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- Escrito por Marisa Carrero
No queda mucho tiempo para disfrutar de la pasión, de los fuertes sentimientos nacidos de lo más profundo del ser humano. No queda mucho tiempo para enfrentarnos a todo lo que nos ofrecen y nos cuentan las imágenes que se encierran en las obras de la pintora Anka Moldovan en el museo Casa de América de Madrid, al menos, no físicamente.
La segunda edición de la exposición Arte en la red. De lo virtual a lo físico, que organiza este museo, traslada a sus salas las obras de diez artistas que han triunfado en su galería virtual. Ha sido el público que ha disfrutado de estas obras en Internet, quien ha decidido con sus votos qué artistas estarían presentes en esta exposición; al jurado solo le ha quedado seleccionar las obras de cada uno de ellos.
Entre estos artistas destaca Anka Moldovan, una pintora de origen rumano que lleva lo suficiente en nuestro país como para considerarse «una nueva madrileña, más que una inmigrante».
Los que conocen su obra hablan de «impulso visceral», de «historias y relatos» contados en cada lienzo, de «creación de ambientes» con una atmósfera distinta, entre nieblas, asfaltos y personajes impactantes que, unas veces nos miran directamente a los ojos y otras nos dan la espalda, no sabemos si buscando algo mágico.
Para ella: «Lo que siempre me ha inspirado, sin duda alguna, ha sido la figura humana, su silueta. El factor humano me fascina en todas sus facetas y vertientes». «Para mí todas las personas somos contenedores en nuestro interior, donde acumulamos muchas cosas, y con una apariencia muy distinta».
Los estados anímicos de las creaciones de Anka Moldovan han traspasado, sin lugar a dudas, las fronteras virtuales de la Red para presentarse ante nosotros llenas de historias cotidianas y cercanas al ser humano «con mayúsculas».
Nacida en Cluj-Napoca, Rumanía, en 1976, es licenciada en Historia del Arte por la Universidad Autónoma de Madrid y lleva ya a sus espaldas numerosas exposiciones, tanto individuales como colectivas, en ciudades como Nueva York, París, Berlín, Oporto, Bolzano, Sevilla, Santiago, Madrid...
Ella sigue exponiendo sus obras en Arte en la Red, para que todos podamos disfrutar y sentir con lo que nos cuenta. Internet y las redes sociales son el medio.
Sus obras y las de los demás artistas están repartidas por los diferentes espacios del museo: en el jardín, en la entrada, en la sala Diego Ribera, hasta el 8 de noviembre.
Del 2 de octubre al 8 de noviembre de 2014.
CASA DE AMÉRICA. Sala Diego Rivera
ANKA MOLDOVAN en Arte en la Red. De virtual a exposición física
- Anka Moldovan. De la Red a la Casa de América - - Página principal: Alejandra de Argos -
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- Escrito por Marisa Carrero
Con la original idea de buscar los puntos comunes entre artistas contemporáneos y aquellos pertenecientes a la colección permanente del museo, los responsables de la institución Phillips's Collection de Washington han organizado una nueva e interesante serie dentro de sus Phillips Collection’s Intersections, tal y como llevan haciendo desde 2009. Se trata de NO/Escape y, en esta ocasión, el artista protagonista es el mallorquín Bernardí Roig, quien ha montado seis increíbles esculturas con las que traza el paralelismo entre su trabajo y las litografías de mediados del XIX del pintor francés Honoré Daumier, ambos mostrando conmovedoras y difíciles situaciones sociales.
¿Cómo lo lleva a cabo? Roig desafía la percepción de los visitantes llenado los espacios del museo con sus esculturas a tamaño real, hechas de yeso blanco e iluminadas con diferentes tipos de luz. Sus figuras, cargadas de ansiedad y soledad, aparecen presentadas en las más difíciles situaciones, tanto físicas como psíquicas, retorciéndose de dolor, acorraladas o atrapadas bajo decenas de alargados tubos fluorescentes, símbolos de la ceguera producida por la sobrestimulación a la que estamos todos sometidos: «Todos estamos sometidos a la luz, una luz que disuelve el contorno de las cosas, una luz blanca dentro de la cual todas las cosas fluctúan».
Para el artista mallorquín, vivimos en un mundo saturado de imágenes por todas partes, hasta tal punto que cada vez es más difícil darles significado, ya que su masiva producción hace que pierdan intensidad y expresividad. Así, sus figuras Man of the Light (2005) y Mauroner (2008), están situadas estratégicamente, dentro y fuera del museo, para provocar en el espectador el sentido de dualidad del hombre contemporáneo: prisión y libertad, ceguera e iluminación, ausencia y presencia.
Además, el artista ha creado, ex profeso para esta exposición, la obra White Cage, situada en la esquina de la 21 con Q Street, con la que pretende rememorar uno de los sensacionales actos de escapismo del gran Harry Houdini, a principios del siglo XX, empujando al visitante a pensar en el encarcelamiento y el escape.
