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- Escrito por Marta Sánchez
Comisariado por el prestigioso curador de arte brasileño Adriano Pedrosa, director del Museo de Arte de Sao Paulo, el evento artístico más importante del mundo abrirá sus puertas hasta el 24 de noviembre. Son ya 60 ediciones, lo que significa que la Bienal de Venecia lleva más de un siglo recogiendo las tendencias más importantes en el mundo de las artes para difundirlas por todo el planeta.
Foto: labiennale.org
Son ya 60 ediciones, lo que significa que la Bienal de Venecia lleva más de un siglo recogiendo las tendencias más importantes en el mundo de las artes para difundirlas por todo el planeta. En los próximos meses, la Exposición Internacional de Arte se podrá visitar en los Pabellones de los Giardini y del Arsenale, en el Pabellón Venecia situado en el centro de la ciudad y en la Prisión de Mujeres de la isla Giudecca. Este año, el evento una importante significación en cuanto a compromiso se refiere: su título, ‘Stranieri Ovunque – Foreigners Everywhere’ (Extranjeros en todas partes), hace referencia a temas candentes como la globalización, las migraciones y la interacción entre sociedades y culturas de todas partes del mundo. Temas en los que las artes siempre han tenido una fuerte implicación, como demuestra la exposición ‘Ensemble’ que se podrá visitar en el Palazzo Grassi durante los meses que dure la Bienal.
Vídeo de presentación de la Bienal de Venecia 2024
Esta edición está comisariada por Adriano Pedrosa, director artístico del Museo de Sao Paulo (Brasil) y uno de los expertos en arte más prestigiosos de la actualidad. Su intención ha quedado clara desde el primer momento: dar visibilidad y voz a aquellos colectivos artísticos que normalmente permanecen fuera de los ámbitos del poder. Tal y como señala la organización de la Bienal, “el artista queer, que se mueve entre distintas sexualidades y géneros y es a menudo perseguido o excluído; el artista outsider, ubicado en los márgenes del mercado y muchas veces autodidacta; el artista folk y popular, y el artista indígena, muchas veces tratado como extranjero en su propia tierra”. Esta edición, la producción de estos cuatro perfiles ha sido escogida como de interés para la Bienal y constituyen el contenido de la sección Núcleo Contemporáneo.
Foto: en visitlido.es
Diásporas y migraciones
Pero no será la única sección que se centrará en el desplazamiento y las diferencias entre el Sur Global y el Norte Global. El Núcleo Histórico, por su parte, expondrá una serie de obras realizadas por artistas latinos, africanos, asiáticos y de Oriente Medio durante el siglo XX. Según Pedrosa, la reflexión es urgente y necesaria. “Estamos demasiado familiarizados con las historias del modernismo en Europa y América, mientras que los modernismos del Sur Global son ampliamente desconocidos”, señaló con respecto a la selección de piezas. Esta sección incluye también una tercera sala dedicada a artistas de primera y segunda generación de la diáspora italiana del siglo XX, que han vivido y desarrollado su trabajo en otros países y continentes.
Foto: en rove.me
En la exposición intervendrán un total de 88 países, cuatro de los cuales (República de Benin, Etiopía, República Unida de Tanzania y la República Democrática de Timor Leste) desembarcan en la Bienal por primera vez. Por su parte, Nicaragua, la República de Panamá y Senegal participarán por primera vez con un pabellón propio.
La 'Pinacoteca Migrante' de Sandra Gamarra Heshiki ocupará el Pabellón Español
Foto: en rtve.es
El pabellón español estará representado por el montaje ‘Pinacoteca Migrante’, de la artista peruana Sandra Gamarra Heshiki. El Ministerio de Asuntos Exteriores, Unión Europea y Cooperación de España presentó en su día el proyecto junto con Acción Cultural Española, eligiendo por primera vez a una artista migrante para representar a nuestro país. Un enfoque muy similar al de la propia bienal, cuyo comisario es también el primer experto latinoamericano en ocupar el cargo en toda la historia del evento. El proyecto de Gamarra Heshiki transforma el pabellón español en una “pinacoteca invertida”, en la que se narran las historias silenciadas en lugar de los relatos oficiales. Las obras las protagonizan seres migrantes: humanos, pero también plantas, animales y materias primas que un día realizaron el viaje de un continente a otro.
