Son sus reacciones las que completan su trabajo. De ahí, los temas que encontramos en muchas de sus creaciones: el masoquismo, el sufrimiento, la manipulación a través del sexo, etc.
Imagen: Bruce Nauman Exhibition2, disponible en http://kissofvelvet.deviantart.com/
Esto parece lograrlo especialmente con sus creaciones en vídeo. En una de las exposiciones realizadas en Alemania, en 1998, en la ciudad de Volkswagen, el artista presentó una secuen-cia de vídeos cuya combinación de imágenes y, especialmente, de sonidos creaban todo un relato desesperado y extremo. La sucesión caótica de escenas y ruidos era tal que creaba en el espectador una sensación de aturdimiento, de pérdida, que, incluso, termino afectando sobre todo a los guardias de seguridad que pasaban largas horas dentro de las salas de proyección. Otra de sus grandes exposiciones fue la que realizó para la sala de turbinas de la Tate Modern de Londres en 2004, en la que el sonido era el gran protagonista, y donde destacaba especialmente la voz humana a través de los veintiún altavoces que recorrían la exposición. Y es que para Nauman, no solo el texto o la luz son elementos protagonistas de su lenguaje; el sonido, y más concretamente el ruido, le ayudan a crear ese cúmulo de sensaciones que trataba de transmitir a los visitantes. Asistir a una de sus exposiciones puede ser todo un reto.
Otras grandes exposiciones suyas han ido recorriendo diferentes países, como es el caso de la celebrada en Düsseldorf en 2006, centrada en sus obras relacionadas con el bodyart como Mental exercices o Performance corridor. Más tarde le llegaría el turno a Turín, en 2007, centrada más en la primera etapa del artista sobre la que se asentaron las bases de su obra posterior y donde destacó su creación Piezas de espacio, a través de las cuales reflexiona sobre la percepción de las cosas.
Imagen: Corridor with TV, disponible en http://linneawest.com/
Otra de estas grandes exposiciones fue la Bienal de Venecia 2009 en la que participó como representante norteamericano y en donde recibió el prestigioso León de Oro, que venía a unirse a otros reconocimientos como el de Doctor Honorario en Bellas Artes, por el San Francisco Art Institute y por el Instituto de Artes de California. Entre sus últimas exposiciones está la celebrada en Nueva York, en 2012, en la prestigiosa galería Larry Gagosian donde volvió a provocar todo tipo de emociones con obras como One Hundred Fish Fountain, y más recientemente la que presentó el CAC de Málaga (de septiembre de 2013 a enero de 2014), sobre su trabajo en vídeo Incident – Man – Woman Segment (1986), que había sido especialmente impactante en su momento al escenificar los problemas entre hombres y mujeres mediante secuencias violentas.
Imagen: One Hundred Fish Fountain, disponible en http://hdpixa.com/
Un artista lleno de multitud de influencias diferentes, que van desde Duchamp, Ludwig Wittgenstein o Samuel Becket a Jasper Johns o Andy Warhol, no podía por menos que buscar infinitas formas de experimentar con el arte y de investigar como una parte más del sistema creativo. Como apunta Benezra, «Nauman integra con éxito nuestra conciencia con nuestras sensaciones. En sus obras, hacemos aquello que vemos».
Imagen (derecha): Good Boy Bad, disponible en http://www.newmedia-art.org/
Imagen (izquierda): Drawings, disponible en http://www.stylepinner.com/
Imagen (derecha): Violence, disponible en http://www.moma.org/
Imagen (izquierda): Self Portrait as Fountain, disponible en http://www.culture24.org.uk/
Imagen (derecha): South American Triangle, disponible en http://www.alamy.com/
Imagen: Human/Need/Desire, disponible en https://www.artrescape.com
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Quizás resulta chocante que, antes de emular a otro grande como Andy Warhol y de crear, en los años ochenta, un taller de arte de corte similar, llamado The Factory, Jeff Koons trabajara como corredor de bolsa en Wall Street. Pero puede que esta experiencia fuera el trampolín perfecto para saber publicitar su obra y que le llevó a contratar los servicios de una agencia de publicidad para promover su imagen, algo nunca visto. Sin embargo, esto no quiere decir que nada lo relacionara con el arte; él había estudiado pintura en el Instituto de Arte de Chicago y se había licenciado en Bellas Artes en el Maryland Institute College of Art (MICA), en 1976, pero la vida lo había llevado por otros derroteros. No se sabe demasiado de los años anteriores a su traslado a Nueva York, en 1980, cuando realiza la instalación The New en el New Museum of Contemporary Art de Nueva York.
