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- Escrito por Marta Sánchez
Tendrá lugar en el Palazzo Bonaparte y expondrá pinturas, esculturas y acuarelas. En la selección se incluyen sus obras más celebradas, así como piezas inéditas y versiones de pinturas inspiradas en obras de clásicos renacentistas y barrocos, como Velázquez, Piero della Francesca o Rafael.
‘Bailarina en la Barra’. Fernando Botero, 2001. En mostrepalazzobonaparte.it
Fernando Botero no es, en realidad, un artista fácil de comprender o interiorizar. Y, sin embargo, su obra ha conectado con el público de todo el mundo, y es a día de hoy enormemente popular: las exposiciones reañizadas hasta la fecha han contabilizado millones de visitantes. Con profundas raíces en la tradición latina y en la cultura plástica de su país, Colombia, sus trabajos exploran un hiperrealismo surrealista que deconstruye la figura humana o animal en formas esféricas, fuera de toda proporción real. Con motivo del Año Jubilar en Roma que comenzará el 29 de diciembre de 2024, la Ciudad Eterna acogerá a partir de septiembre la retrospectiva más completa jamás celebrada sobre su obra. Una ocasión magnífica para admirar en directo algunas de sus piezas más celebradas, así como para descubrir acuarelas, pinturas y esculturas nunca antes mostradas ante el público. La muestra se celebrará en el Palazzo Bonaparte, perteneciente al Grupo Generali y establecido como Espacio de Valor Cultural en la ciudad de Roma.
Interior del Palazzo Bonaparte. En artsupp.com
Obras inéditas y versiones de clásicos
La exposición se celebrará del 17 de septiembre al 19 de enero, con la particularidad de que las obras mostradas son piezas de formato mediano y grande. Una experiencia casi inmersiva, que invita a disfrutar del realismo mágico del artista colombiano en el marco espectacular que ofrecen las salas del Palazzo. Entre los lienzos que se podrán admirar en la muestra, el visitante podrá admirar varias recreaciones de pinturas clásicas como las ‘Meninas’, inspiradas por el cuadro de Velázquez; la ‘Fornarina’, basada en el lienzo de Rafael; versiones de los retratos de la burguesía realizados por Rubens y Van Eyck, o el famoso ‘Retrato de los Duques de Urbino’, una reinterpretación de la obra de Piero della Francesca. Además, el público tendrá la oportunidad de descubrir obras menos conocidas o directamente nunca expuestas, así como lienzos con temática circense y taurina.
Esculturas al aire libre: 'Botero a Roma'
‘Mujer Sentada’. En wantedinrome.com
Coincidiendo parcialmente con la muestra del Palazzo Bonaparte y como complemento a la retrospectiva, del 10 de julio al 1 de octubre de 2024 se celebra la exposición ‘Botero a Roma’. En total, ocho esculturas monumentales originales del artista se alzan en distintos lugares de la ciudad. Toda una celebración del amor que tenía Fernando Botero por Italia, país al que llegó en los años 50 del siglo XX para estudiar a los artistas del Renacimiento italiano, y muy particularmente a su admirado Piero della Francesca. Las obras, entre las que se encuentran piezas emblemáticas como ‘Mujer Sentada’, ‘Gato’ o ‘Venus Dormida’, se podrán ver en los siguientes emplazamientos: Terrazza del Pincio, Piazza del Popolo, Largo dei Lombardi, Piazza di San Lorenzo in Lucina, Piazza Mignanelli y Piazza San Silvestro.
Exposición ‘Botero’. Palazzo Bonaparte, Roma, del 17 de septiembre de 2024 al 19 de enero de 2025. Más información: Mostre Palazzo Bonaparte – Mostra Botero.
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- Escrito por Marta Sánchez
Vuelve una cita ineludible con el arte más rompedor. En esta ocasión, la Bienal se centra en la salud mental y reúne a un total de 43 artistas, más de la mitad con algún tipo de discapacidad.
Foto: Cartel de la IX Bienal de Arte Contemporáneo de la Fundación ONCE
No todo es ARCO, Venecia o Berlín en el mundo del arte contemporáneo. La Fundación ONCE lleva décadas trabajando para visibilizar y concienciar a la sociedad acerca sobre las distintas problemáticas de las personas con discapacidad, y para ello emplea herramientas tan eficaces como la cultura o el arte. En este sentido, su Bienal de Arte Contemporáneo lleva ya nueve ediciones (contando la presente) y se ha convertido en un polo de atención del arte internacional.