La 60ª Exposición Internacional de Arte de la Bienal de Venecia 2024 se podrá visitar entre el 20 de abril y el 24 de novienbre de 2024. Más información: Biennale Arte 2024.
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- Escrito por Dr. Diego Sánchez Meca
Este libro se centra en algunas de las preocupaciones y desafíos propios de la modernidad europea desde el reconocimiento de la necesidad de encontrar en el presente nuevas formas de dar sentido y orientación a la vida humana, siguiendo el hilo conductor que, para ello, ofrece la reflexión de Nietzsche sobre Europa y la cultura europea.
Singladuras Nietzscheanas
Este libro se centra en algunas de las preocupaciones y desafíos propios de la modernidad europea desde el reconocimiento de la necesidad de encontrar en el presente nuevas formas de dar sentido y orientación a la vida humana, siguiendo el hilo conductor que, para ello, ofrece la reflexión de Nietzsche sobre Europa y la cultura europea. Para ello el autor opera con un concepto del ser humano como ser cultural, es decir, como ser que, habiendo sobrepasado la pura animalidad en su pasado ancestral, se ha configurado como humano, a lo largo de las épocas, en virtud de un proceso de hominización, de socialización y de moralización, de tal modo que ha hecho de la cultura el horizonte que engloba todos los aspectos de su existencia, tanto individual como colectivamente. Partiendo de lo que aportan las ciencias tanto naturales como históricas, es posible describir entonces el proceso de hominización y de culturización específicamente europeo producido bajo distintas formas y con diferencias entre las distintas épocas y frente a otras culturas, dando lugar a la posibilidad de diferenciar entre “tipos” o “estilos” de vida.
Sobre esta base, el tratamiento de la cultura europea se centrará entonces, con preferencia, en el estudio de los valores, normas e ideales que han contribuido a fundamentar su identidad. Y lo hará de forma crítica, es decir, evaluando esos valores que han funcionado como condiciones de vida en la historia de nuestra cultura, y que, en parte, han contribuido a su potenciamiento y expansión, pero que también, en parte, han contribuido a su debilitamiento y decadencia. Pues sólo a partir de esta evaluación es posible pensar en nuevas posibilidades de futuro. La reflexión filosófica no ha de ser sólo una actividad teórica, sino que debe ser misión suya también contribuir a la tarea de entrenar al ser humano para propiciar los tipos más saludables y las formas de vida más fuertes. Para ello se deben impulsar cambios en los valores dominantes hasta que una eventual creación de valores nuevos y su respectiva asimilación gradual puedan hacer posible el advenimiento de mejores tipos de seres humanos, e incluso de un ser humano superior en un contexto renovado de la cultura europea. Pues que la filosofía sea una genealogía, en el sentido en que la diseña Nietzsche, implica entender la búsqueda del conocimiento dirigida, por un lado, a la identificación de las fuerzas de la vida que actúan secretamente en la producción de los valores y de los ideales para, a partir de ese conocimiento, por otro, tratar de intervenir en el ámbito de la cultura y en el tipo de condiciones de existencia que podrían hacer posible un progreso en las formas y modalidades del “buen europeo”.
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- Escrito por Marta Sánchez
La feria de arte contemporáneo más importante de España abre sus puertas un año más, con cambio de fechas y la intención de fomentar el nuevo coleccionismo. Esto es lo que vimos en una edición muy ambiciosa, que se aleja del riesgo para apostar por el mercado.