Quizás resulta chocante que, antes de emular a otro grande como Andy Warhol y de crear, en los años ochenta, un taller de arte de corte similar, llamado The Factory, Jeff Koons trabajara como corredor de bolsa en Wall Street. Pero puede que esta experiencia fuera el trampolín perfecto para saber publicitar su obra y que le llevó a contratar los servicios de una agencia de publicidad para promover su imagen, algo nunca visto.
Imagen: Jeff Koons, disponible en http://hypebeast.com/
Sin embargo, esto no quiere decir que nada lo relacionara con el arte; él había estudiado pintura en el Instituto de Arte de Chicago y se había licenciado en Bellas Artes en el Maryland Institute College of Art (MICA), en 1976, pero la vida lo había llevado por otros derroteros.
No se sabe demasiado de los años anteriores a su traslado a Nueva York, en 1980, cuando realiza la instalación The New en el New Museum of Contemporary Art de Nueva York (en la que aparece una muestra de sus después conocidas aspiradoras, junto a otros utensilios domésticos), salvo sus primeras exposiciones de dibujos en la tienda de muebles de su padre en Pensilvania, donde nació (1955), su traslado a Chicago para proseguir sus estudios de arte y su amistad con algunos artistas de Nueva York, como David Salle y Julian Schnabel, gracias a los que conoce a la galerista Mary Boone.
En 1985 llegaría su primera exposición individual con el título Equilibrium Tanks, en la International with Monument Gallery de Nueva York, y que sirvió para que algunos críticos lo incluyeran en el movimiento Neo-Geo (Neo-Geometric Conceptualism). Acertadamente o no, lo que sí fue un acierto fue su obra Two Ball 50/50 Tank, una de las más célebres del autor, consistente en las esculturas, en bronce, de unos balones de baloncesto suspendidos en agua dentro de unas vitrinas, entre otros objetos.
Más tarde, en 1986, la serie de esculturas metálicas Luxury and Degradation se expondrá en la International with Monument Gallery de Nueva York y en la Daniel Weinberg Gallery de Los Ángeles. Con ellas entra de lleno en el mundo del marketing y la publicidad, haciendo varios anuncios para algunas marcas de bebidas alcohólicas, y también unas pequeñas esculturas de acero inoxidable, a modo de recipientes para guardar las bebidas, por ejemplo Jim Beam—J. W. Turner Train, rellena de bourbon.
Imagen (izquierda): koons19, disponible en http://thisistomorrow.info/
Imagen (derecha): Jim Beam—J. B. Turner Train, 1986, disponible en http://whitney.org/
Siguiendo con este material, su siguiente paso fue la serie Statuary en la que juega con motivos clásicos, como el busto de Luis XIV, junto a otros muy modernos como su famoso Conejo o el busto de Bob Hope. Según el propio artista, en este trabajo: «el arte deja el ámbito del artista y este pierde el control». Estas piezas representan diferentes etapas del arte del oeste europeo y simbolizan diferentes aspectos tales como el poder, en el caso del rey Luis XIV, o de la fantasía, en el caso del conejo.
Imagen (izquierda): Jeff Koons 'Louis XIV' (1986), disponible en http://blog.arthistoryabroad.com/. Imagen (derecha): Rabbit – Jeff Konns, 1986, disponible en https://mashrabiyya.wordpress.com, 14 de abril de 2011
Ya muy a finales de los años ochenta (1988) da un cambio radical en su gusto artístico en la serie Banility, en la cual, el gusto por lo kitch queda patente tanto en los materiales (madera policromada, cristal, porcelana) como en los motivos, destacando de entre todos los demás Michael Jackson and Bubbles. Pero, en esos momentos, su obra, su calidad, la honestidad de su trabajo, empezaron a estar en entredicho, a sufrir las críticas de algunos de los expertos más puristas. No fueron pocos los que tacharon sus creaciones de fraudes, y mucho más, después de su matrimonio con la actriz porno Ciciollina.
