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- Escrito por Marta S. Galindez
El famosísimo artista norteamericano, figura clave de la escena plástica de los años 50, 60 y 70, habla con New York Times Magazine sobre su vida, su obra y su trabajo.
Jasper Johns en diciembre de 2018. Fotografía de Joel Sternfeld en nytimes.com
Jasper Johns responde como pocos al mito del creador solitario, alejado del mundo y encerrado en la creación de su obra. A sus 88 años, el pintor y escultor norteamericano vive recluido en su casa de Sharon, Connecticut, y mantiene el mínimo contacto con la sociedad artística. Johns nunca ha sido prolífico en sus declaraciones, rehusando a menudo hablar sobre su trabajo o el de los demás: por eso, aún resulta más sorprendente saber que ha concedido una entrevista a M. H. Miller para New York Times Magazine. El encuentro tuvo lugar en la casa del artista, donde ambos conversaron sobre la vida, el arte y los planes del artista para el futuro. A pesar de su avanzada edad, Jasper Johns continúa creando obra y se reinventa constantemente con nuevas iconografías y técnicas: de hecho, actualmente la Galería Matthew Marks de Nueva York expone sus últimos trabajos. A esta exposición le seguirá un evento de la máxima importancia: en otoño de 2020, el Whitney Museum y el Philadelphia Museum of Art organizarán simultáneamente la mayor retrospectiva de la obra de Johns hasta la fecha, dividida entre las dos sedes.
Sin título (2018). Óleo sobre lienzo seleccionado para la exposición de Jasper Johns en la Galería Matthew Marks. En matthewmarks.com
Durante la entrevista el artista habla sobre su infancia (sus padres se divorciaron cuando tenía 2 años y quedó al cuidado de distintos familiares hasta su adolescencia), su trayectoria artística y su relación con grandes figuras del arte norteamericano de la época, como John Cage, Willem de Kooning o Andy Warhol. Y en especial, sobre Robert Rauschenberg. Rauschenberg y Johns compartieron amistad, trabajo, entorno y amor, siendo una de las parejas más creativas e influyentes del arte contemporáneo. Preguntado sobre esta relación, Johns declara: “la relación con Bob fue extremadamente importante para mí, como artista y como ser humano”. Sin embargo, cuando se trata el tema de su rutina de trabajo, Johns se muestra mucho más opaco que cuando habla sobre su vida personal. “La rutina consiste simplemente en ponerme a ello, supongo. [...] Creo que ahora produzco menos obra. Creo que tiene que ver con la edad, pero no lo sé. Y tampoco sé lo que piensan otras personas acerca de mi producción. En alguna ocasión he trabajado en algo durante mucho tiempo y da la sensación de que no estoy produciendo nada, pero al final algo sale”. Durante la entrevista, Johns también confesó a Miller que acababa de terminar una obra para la exposición de la Galería Matthew Marks que le había llevado entre tres y cuatro años de trabajo… Pero no quiso revelar cuál es.
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- Escrito por Marta S. Galindez
Con motivo del centenario de la creación de la legendaria escuela, el colectivo SAVVY Contemporary ha puesto el vehículo en la carretera para “desaprender” y conmemorar su legado.
Imagen del autobús de proyecto Spinning Triangles. En dezeen.com
Ya han pasado 100 años desde que Walter Gropius fundara la famosísima Bauhaus en la ciudad de Dessau. Tan solo cuatro años después la institución fue clausurada por el partido nazi, pero su influencia ha pervivido a lo largo de las décadas, tanto en las artes plásticas como en el diseño y la arquitectura. Para celebrar y recordar el momento de su creación, un siglo después el colectivo de diseño SAVVY Contemporary ha puesto en marcha un proyecto llamado Spinning Triangles, cuyo protagonista es un autobús diseñado a imagen y semejanza del famosísimo edificio que un día albergó la escuela. El autobús o Wohnmaschine (máquina de vivir) comenzó su andadura en Dessau, Alemania, y proseguirá su periplo por Kinshasa, Berlín y Hong Kong. El propósito del colectivo incluye informar sobre el legado de la Bauhaus, pero también “desaprender” sus influencias eurocentristas. En sus propias palabras, el proyecto se basa en el ideario de la Bauhaus; pero “no solo para repetirlo, sino para cambiarlo. Crearemos una escuela de diseño que tenga lo necesario para afrontar los retos del ‘ahora’, y que podría, precisamente, convertirse en una ‘no-escuela’”.
Inicio del recorrido del autobús Wohnmaschine. Vía SAVVY Contemporary
“Esta escuela”, continúan, “no se desarrollará en torno al occidente geopolítico, sino alrededor del movimiento acelerado que trascurre entre cuatro lugares interconectados: Dessau, Kinshasa, Berlín y Hong Kong”. El autobús ha sido diseñado por Van Bo Le-Mentzel y alberga un aula de 15 metros cuadrados. En su interior hay un área para exposiciones y talleres, así como una pequeña biblioteca con libros dedicados a la Bauhaus y su legado. Tras el inicio del proyecto en Dessau el autobús se dirigirá a Kinshasa (República Democrática del Congo), donde se celebrarán una serie de talleres y simposios destinados a re-concebir los entornos que nos rodean, de cara a hacer viable un futuro colectivo. Allí se creará el prototipo de una nueva “escuela” que viajará a Berlín, donde 40 estudiantes “aprenderán y desaprenderán” las premisas desarrolladas. Para finalizar el trayecto la escuela viajará a Hong Kong, donde se transformará el espacio artístico Para Site.