‘Marioneta’. Filip Custic, 2021. Cortesía de Colección SOLO
Con presencia de algunos de los creadores más relevantes del momento y obras creadas por figuras fundamentales de los movimientos más influyentes de los siglos XX y XXI, en otoño volverá a Madrid y tendrá el espacio CentroCentro, perteneciente al Ayuntamiento de la capital, como base de operaciones. Las actividades también se expandirán al Centro Dramático Nacional y a La Casa Encendida, que acogerán eventos puntuales. La IX Bienal de Arte Contemporáneo de la Fundación ONCE se podrá visitar entre el 24 de septiembre de 2024 y el 12 de enero de 2025.
El arte contemporáneo como herramienta de transformación social
‘Carta no enviada’. Alejandra Caballero, 2024. Cortesía de Fundación ONCE
Este año, el título de la Bienal es ‘Caminos de resiliencia: la transformación de la salud mental a través del arte contemporáneo’. Sobre los motivos para la elección del tema de este año, el Presidente del Grupo Social ONCE y Fundación ONCE, Miguel Carballeda Piñeiro, comenta: “el arte es una herramienta poderosa y versátil para mejorar la salud mental. A través de la terapia del arte, la expresión emocional, la reducción del estrés, la mejora de la autoestima, la conexión social y la estimulación cognitiva, el arte puede ofrecer profundos beneficios psicológicos y emocionales. Incorporar el arte en la vida cotidiana o en los tratamientos de salud mental puede proporcionar una vía significativa hacia el bienestar y la recuperación”.
‘Quiero vivir para siempre’. Alberto Ros, 2023. Cortesía Galería Blanca Berlín
La selección de obra ha corrido a cargo de Mercè Luz Arqué, una figura fundamental en el arte contemporáneo y el trabajo social de nuestro país. Arqué ha comisariado todas las Bienales de la Fundación ONCE hasta la fecha, y ha sido la responsable de su Departamento de Cultura y Ocio hasta el año 2023, momento de su jubilación. Sobre la edición actual, Arqué señala: “Nos acercamos también a la pureza y autenticidad del arte marginal, cuyas creaciones, libres de convenciones y filtros, nos revelan el inmenso poder liberador y terapéutico del arte en su forma más cruda y honesta. Esta visión nos recuerda que el arte no solo refleja nuestra realidad, sino que también nos ofrece caminos de sanación, iluminando el recorrido hacia una salud mental más sólida y consciente”.
Obras maestras de los siglos XX y XXI
‘Habitación de hotel’. Edward Hopper, 1931.
MUSEO NACIONAL THYSSEN-BORNEMISZA, MADRID Nº INV. 594 (1977.110). EXPUESTA EN SALA 45
En total, el público podrá admirar la obra de 43 artistas nacionales e internacionales, con nombres fundamentales en el panorama artístico actual y obras de artistas de movimientos fundamentales del siglo XX, como Andy Warhol, Salvador Dalí o Edward Hopper. También se podrán ver obras realizadas por figuras imprescindibles del arte del segundo milenio, como Louise Bourgeois o Yayoi Kusama. El hilo conductor pasa por la relación del arte con la salud mental, que en algunos casos (como Kusama) se vuelve especialmente sensible. Además de los mencionados artistas, la selección incluye trabajos de nombres fundamentales del arte contemporáneo español como Carmen Calvo, y figuras emergentes como Cuco Suárez o María Álvarez, entre muchos otros. En el panorama internacional se presentarán trabajos realizados por artistas como Cindy Sherman, Danis Montero “Ascaniocuba” o Karman Verdi.
IX Bienal de Arte Contemporáneo de la Fundación ONCE. Del 25 de septiembre de 2024 al 12 de enero de 2025. Más información: https://arteycultura.fundaciononce.es/.
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- Escrito por Marta Sánchez
La figuración estructurada de la artista valenciana protagoniza una de las exposiciones más interesantes del verano madrileño. Una selección de 30 piezas que refleja la etapa más influyente de su trabajo, ubicada entre los años 20 y 40 del siglo XX.
Rosario de Velasco pintando ‘Lavanderas’. Archivo de la familia de la artista. Todas las imágenes: cortesía del Museo Thyssen-Bornemisza.
Los nombres de Picasso, Giorgio de Chirico o Tamara de Lempicka son mundialmente conocidos: su obra protagoniza grandes retrospectivas en los mejores museos del mundo y ha generado una poderosa influencia en la sociedad de las décadas posteriores. Pero hay otras figuras cuya relevancia es también fundamental, y que sin embargo permanecen en segundo plano hasta que una institución decide colocarlas en el lugar que merecen. Es el caso de Rosario de Velasco, la gran pintora madrileña que aunó tradición y modernidad, proponiendo nuevos puntos de vista en la plasmación de escenas y fusionando corrientes como el cubismo o la pintura metafísica con la figuración más tradicional.