Imagen: Michael Jackson and Bubbles, 1988, disponible en https://www.sfmoma.org
Con ella protagonizó su serie de pinturas y esculturas llamada Made in Heaven, en 1989. Sin embargo, a pesar de toda esa lluvia de reproches, Koons paseó sus trabajos y a su mujer por media Europa, desde la XLIV Biennale de Venecia, a la Galerie Christophe Van de Weghe de Bruselas, pasando por Colonia, Budapest, Ámsterdam y Lausana.
Esta serie, formada por todo tipo de obras y materiales (plástico, cristal, óleos, fotografías, etc.), se caracterizaba por la evidente muestra de posturas sexuales, muchas de ellas totalmente explícitas. Fueron años difíciles para Jeff Koons y para su prestigio como artista, sus trabajos se pusieron bastante en entredicho, sobre todo cuando se hicieron públicos todos los asuntos sobre su separación y posterior lucha por la custodia de su hijo.
Sin embargo, como muchos otros, Koons se defendió como gato panza arriba y, curiosamente, en estos años (1990-1992) creó una de sus obras más conocidas Poppy, para exponerla en el exterior del castillo de Arolsen en Alemania, y que luego viajaría hasta Sidney y París, para establecerse definitivamente en Bilbao, en el museo Guggenheim, con motivo de su inauguración en 1997.
En ningún momento deja de perseguirle la polémica. Son muchas las demandas por derechos de autor a las que debe hacer frente, no siempre con éxito, pero él sigue creando, sigue manteniendo su línea argumental: la exaltación de todo lo superfluo, la locura consumista que ensalza cualquier cosa que sea difundida por los medios. Y de ellos se sirve, sin ninguna duda, para conseguir éxito y extender su trabajo, un trabajo que utiliza cualquier objeto cotidiano sin ningún valor y lo presenta de una forma cómica y satírica. Entre sus motivos hay, tanto muñecos hinchables, como chicas pin-up, enmarcado todo, para algunos entendidos, en un tipo de arte minimalista y pop.
Imagen: Inflatable Flower and Bunny, disponible en http://www.jeffkoons.com/
A principios de este siglo, sus inquietudes le llevan a crear obras de grandes dimensiones, e inicia también una serie de óleos con motivos de animales y otros objetos, Celebration, y otra posterior (2000) llamada Easyfun-Etherea. Esta serie, creada para el Guggenheim de Berlín, está llena de motivos florales, comida, moda; un totum revolutum que busca el color y la diversión de quienes la contemplan, porque recuerdan poderosamente los anuncios y vallas publicitarias tan comunes en la vida diaria. Identificada esta obra como claramente kistch, el artista, sin embargo, declaró: «He trabajado con objetos que algunas veces han sido calificados de kitsch, sin embargo nunca me ha interesado en sí lo kitsch. Para mí, mis cuadros giran más en torno al espectador que a cualquier otra cosa».
Imagen: untitled, disponible en http://flavorwire.com/
Independientemente de las apreciaciones artísticas para catalogar sus trabajos, es indiscutible que Jeff Koons se convertía, paso a paso, en uno de los artistas imprescindibles del arte contemporáneo. De su serie Celebration partieron sus esculturas de grandes dimensiones en acero inoxicable: Balloon Dog, Hanging Heart o Balloon Flower. Son sus famosos «objetos-globo» que buscan el reflejo de aquellas imágenes que los rodean. Pero estos motivos empezaron a extenderse en el tiempo. Repitió los principios que les dieron vida en sus obras siguientes. Por ejemplo, los objetos globos estaban claramente imitados en Elephnat, y Split Rocker era otro Puppy floreado, creado para el Palacio de los papas de Avignon, en donde se instaló de forma permanente en 2000.