Obra de April Bay (193Gallery)
La apertura de puertas de ARCO MADRID es siempre un acontecimiento en el calendario cultural, tanto madrileño como nacional. La 43ª edición de la feria de arte se inauguró el día 6 de marzo, con presencia de galeristas y prensa y la asistencia de los Reyes. Con una sección especial dedicada al Caribe y dos ya clásicas en el evento (una centrada en América Latina y otra para nuevas galerías), los dos pabellones ofrecen un panorama muy revelador sobre el presente y el futuro el mercado del arte nacional e internacional.
Porque no hay que olvidar que ARCO es precisamente eso: un mercado, enfocado a la venta de arte y al fomento del coleccionismo. Pero al mismo tiempo, es una excelente oportunidad para analizar en qué están trabajando los artistas elegidos por las galerías y cuáles son las nuevas formas de mostrar, comercializar y entender el sector.
Obra de Adolfo Bimer (ATM Galería)
Poco riesgo para una edición que se prometía más ambiciosa
Para quienes busquen caminos de evolución e investigación, a primera impresión resulta decepcionante. Los dos pabellones que acogen el evento mantienen la propuesta clásica de los stands, que en general apenas sorprenden en sus proyectos. Salvo excepciones, como el magnífico montaje y selección de obra de las galerías Mor Charpentier (Bogotá/París) y Patricia Ready (Chile), en general vimos poca apuesta por el riesgo a la hora de exponer.
Lo mismo rige para la propia feria, que solo ha creado un espacio especial para la sección ‘La orilla, la marea, la corriente: un Caribe oceánico’, mientras que las otras dos, ‘Opening’ y ‘Nunca lo mismo. Arte latinoamericano’, ocupan dos pasillos y se identifican únicamente por el color de las cartelas de las galerías (al igual que en otras ediciones). La sección dedicada al Caribe, por su parte, se articula en un espacio ondulado con un envolvente que se pliega en algunas zonas. Una propuesta en principio interesante, que puede llegar a desconcertar al visitante y a fagocitar la obra en sí.
Técnicas tradicionales para un arte de futuro
'Korekore Handwritting'. Moffat Takadiwa (Semiose)
En lo que respecta a tendencias, el arte pictórico clásico sigue reinando en los stands. Clásicos como Picasso, Tapiès o Miró vuelven a estar presentes con obras de precios millonarios, conviviendo con artistas emergentes que ofrecen más posibilidades de inversión para nuevos coleccionistas. En escultura e instalación los materiales tecnológicos coexisten con los tradicionales, una tendencia recurrente en el arte de las últimas décadas. La presencia de obras en cerámica, tapices y maderas talladas deja claro que el propósito de recuperar el arte tradicional y los métodos artesanales, llevándolos a nuevas formas de expresión y combinándolos en ocasioes con nuevas tecnologías, ha venido al mundo del arte para quedarse.
Piezas impresionantes, como el tapiz de Bianca Bondi (una artista muy a tener en el punto de mira) en el espacio de Mor Charpentier o la espectacular obra de April Bay en 193Gallery (en la foto que encabeza este artículo), dejan claro lo acertado de esta recupración de la tradición cultural y artesanal. Fascinante también el uso de nuevos materiales en estos formatos, como el gran tapiz creado por Moffat Takadiwa y que se puede ver en el stand de Semiose. Una obra realizada con teclas de ordenador y cabezales de cepillos de dientes que destila intención, profundidad y talento.
Textiles e inteligencia artificial
'Curtain fall'. Claire Lindeer (maabG)
Está claro que el arte orgánico, realizado con técnicas manuales, cobra cada vez más relevancia. Frente a aquellos que temían que la AI se hiciese con el mercado del arte y desbancase la producción puramente humana, esta edición de ARCO Madrid pone esa predicción en entredicho. Además de las obras citadas, piezas monumentales como 'Abejas Silenciosas' (Sandra Monterroso, Galería Zielinsky) y obras murales como la orgánica e inquietante 'Curtain Fall' de Claire Lindeer (maabG) demuestran la buena salud que muestran esta vía de investigación y de creación.