Recorrido por la exposición “Rosario de Velasco”. En @thyssenmuseum
La obra de la artista se enclava en el movimiento Retorno al Orden, alineado con la Nueva Objetividad que surgió en Alemania y el Novecento italiano. Una corriente que propugnaba el regreso a los cánones figurativos frente al auge de la abstracción y de escuelas rompedoras como el Dadá, incluyendo al mismo tiempo la modernidad a través de la influencia de escuelas como el cubismo, la pintura metafísica o la mencionada Die Neue Sachlichkeit, impulsada en Alemania en 1923. Rosario de Velasco entró en contacto con estas corrientes a través de las revistas de arte que se publicaban en España en la década de 1920, y posteriormente resultaron clave para el desarrollo de su estilo personal.
Una oportunidad única para descubrir a una artista fundamental
'Adán y Eva'. Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía
El caso de Rosario de Velasco es muy particular. Algunas de sus obras son ampliamente conocidas, como ‘Adán y Eva’ (propiedad del Museo Reina Sofía de Madrid) o ‘Carnaval’ (perteneciente a la colección del Centro Pompidou de Madrid). Sin embargo y salvo excepciones, el resto de su producción resulta bastante desconocido para el gran público, así como la influencia que su obra ha ejercido en escuelas posteriores. Al igual que en muchos otros casos, su condición de pintora mujer no ayudó a su reconocimiento: de hecho, hasta 1995 su obra ‘La matanza de los inocentes’ fue atribuida al pintor Ricardo Valverde, al estar firmada con las iniciales RV.
'El Cuarto de los Niños'. Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía
La exposición del Museo Thyssen, organizada junto al Museo de Bellas Artes de Valencia y comisariada por Miguel Lusarreta y Toya Viudes de Velasco, pretende recolocar a la artista en la vanguardia del figurativismo pictórico español de la primera década del siglo XX. Para ello, la selección de obra se centra en piezas realizadas entre los años 20 y 40, considerada la época más prolífica y de mayor calidad en su trabajo. Junto a las obras ya mencionadas, el público tendrá la oportunidad de descubrir pinturas pertenecientes a la familia de la artista o conservadas en colecciones privadas. Algunas de las obras se encontraban hasta ahora en paradero desconocido, y han sido localizadas y recuperadas durante los últimos meses.
La exposición permanecerá abierta en el Museo Thyssen-Bornemisza del 18 de junio al 15 de septiembre de 2024, y posteriormente viajará al Museo de Bellas Artes de Valencia, donde se podrá visitar entre el 7 de noviembre y el 16 de febrero de 2025.
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- Escrito por Marta Sánchez
En la primera exposición de arte contemporáneo organizada en el castillo, las formas sinuosas y monumentales del escultor inglés establecen un fascinante diálogo con el edificio y su entorno.
Foto: ‘Points of view’ (2018). En lissongallery.com
Es posible que no reconozcamos el nombre del edificio, Castle Howard, y que al mismo tiempo su imagen nos resulte familiar. Y es que este espectacular emplazamiento ha sido protagonista de excepción en algunas series y películas con millones de espectadores. ‘Retorno a Brideshead’, tanto en su versión original de 1981 y la posterior de 2008, y la famosísima producción de Netflix ‘Los Bridgerton’ tienen la culpa de que el castillo y sus fincas hayan alcanzado la fama. Hoy, el arte inunda sus espacios interiores y exteriores; pero lejos del mundo audiovisual, es la escultura contemporánea la que genera un diálogo excepcional con la arquitectura y el paisajismo de Castle Howard, situado en North Yorkshire. Todo, gracias a la magnífica retrospectiva sobre el artista Tony Cragg (Premio Turner 1988) que ha organizado la galería Thaddaeus Ropac de Londres. Una ocasión imprescindible para admirar las esculturas y proyectos del creador británico, una de las figuras más importantes del arte contemporáneo a nivel mundial.
Teaser de presentación de la exposición de Tony Cragg en Castle Howard. Cortesía de la Galería Thaddaeus Ropac
Arte, naturaleza y arquitectura
Cuando se accede a los terrenos del castillo, la calzada nos conduce lentamente hacia una imagen impactante. Poco a poco, una forma brillante a medio camino entre lo orgánico y lo industrial se recorta sobre el cielo y se refleja en la lámina de agua del estanque que da paso al edificio. ‘Over the Earth’ (2015), una escultura de 5 metros de ancho en bronce pulido, nos da una espectacular bienvenida a la exposición: situada sobre un pedestal en el centro del estanque, se alía con la naturaleza circundante creando un sorprendente efecto de integración. Y al mismo tiempo, destaca como una figura “invasora” propia de otro universo. Una pieza que como ninguna otra representa esa dualidad entre lo orgánico y lo industrial, lo natural y lo artificial, y lo conocido y lo ajeno que tan bien define a la obra de Tony Cragg.