INTERSECTIONS CONTEMPORARY ART PROJECTS
Intersecciones es una serie de proyectos de arte contemporáneo, llevados a cabo por la Phillips Gallery desde 2009, que trata de explorar las intersecciones entre viejas y nuevas tradiciones, los espacios del museo y las intervenciones artísticas. Ya sea para comprometerse con la colección permanente o con los diversos espacios del museo, estos proyectos presentan nuevas relaciones incluyendo sus propias sorpresas.
INTERSECTIONS: BERNARDI ROIG
NO/ESCAPE
OCTOBER 25, 2014 - MARCH 8, 2015
- NO/Escape y Bernardí Roig - - Página principal: Alejandra de Argos -
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- Escrito por Marina Valcárcel
Empiezan los primeros días de lluvia en Madrid y las paredes de la galería Elvira González entran en este otoño sin quererse despedir de la primavera. Es la sutilísima exposición dedicada a las flores y plantas de Yoshihiro Suda. Este artista japonés contemporáneo es conocido por sus esculturas hiperrealistas de plantas y flores creadas en la tradición japonesa del woodcarving. Nació en 1969 en Yamanashi, localidad al pie del Monte Fuji, donde creció rodeado de horizontes y naturaleza. En los años 90 se traslada a Tokio y ya, desde un ambiente urbano, empieza a desarrollar su interés por la botánica.
Cuando entramos en la galería hace unos días nos resultó insólitamente blanca y vacía. Podría decirse que arrancaba de nosotros un momento de recogimiento o, al menos, de sosiego lejos de la trepidante vida que quedaba del otro lado de sus paredes y, de la preciosa Plaza de la Villa de París. Al cabo de unos instantes, nos sorprendió, iluminada muy concienzudamente por su artista, una flor en forma de campana azul que parecía flotar de la pared más interior de la galería: es su "Morning Glory". Nos acercamos casi hasta rozarla, quedaba por encima de nuestra cabeza, y viajamos con la mirada llena de asombro por cada uno de sus pétalos, su tallo frágil, sus hojas. Son miniaturas vegetales talladas en madera de magnolia y coloreadas con tintes naturales.
Estas piezas son de un preciosismo que trastoca muchas fibras de nuestro interior alborotadas -y, a veces cansadas- del extremismo de algo del arte actual. Estos estudios de la naturaleza que crecen sin raíces de lo inanimado, nos hacen formularnos preguntas sobre el poder puramente estético de estas flores, desnudas de mensaje, perfectas en sí mismas y en su carácter artesanal y que fusionan los límites entre la realidad y la ilusión. Recordamos, entonces, la emoción que sentimos cuando estamos delante de las tablas y del trazo finísimo del pincel de los primitivos flamencos o, de las acuarelas y sus transparencias en los estudios de alas de pájaros de Durero. Menos ruido, por una vez, y más espacio para nuestro interior y para el silencio en este trabajo contenido.
Yoshihiro Suda coloca estratégicamente sus pequeñas esculturas -flores únicas o pequeñas hierbas en grupo- en sitios inesperados como una grieta sobre una pared o un marco de ventana. Las instalaciones, tan arraigadas en el arte contemporáneo, también forman una parte esencial su trabajo: "Creo que hay muchas maneras de exponer las obras, no sólo hay un modo tradicional de ubicarlas en un espacio, en un ángulo o iluminarlas de una manera formal y estandarizada. Yo encuentro una gran variedad de posibilidades en esquinas, recovecos y espacios altos." Y así, del suelo de esta galería madrileña, y entre las grietas de su tarima, parecen crecer pequeñas hierbas silvestres que casi estamos a punto de pisar mientras una de sus dueñas nos explica el cuidado y atención con la que artista observó por primera vez el espacio antes de colocar sus obras. Es, cuando menos sorprendente, encontrarse debajo de uno de los ventanales que dan sobre la calle General Castaños una pequeña hoja en el suelo, como si ésta se acabará de colar en la galería anunciando el final del verano. Nos obliga a agacharnos, a mirar -a admirar más bien- con la ilusión de la duda y hasta casi querer palpar los diminutos agujeritos que parece acabar de perforar el último pulgón.
La inclinación japonesa para apreciar la naturaleza, materiales, detalles y pequeños objetos está en el corazón del trabajo de Suda así como cierto vínculo con la religión.
Las flores representadas por Yoshihiro Suda son una actualización de la imagen poética de la flor del cerezo y el paso del tiempo: "En la cultura japonesa el hanami se remonta a una larga tradición y no obstante, hoy en día, la gente disfruta todavía mucho de él. Pero hay que decir que posee un profundo sentimiento religioso, con el cual yo simpatizo. La desaparición de la belleza, su futilidad, es uno de los elementos más importantes en mi obra."