'Abejas Silenciosas'. Sandra Monterroso (Zielinsky)
Y hablando de AI, aunque su uso no es en absoluto omnipresente, está claro que parte de los tiros del arte pasan por ahí. en ocasiones realmente acertados. Porque una cosa es encargar a una AI que cree arte, con las limitaciones que eso conlleva (y el riesgo para la creación artística humana), y otra utilizarla como herramienta para generar obra de calidad. Es el caso de la instalación del artista Lu Yang para la galería Societe, donde tres pantallas con imágenes creadas con la ayuda de AI generan un entorno distópico y con múltiples referencias a la cultura del anime, los videojuegos y la Sci-Fi, característico de su trabajo.
'Doku' (fotograma). Lu Yang (Societe).
Un arte multidireccional que apela a todos los espíritus
'Kev'. Elmgreen & Dragse (Helga de Alvear)
Fuera del ámbito puramente comercial, afortunadamente sigue habiendo proyectos que apuestan por incluir obras más enfocadas a la investigación y el arte conceptual. En este sentido hay que felicitar a todo un clásico, el espacio de la galería Helga de Alvear, por exponer la instalación ‘Kev’ de Elmgreen & Dragse. Una pieza impactante que es todo un relato de por sí, y que combina una imaginería potente con un acertado título que aumenta su capacidad de inquietar.
Sin dejar de lado las propuestas más clásicas, entre las que destacamos la de la galería Cayón, con excelentes obras pictóricas de artistas como Mel Boucher o Piero Dorazio y alguna joya escondida, como un dibujo de Paul Klee.
Obras de Mel Boucher y Piero Dorazio en el stand de la Galería Cayón.
ARCO regresa con potencia, en busca de nuevos coleccionistas que quieran invertir en arte. La presente edición se cierra con un ciclo de actos, charlas y conferencias, y con un fin de semana que promete mucho movimiento. Al mismo tiempo, Madrid explota esta temporada con una propuesta expositiva acorde al prestigio de la feria, con la presencia de nombres como Antoni Tàpies, Mari Katayama, Isabel Quintilla o Chagall en distintos centros de la capital.
- ARCO 2024. ¿Hacia dónde va el mercado del arte? - - Alejandra de Argos -
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- Escrito por Marta Sánchez
Como parte del ecosistema de la Bienal de Venecia 2024, el emblemático edificio acoge una gran exposición de la artista etíope y varios artistas de su entorno con más de 67 obras fundamentales, pertenecientes a la Colección Pinault.
Vista de la exposición. En designboom.com
Casi a punto de comenzar la Biennale de 2024, Venecia se abre al arte e inunda sus calles y edificios de actividades y exposiciones. Uno de sus edificios más icónicos, el Palazzo Grassi, acoge la muestra más ambiciosa realizada hasta la fecha sobre la artista Julie Mehretu. Su nombre: 'Ensemble'. Más de 50 obras forman parte de la selección, creando un “mapa de mapas” en los que la artista reflexiona sobre la geopolítica, la historia y los movimientos revolucionarios. En 2019 Mehretu participó en la propia Bienal, y una de sus obras se expuso como parte de la exposición central del evento, ‘May you live interesting times’. En esta ocasión comparte temporada, pero no espacio: aunque la muestra se encuentra fuera del recinto, forma parte del programa expositivo del año y se mantendrá abierta hasta el día 6 de julio de 2025.
Las piezas expuestas, del gran formato al que nos tiene acostumbrados su creadora, combinan disciplinas hasta el punto de fundirse entre ellas y con el entorno. Además de sus clásicos paneles traslúcidos, la exposición incluye también instalaciones, grabados, esculturas y obras en técnica mixta que configuran una selección coherente y compleja. Gran parte de las obras son propiedad de la Colección Pinault, cuya Chief Curator, Caroline Bourgeois, se ha hecho cargo de la organización y comisariado de la muestra en colaboración con la propia artista. El resto han sido prestadas por colecciones privadas y centros de arte de todo el mundo. La selección cubre un plazo temporal de 25 años, siendo una muestra significativa del trabajo de Mehretu y su evolución a lo largo de las últimas décadas. Los visitantes también podrán descubrir algunas de sus últimas obras, realizadas entre 2021 y 2024.