‘Over the Earth’ (2015). Foto: NickHoward. En ropac.net
“Me resulta interesante ver donde encontrarán las formas contemporáneas su lugar y qué papel podrían jugar”. Con estas palabras, Cragg acogió con los brazos abiertos la propuesta de la galería: organizar una retrospectiva de su obra en el castillo. Y es que resultaba toda una incógnita descubrir cómo interactuarían las formas radicalmente rompedoras de sus esculturas, sus colores intensos y su conceptualidad con la armonía clásica del castillo, su majestuosa solidez y los jardines clásicos que lo rodean. El resultado no puede ser más interesante: el sereno entorno parece dar relevancia a las obras, cuyo tamaño y monumentalidad se ven enfatizados. Los colores vibrantes y las superficies pulidas del metal, el vidrio y la resina se convierten en puntos de atención focal, que invitan a reflexionar sobre la convivencia entre lo antiguo y lo actual, los materiales, las formas y la creatividad en el arte a lo largo de las décadas.
‘Outspan’ (2008). En realyorkshireblog.com
Un diálogo permanente entre concepto y forma
En el interior del castillo, piezas como ‘Outspan’ (2008) rompen las líneas clásicas de la arquitectura con sus formas en espiral y sus potentes colores primarios. Al mismo tiempo, se alían con formas presentes también en techos y paredes: cúpulas, esculturas neoclásicas, molduras barrocas y frescos llenos de movimiento parecen reflejar la dinámica de las piezas, que encuentran su sitio y convierten el espacio en el ecosistema ideal para el arte contemporáneo. Algo que se muestra especialmente evidente en la elección de la ubicación de la obra ‘Eroded Landscape’ (1999), una gran escultura de cristal ahumado en la que varios pisos de botellas, vasos y jarrones parecen conformar los estratos de una falla geológica. Situada en el Templo de los Cuatro Vientos, una de las salas más atractivas del castillo, la pieza despliega su poderosa personalidad y su delicadeza al tiempo que recibe la luz de los grandes ventanales.
‘Eroded Landscape’ (1999). En realyorkshireblog.com
La exposición se mantendrá abierta al público entre el 3 de mayo y el 11 de septiembre de 2024. Más información: Galería Thaddaeus Ropac.
Imagen de la exposición. Foto: David Lynsey. En members.wnychamber.co.uk
‘Senders’ (2018). Foto: Michael Richter. En ropac.net
‘Industrial Nature’ (2024). Foto: Michael Richter. En ropac.net
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- Escrito por Elena Cué
La trayectoria profesional del singular joyero francés Elie Top (Hazebrouck, Francia, 1976) es cuanto menos fascinante. Desde edad muy temprana mostró inclinación hacia el diseño, la moda, la arquitectura o los jardines. Con sólo 15 años se aventuró a enviar algunos de sus diseños de moda a
La trayectoria profesional del singular joyero francés Elie Top (Hazebrouck, Francia, 1976) es cuanto menos fascinante. Desde edad muy temprana mostró inclinación hacia el diseño, la moda, la arquitectura o los jardines. Con sólo 15 años se aventuró a enviar algunos de sus diseños de moda a Christian Lacroix quien le recomendó estudiar en Chambre Syndicale de la Couture Parisienne, una institución privada donde se enseñan técnicas en pret a porter y alta costura. A partir de ahí, su carrera profesional despegó al colaborar con la prestigiosa casa de moda Yves Saint Laurent, en la que trabajó con el legendario y carismático diseñador, aprendió de la musa y diseñadora de la marca Loulou de la Falaise o con Alber Elbaz que había sido invitado por Pierre Bergé para llevar la línea femenina de prêt-a-porter y posteriormente como director creativo de la marca Yves Saint Laurent hasta la compra de ésta por Gucci.
Poco después, Albert Elbaz tomaría la dirección creativa de Lanvin contribuyendo al resurgimiento de la marca. Elie Top fue llamado por Elbaz para encargarse del diseño de joyas para la firma dándole total libertad para su expresión creativa. Posteriormente se hizo responsable de la línea de joyería de Alta Costura de Lanvin. La originalidad, elegancia e innovación estética de sus creaciones fueron ampliamente elogiadas y contribuyeron al inicio de una carrera fulgurante.
En 2015, decidió crear su propia firma de joyería, “Maison Elie Top”, caracterizada por piezas de grandes dimensiones en una fusión temporal entre una estética clásica y un tiempo que está por llegar. Sus joyas articuladas, mecanismos ocultos e innovación hace de sus diseños únicos y su sofisticada creatividad un referente de la alta joyería, alabado por el mundo de la moda y del arte.
Elie Top’s Stylish Jewels Have a Secret
- Elie Top, el orfebre que revoluciona Paris - - Alejandra de Argos -