Yoshihiro Suda vive y trabaja en Tokio. Su obra ha sido expuesta en galerías y museos de todo el mundo como el Contemporary Art Center, Melbourne (Australia), el Palais des Beaux Arts, Lille (Francia) o el Kyoto Art Center (Japón), en el marco de la bienal de Kioto, además de formar parte de la colección de Benesse House en la isla de Naoshima (Japón). Su trabajo fue incluido en la exposición colectiva Out of the Ordinary celebrada en el Victoria and Albert Museum de Londres. Su obra está incluida en colecciones internacionales como las de The National Museum of Modern Art de Tokio, Leeum Samsung Museum of Art de Seúl, The Art Gallery of New South Wales en Australia, The National Gallery of Canada en Ottawa, The New Art
Gallery Walsall en Birmingham y en la Colección del Museo Jumex en México.
Del 12 de septiembre al 8 de noviembre 2014 Galería Elvira González
General Castaños, 3
28004 MADRID
TEL. 91 319 59 00
- Yoshihiro Suda. Galería Elvira González. - - Alejandra de Argos -
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- Escrito por Alejandra de Argos
¡Buena Suerte!
La nueva exposición de Ruth Gómez (Valladolid, 1976) que colorea estos días las paredes de la madrileña New Gallery y que nos seduce con su alegre y positiva mirada, esconde, bajo ese titulo delimitado entre exclamaciones, un mensaje motivador y que va bastante más allá de ese luminoso chute vitamínico que es su ¡Buena suerte!
Y es que, con esa carga ciertamente metafórica en la que mantiene su ya habitual diálogo entre lo humano y lo animal, Ruth Gomez nos habla, nada mas y nada menos, que de la necesidad de regeneración. ¿Regeneración quizás tras la crisis?.
Tomando como ejemplo capacidad que poseen algunos seres vivos, animales y vegetales, de reactivar su desarrollo para restaurar tejidos faltantes, nos sugiere que seamos capaces, nosotros también, de reinventarnos, de no rendirnos. Y así nos recuerda la cualidad que permite a la lagartija recomponer su cola si la pierde, o a cierto tipo de medusas que tienen una vida infinita e ilimitada gracias a su capacidad de renovar todas sus células. También nos presenta otras especies más desconocidas y a veces chocantes, como el Axolotl, ese ser de apariencia alienígena capaz de regenerar sus órganos más complejos, o el Tardígrado, el oso de agua milimétrico que puede hibernar durante siglos y volver a la vida. Está incluso la planta del dinero (Plectranthus Verticillatus) mostrada en una especie de rueda sin fin: es la planta que, si se regala, nos traerá la bonanza económica. Ruth Gómez está muy influenciadas por el Pop art y el anime, término que identifica a la animación de procedencia japonesa. Su estilo siempre optimista, está caracterizado por el dinamismo y su personal empleo del color. Son sorprendentes sus dibujos a lápiz en blanco y negro así como el contraste en sus obras en color para las que destaca su destreza en el empleo de los medios digitales.
New Gallery
Carranza, 6
Madrid.
Del 19 de Septiembre al 8 de Noviembre 2014.
- ¡Buena Suerte! Ruth Gómez. La New Gallery - - Alejandra de Argos -
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- Escrito por Marina Valcárcel
Tras la entrada de carruajes de una bocacalle de la Gran Vía madrileña, cuelga sobre un patio luminoso la Galería Espacio Valverde que acoge, en este mes de Setiembre de 2014, la obra de Alejandro Botubol (Cádiz, 1979) y sus Cosmogonías.
2014, oil on canvas, 91 x 120 cm.
De origen griego, la etimología de Cosmogonía se reparte entre cosmos y nacer. Es pues, la respuesta al origen del universo a través de narraciones míticas. Y así, este artista recién trasladado a Nueva York y tras la atenta mirada a pintores americanos como James Turrell o Matt Connors, se enfrenta a explicarnos su particular visión del origen del universo, la luz, el espacio en obras de alto contenido metafísico.
Pico de oro. 2013
Oil on canvas, 46 x 55 cm.
"En los cuadros de Botubol esperamos objetos e historias, y acabamos encontrando espacio y luz y tiempo. “Qué vanidad que la pintura nos admire por su parecido con cosas que no nos admiran en la realidad”: Pascal dijo con esa frase una de las grandes tonterías de la Historia de las Ideas. Pero una tontería interesante, como lo son a menudo las tonterías. Botubol juega con ella: no dirige la atención hacia el parecido de su pintura con su objeto, sino hacia el testimonio del objeto en el tiempo. Y nos extrañamos con él ante un mundo transido de tiempo, el más común y a la vez el más caro de los pigmentos que diluye con cuidado en su pintura" (Javier Montes)
El enlace. 2013.
Oil on canvas, 35 x 45 cm
Queensboro art studio. 2013.
Long Island City, New York.
The road. 2013.
Oil on paper, 76 x 56 cm .