'Ensemble'. Trailer de la exposición en el Palazzo Grassi. Pinault Collection.
Un diálogo con otros artistas y con el propio entorno
Los paneles luminosos, profundos y reivindicativos de Mehretu, así como sus potentes esculturas y esa instalación que evoca escombros y destrucción (tanto física como cultural), parecen encontrarse como en casa en los espectaculares interiores del Palazzo. Frescos, molduras, pan de oro y arañas de cristal conviven con los trazos negros, sutiles y agresivos a un tiempo, con los que la artista “tunea” dibujos de ciudades devastadas. En el caso de una de sus obras más célebres, ‘Damascus’, de la cual ha realizado distintas versiones, una de ellas propiedad del Centro Botín de Santander. La selección del enclave no es casual: el Palazzo Grassi es propiedad del empresario François Pinault, uno de los coleccionistas de arte contemporáneo más importantes del mundo.
'Epigraph, Damascus', 2016. En centrobotin.org.
Pero las piezas de Mehretu no solo dialogan con los espacios, sino que conviven con obras de artistas de su entorno personal con quienes ha colaborado de forma permanente a lo largo de los años. Su trabajo se expone junto con diecisiete creaciones pertenecientes a la Colección Pinault, realizadas por Paul Pfeiffer, Tacita Dean, David Hammons, Jessica Rankin, Huma Bhabha, Nairy Baghramian y Robin Coste Lewis. El nombre de la muestra es paradigmático: "ensamblar", una referencia al arte perteneciente a una comunidad de creadores y creadoras, afectados por las mismas circunstancias. En una conversación con Caroline Bourgeois, Mehretu hacía hincapié en ello: “La mayoría pertenecemos a la generación que ha crecido al inicio del periodo postcolonial, y hemos tenido que hacer frente a los procesos de violencia que resultaron de ello”, comentaba.
‘Among the Multitude XIII’, 2021-2022. © Julie Mehretu. Cortesía de la artista y de Marian Goodman Gallery, New York. En mariangoodman.com.
Títulos como ‘Rise of the new suprematists’, ‘Black city’ o la propia ‘Damascus’ dejan bien claro que su arte no es meramente estético o intelectual, sino que apunta directamente a los conflictos sufridos por distintas comunidades en todo el mundo. ‘Ensemble’ hace suyo este enfoque y refuerza la idea del trabajo colectivo; en palabras de los representantes de la Colecció Pinault, “más allá de sus diferencias formales, las preocupaciones comunes y los impulsos compartidos salen a la luz, poniendo en entredicho la idea de que la artista trabaja sola y mostrando que, por el contrario, está conectada a los demás, a sus pensamientos y sus sensibilidades’.
La muestra ‘Ensemble’ se podrá visitar en el Palazzo Grassi de Venecia entre el 17 de marzo de 2024 y el 6 de enero de 2025. Más información: Colección Pinault.
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- Escrito por Marta Sánchez
La BNE inaugura su nuevo espacio expositivo: un descenso a los bajos del edificio donde lo maldito y los prohibido convive con lo excelso. Los comisarios nos invitan a recorrer un camino de cultura, plagado de avatares y de rincones oscuros. Un gran libro visual y digital.
Como un gran libro textual, visual y digital. Así describe la BNE su nuevo espacio expositivo, que sustituye al antiguo Museo de la institución para reivindicar la importancia de la cultura presente, pasada y futura a través de las nuevas formas de mirar y de experimental. El proyecto, comisariado por el escritor, guionista, comisario y crítico cultural Jorge Carrión y la BNE, ha supuesto una nueva conceptualización del espacio por parte de Mario Tascón y el estudio Prodigioso Volcán. Y qué mejor lugar que el subsuelo para ubicar un Infierno: el espacio se encuentra en los bajos del edificio de la BNE, y lleva por nombre ‘El Infierno y las Maravillas’. Porque la historia de la cultura y de los libros tiene su lado brillante y su lado oscuro, y ambos entretejen un recorrido fascinante y lo retroalimentan a lo largo de los siglos.