Imagen (izquierda): Koons Hanging Heart, disponible en http://www.artquid.com/
Las cosas cambiarían con el nuevo siglo, Koons iniciaría una nueva etapa que le llevaría nuevamente al centro de los ambientes artísticos. Su antigua serie Easyfun-Ethereal recorrerá el mundo: Aviñón, Nueva York, Berlín, Los Ángeles, Bilbao. Su éxito regresaba con más fuerza que nunca y sus obras se cotizaban con precios desorbitantes. De hecho, hoy por hoy, sigue siendo uno de los artistas vivos más cotizados; su obra Balloon dog (Orange) se vendió, no hace mucho, por 58 millones de dólares, eso sí, siempre envuelto en las críticas más feroces sobre su más que dudosa genialidad. Sin embargo, a la Whitney Museum de Nueva York, que ha organizado una de las últimas retrospectivas del artista en junio de 2014, no creo que le importen demasiado estas polémicas ni que, mucho menos, las comparta.
Imagen: Balloon Dog (orange), disponible en http://thepupdiary.com/
En los primeros años de nuestro siglo, su obra y su figura no solo obtienen reconocimientos económicos, sino también artísticos, como la Medalla Skowhegan de Escultura o el nombramiento Honoris Causa en Bellas Artes por el Corcoran College de Arte y Diseño de Washington, además de ser nombrado miembro de la Academia Americana de las Artes y las Ciencias de Nueva York. Entre los años 2002 y 2008, son numerosos los museos que exponen sus obras y organizan exposiciones sobre su trabajo. Por ejemplo, el Museo Arqueológico Nacional de Nápoles, el Guggenheim de Bilbao y el de Berlín o la Galeria Max Hetzler de la capital alemana. En 2008, los jardines de Versalles se convierten en la sede de la primera retrospectiva europea de Koons, después de haber protagonizado dos existosas exposiciones en la Gagosian Gallery de Londres: Jeff Koons: Popeye y Jeff Koons: Hulk Elvis.
Imagen (izquierda): Popeye, disponible en http://www.artlyst.com/
Imagen (derecha): The Hulk, disponible en http://articles.latimes.com/
Esta ha sido la tónica general de los últimos años: numerosas exposiciones, solo o en compañía de otros artistas, premios y reconocimientos, campañas publicitarias con su foto al lado de sus obras y obras suyas como parte de las colecciones permanentes de museos tales como el MoMA de Nueva York, la National Gallery de Washingtong, la Tate Gallery de Londres o el Tokyo Metropolitan Museum. Cuando algunos artículos periodísticos hablan de timo al contemplar sus excesivas esculturas, sus pornográficas fotografías o sus llamativas pinturas, cuando otros se preguntan cómo el mundo del arte ha podido perder la cabeza por este artista, él batía récords de visitas en el Centro Pompidou de París, el pasado mes de diciembre de 2014.
Imagen: Balloon Dog, disponible en http://www.wikiart.org/
Y mientras, él, Jeff Koons, continua creando, “vendiendo” lo que crea, produciendo en ese estilo suyo tan criticado por algunos y tan alabado por otros, colaborando con artistas como Lady Gaga para crear la portada de su tercer álbum y realizando la serie Antigüedad (Antiquity Series), una de sus últimas creaciones, formada por diversas reproducciones de estatuas griegas y romanas con su típico toque kitsch.
«Un espectáculo apasionante» es la opinión de Roberta Smith, de The New York Times; «Tras ser la novedad (…), Koons está fuera de moda» es la versión del diario británico The Guardian. ¿Seguiremos presenciando los destellos coloristas de Koons mientras los críticos de arte luchan entre sí por ensalzar o hundir su obra? Es muy posible. Mientras, nosotros podemos seguir el consejo de Harold Evans: «intentar alcanzar la verdad significa rechazar los estereotipos y clichés», y acercarnos a la obra de Jeff Koons para obtener nuestra propia opinión.
Imagen (izquierda): Balloon Venus, disponible en http://www.economist.com/. Imagen (derecha): Metallic Venus, disponible en http://www.artinamericamagazine.com/
Imagen: Lady Gaga, disponible en http://www.jeffkoons.com/
Imagen: Antiquity 2, disponible en http://www.spectacles-selection.com/
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