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- Escrito por Marta S. Galindez
El artista español más cotizado regresa a Madrid con “Vida de Pulpo”, una exposición de material inédito que se sumerge en el universo marino del creador mallorquín. La muestra incluye obra sobre papel, pintura y cerámica permanecerá en la capital hasta el 30 de marzo.
Tiempo de Vida. Obra de Miquel Barceló. Técnica mixta sobre lienzo. En InfoArte / fotoLog.
“Llevaría una vida de pulpo / de noche comiendo cangrejos y gambas…” El deseo confeso de Miquel Barceló se hace imagen en la exposición que se inaugurará el 19 de enero en la galería Elvira González de Madrid. Vida de Pulpo reunirá una selección de obra inédita a cargo del artista mallorquín, que regresa a la capital para mostrar una vez más un fascinante universo donde el mar, la fauna y el gesto son protagonistas de excepción. La exposición mostrará un total de veintinueve obras: quince pinturas sobre lienzo, doce piezas en papel y dos cerámicas. Las obras han sido realizadas a lo largo de los últimos dos años y nunca se han expuesto hasta la fecha, lo que convierte a la muestra en un acontecimiento artístico de primer orden.
Portada del catálogo de la exposición Vida de Pulpo - Miquel Barceló. Galería Elvira González.
La exposición refleja una de las pasiones de Barceló: el mar en toda su potencia, su poesía y su capacidad de desolación. Las imágenes de fauna marina, los colores (poderosos o matizados) y las barcas, tan queridas a su imaginario, aparecen de nuevo en el trabajo de los últimos tiempos: siempre presentes, siempre cambiantes. Durante el tiempo en el que realizó las obras que forman parte de la exposición, el artista fue llenando dos cuadernos con dibujos, reflexiones y poemas; los textos se acompañan de un diario donde aparece documentado el proceso de creación de cada pieza. Todo el material, incluyendo reproducciones de las obras expuestas, se publicará en un catálogo editado por la galería Elvira González. Junto a Vida de Pulpo, los visitantes podrán contemplar también otras obras sobre papel realizadas por Miquel Barceló en los últimos tiempos: ilustraciones para el Fausto de la editorial Galaxia Gutemberg, tauromaquias y autorretratos.
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- Escrito por Marta S. Galindez
La gran escultura, una cabeza femenina de 12 metros de altura creada por el artista Jaume Plensa, permanecerá sobre el pedestal vacío de la Plaza de Colón durante un año para luego viajar a otras ciudades europeas.
Vista aérea de la Plaza de Colón con la escultura Julia en primer plano, a la derecha. En Elle Decor.
La Plaza de Colón de Madrid inaugura el 2019 con una protagonista de excepción. Julia, la gran escultura de Jaume Plensa, brilla ya en pleno corazón de la capital invitando a la reflexión y a la introspección entre la incesante vida urbana. La obra es una escultura de 12 metros de altura que reproduce la cabeza de una niña, con los ojos cerrados y de color blanco. La adopción de Julia por parte de la capital no será permanente: la obra ocupará un pedestal vacío de la plaza (dedicado a exponer obras de arte temporales) durante un año. Transcurrido este tiempo, la escultura viajará a otras ciudades de Europa. Hace 10 años, el pedestal servía de base a la Estatua de Colón; hoy es la superficie expositiva destinada a un programa artístico de tres convocatorias, patrocinado por la Fundación María Cristina Massaveu Peterson.
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La iniciativa de traer la obra de Plensa a Madrid fue puesta en marcha por el gobierno municipal anterior. El actual consistorio decidió seguir adelante con la propuesta y actualmente Julia se eleva sobre el ruido de la ciudad, invitando a los viandantes al recogimiento. Según el artista catalán, uno de los más importantes del panorama contemporáneo, su obra es “un espejo poético y virtual en el que cada uno de nosotros pueda verse reflejado […], provocando un instante de reflexión personal e íntimo dentro del agitado dinamismo que genera el espacio público”. Habrá que ver si cuando pase el año, el clamor popular invita a Julia a quedarse en Madrid para siempre. Sin embargo, su creador lo tiene claro: "Julia se irá porque la concebí así: como un mensaje en una botella".
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- Escrito por Marta Sánchez
La instalación del artista danés y el geólogo Minik Rosing, formada por veinticuatro bloques de hielo traídos del mar de Groenlandia, se derritió lentamente en pleno corazón de Londres coincidiendo con la cumbre del clima COP24 (Polonia)
Instalación Ice Watch en Londres. Olafur Eliasson y Minik Rossing. En Artist for Climate.
De arte efímero y socialmente inquisitivo podríamos calificar la obra Ice Watch, creada por el artista contemporáneo Oliafur Eliasson para concienciar a la sociedad sobre el peligro que suponen para el planeta el cambio climático y el aumento de la temperatura de los mares. La pieza, un conjunto de bloques de hielo extraídos de forma sostenible de las aguas de Groenlandia y colocados en dos puntos clave de la ciudad de Londres, fue inaugurada en Londres el 11 de diciembre. La elección de la fecha no es gratuita: la idea era hacer coincidir el comienzo del deshielo con la COP24, la cumbre sobre el clima que celebrada en Polonia del 3 al 14 de diciembre. Para la extracción y el traslado de las masas de agua congelada, Eliasson contó con la colaboración del geólogo danés Minik Rosing.