Óscar Arroyo, Director de la Biblioteca Nacional de España, señaló en la inauguración que el objetivo es crear “un espacio de reflexión sobre la importancia de la cultura como hilo conductor de la convivencia en las sociedades avanzadas, así como de la importancia de la conservación de nuestro patrimonio documental y bibliográfico”. Los libros y las obras que sufrieron la censura tienen su sitio en el Infierno, mientras que las propuestas más abiertas constituyen las Maravillas. Sobre su coexistencia, Arroyo señaló que "el diseño aboga por promover el diálogo y la reflexión crítica con el visitante, abriendo una nueva ventana al público con los fondos de la BNE”.
Un descenso al abismos: tras los pasos de Dante y de Borges
En muchas ocasiones, la búsqueda de la verdad, el amor o del conocimiento se ha reflejado en la literatura clásica como un descenso a las profundidades. Dante descendió siguiendo a Beatriz; Ulises, en busca de respuestas; y en su relato ‘El Aleph’, el personaje de Borges baja a un sótano en buscar de “un tipo de conocimiento que no se puede encontrar en la superficie”, en palabras del comisario Jorge Carrión. Según su planteamiento, los dos planos (superficie y profundidades) se reflejan en el espacio, y “representan al lector individual y la idea del lector, como constantemente se comparten ecos entre la biblioteca personal y las grandes bibliotecas; entre la experiencia propia y única, y la experiencia universal”.
La forma de organizar la exposición permanente es una de las claves del nuevo espacio. De nuevo, se juega con planos simbólicos para hacer coexistir obras muy distintas que guardan una indudable relación entre sí. El orden cronológico se deja atrás en favor de la propuesta de diálogo, la “ley del buen vecino” que defendía el historiador de arte Aby Warburg.
“Junto al ‘Atlas Mnemosyne’ del propio Warburg encontramos ‘Las Bibliotecas de la Antigüedad’ de Justus Lipsius, la historia de la librería ‘Shakespeare and Company’ de Sylvia Beach, la reproducción de una carta autógrafa de Miguel de Cervantes o los exlibris de Enric Granados y Leonor Miquel”.
Nuevos formatos, nuevas interacciones
Con el propósito de desmarcarse de las formas expositivas más obsoletas, y teniendo muy presente que el visitante actual busca otra forma de recibir (y de compartir) la información, ‘El Infierno y las Maravillas’ reúne libros, obra sobre papel, vídeos, animaciones interactivas, murales y pantallas. “Letras detenidas e imágenes en movimiento”, con obras-performance como ‘Farenheit 451’ de Joan Fontcuberta; pero también libros censurados y prohibidos, “condenados” a existir en el Infierno de la BNE. ‘Persépolis’, ‘Lolita’, ‘El principito’, ‘Los versos satánicos’… Antiguos diablos, hoy en el Olimpo de los dioses.
El espacio incluye también varias cronologías, que muestran la evolución de la comunicación escrita a lo largo de los siglos. Del primer alfabeto escrito, a los mensajes de Whatsapp; de las pinturas rupestres, al archivo incomensurable (y todavía invaluable) que es la Nube. La fecha tope que se ha puesto la BNE en su investigación es el año 2050, para el cual propone preguntas y cuestiones sobre las que merece la pena reflexionar. Y como lectores y lectoras los hay de todas las edades, el espacio también propone un recorrido para los más pequeños creado por la artista Nuria Tamarit. Tres personajes acompañarán a los y las visitantes en el recorrido, con la colaboración entre el ser humano y las inteligencias artificiales en la construcción del conocimiento como eje del recorrido.
Transitar entre ‘El Infierno y las Maravillas’ es un lujo, un placer y un reto. En la Biblioteca Nacional de España nos invitan a descender al último círculo del averno y a ascender a los cielos, en un camino de doble vía que entrelaza el conocimiento humano. Un camino que merece la pena recorrer.