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Ice Watch: arte efímero para concienciar sobre el cambio climático
Frente a quienes cuestionaron el traslado de hielo de Groenlandia a Londres por razones medioambientales, Rosing señaló que “cada segundo, Groenlandia pierde 10.000 bloques de hielo exactamente iguales a estos. El agua que generan se va acercando a Londres, a Nueva York, a cientos de ciudades, un poco más cada día”. El primer Ice Watch fue instalado en Copenhague en el año 2014, mientras que la ciudad París vio su propia versión en 2015. El propósito de Eliasson es mostrar cómo se funde el hielo en tiempo real, de forma tangible: “hacer más explícitos los datos científicos para poderlos sentir de primera mano”. Mientras los políticos debatían en la cumbre de Polonia, los bloques del artista se iban fundiendo poco a poco para finalmente desaparecer. Una metáfora elegante, plástica y certera de la insensibilidad del ser humano frente a la huella que deja en el planeta.
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- Escrito por Marta Sánchez
"Santa Catalina de Alejandría" recupera su esplendor gracias a la magnífica restauración realizada por los expertos del museo. El proceso se podrá admirar junto con el lienzo en una completa exposición, abierta hasta el 25 de mayo.
Restauración de Santa Catalina de Alejandría: antes y después. Museo Nacional Thyssen-Bornemisza.
El nombre de Michelangelo Merissi Caravaggio arrastra multitudes. Sus cuadros profundamente barrocos, llenos de pasión y desasosiego y ejecutados con una maestría sin límites han convertido al artista italiano en una de las estrellas del firmamento del arte. El Museo Nacional Thyssen-Bornemisza, propietario de una de las escasas obras del artista que se conservan en España, desvela este mes el resultado de la restauración y el estudio técnico del lienzo Santa Catalina de Alejandría. El trabajo ha sido realizado por el Área de Restauración del museo con la colaboración de Asisa y actualmente se puede seguir en una exposición que permanecerá abierta hasta el 25 de mayo, en la cual el protagonismo se lo lleva sin duda el propio cuadro. La obra fue encargada a Merissi por el cardenal Francesco Maria del Monte: para representar a la santa, el arista eligió como modelo a Fillide Melandroni, una cortesana muy popular en Siena entre los siglos XVI y XVII y que por aquel entonces tenía 17 años.
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Presentación de la restauración y estudio técnico de Santa Catalina de Alejandría, de Michelangelo Merissi Caravaggio.
La pintura es un retrato fiel de la joven, que posa retadora mirando directamente al espectador y con la palma del martirio discretamente abandonada sobre un almohadón. Fillide Melandroni fue el motivo por el cual el pintor (eterno protagonista de reyertas y borracheras) mató a su proxeneta Ranuccio Tomassoni en 1606, tras lo cual tuvo que exiliarse de Siena para huir de la justicia. La restauración ha revelado sutiles detalles de la obra original, como el cabello suelto de la santa, y ha eliminado capas de suciedad y de barnices envejecidos dejando al descubierto el original del artista. Para la restauración de la obra se han empleado técnicas de última generación y trabajos de laboratorio, que junto con el trabajo de los expertos del museo han dado lugar a un resultado espectacular. Es el momento de redescubrir una obra maestra, transgresora y delicada, que cuatrocientos años después de su realización sigue despertando una admiración sin límites.
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- Escrito por Marta S. Galindez
En junio de 2019, la MK Gallery (Milton Keynes, Reino Unido) estrenará por todo lo alto su nuevo look con la inauguración de Paula Rego: Obedience & Defiance, una gran retrospectiva dedicada a la imprescindible artista portuguesa
Mujer perro (1994). Obra de Paula Rego en DrawDrawDraw
En junio de 2019, la MK Gallery (Milton Keynes, Reino Unido) estrenará por todo lo alto su nuevo look con la inauguración de Paula Rego: Obedience & Defiance, una gran retrospectiva dedicada a la imprescindible artista portuguesa. Actualmente la galería de arte permanece cerrada por reformas: las obras incluyen la construcción de una gran ampliación a cargo del estudio 6a architects, que doblará el espacio útil de la galería. Para el diseño del nuevo espacio, el estudio ha contado con la colaboración de los artistas Nils Norman y Gareth Jones. La reapertura está prevista para marzo de 2019.
Ampliación de la MK Gallery por el estudio 6a aerchitects. En www.6a.co.uk
La exposición con la que la nueva MK Gallery se presentará en sociedad reúne una gran selección de obras de una magnífica artista contemporánea, Paula Rego. La muestra es la primera retrospectiva de la creadora portuguesa en el Reino Unido desde hace 10 años, e incluye obras creadas desde los años 60 hasta la actualidad. En la selección se podrán admirar trabajos nunca expuestos, siempre centrados en la figura de la mujer y su presencia (o ausencia) en el entorno sociocultural. La exposición exhibirá piezas emblemáticas como Mujer Perro (1994) o El sueño de José (1990) y compartirá espacio con otra importante muestra, dedicada al hiperrealista George Stubbs.