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- Escrito por Marta Sánchez
“Video-Translaciones: miradas x espacios” es una muestra paralela a la feria de arte, donde trece creadores del país invitado proponen un recorrido sensorial e inmersivo a través de sus obras.
Indoor/Outdoor. Luis Soldevilla (2012). En condeduquemadrid.es
En la edición de ARCOMadrid 2019, Perú desembarcará en la capital para deslumbrar con la fuerza creadora de sus artistas. Este año, la feria de arte internacional ha elegido al país andino como invitado de excepción. El criterio fundamental ha sido la calidad, que ha servido para diferenciar a los creadores peruanos de otras opciones y así apostar por su presencia; concretamente, en ARCOMadrid se mostrará el trabajo de 23 artistas seleccionados y coordinados por la comisaria Sharon Lerner. De forma paralela, el centro Conde Duque de Madrid ha programado la exposición “Video-Traslaciones: miradas x espacios”: una fascinante selección de videoinstalaciones de última generación, creadas por trece artistas del país. Los trabajos seleccionados han sido realizados por Luz María Bedoya, Ricardo Yui, Luis Soldevilla, Elizabeth Vásquez, Arturo Kameya, Verónica Luyo, Juan Salas, Miguel Cordero, Katherinne Fiedler, Rudolph Castro, Daviz Zink Yi, Marco Pando y Álvaro Icaza.
Libre. Rudolf Castro (2013). En condeduquemadrid.es
En Perú el arte audiovisual lleva más de 15 años de desarrollo gracias al trabajo de dos generaciones de creadores, a las que pertenecen los artistas que han desembarcado en Madrid. En las obras expuestas (que podrán verse en la Sala de Bóvedas del Centro Conde Duque) se fusionan proyecciones audiovisuales, figuras exentas, opciones interactivas y archivos sonoros, destinados a generar entornos envolventes. El espectador traspasa los límites de las obras para pasar a formar parte de ellas, experimentando en su propia piel lo que cada artista ha querido transmitir. Uno de los comisarios de la muestra, Jorge Villacorta, señalaba que las obras expuestas “van desde la investigación en la memoria, hasta la comprensión del entorno natural. Queremos mostrar cómo se ubica en el espacio un artista peruano que hace videoinstalación, cómo comprende el espacio geográfico, social o político, y cómo lo subvierte”. Video-Translaciones no es la única exposición dedicada a Perú paralela a ARCOMadrid: durante estos días convivirá con otras muestras como Nazca o Amazonías. Sin embargo, sí es la única que apuesta por el uso de las nuevas tecnologías en arte. Sin duda, se trata de una magnífica oportunidad para descubrir la evolución de las artes visuales en Perú: qué trayectoria siguen sus artistas y qué puntos de conexión generan con lo que se está haciendo en otros países.
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- Escrito por Marta S. Galindez
El libro, editado y prologado por Sir David Cannadine, relata la apasionada relación con la pintura que mantuvo el célebre político y estadista británico.
Portada del libro The Statesman as Artist, de Bloomsbury. En winstonchurchill.org
“A medida de que el antiguo soldado se convertía en pintor, encaraba naturalmente sus encuentros con los lienzos vacíos, prístinos e intimidantes como batallas de voluntad, que debían ser vencidas a través de un sobrecogedor despliegue de colores poderosos y fuerza cromática”. Este párrafo da la medida de los textos que pueblan las páginas de The Statesman and the Artist, el libro publicado a finales de 2018 por la editorial inglesa Bloomsbury que refleja la intensa relación que Sir Winston Churchill mantuvo con la pintura. El célebre político y estadista entró en contacto con los pinceles y lienzos tras el desastre de la Batalla de Gallipolli, sucedida en el verano de 1915, que le produjo un intenso estado de depresión (bien conocido por Churchill, quien en sus escritos habla sobre dicho estado como “the black dog”, el perro negro). Fuera de la vida militar y política y con un cargo meramente representativo, buscó refugio en Hoe Farmjunto con su mujer, Clementine. Durante una visita de su hermano Jack, su cuñada Goonie invitó a Churchill a jugar con las acuarelas y el papel. Fue el comienzo de una apasionada relación, que el futuro Primer Ministro británico conservaría durante toda su vida.
Presentación del libro The Statesman and the Artist por el autor, Sir David Cannadine. Vía The International Churchill Society
Las páginas del fascinante libro del historiador Sir David Cannadine nos hacen viajar por la vida del célebre personaje, siempre a través de su pasión artística. Si bien Churchill no pasó de ser un artista aficionado, sus obras tenían una calidad aceptable y se inspiraban en nuevas escuelas pictóricas, como la impresionista. El estadista no se limitó a pintar: también escribió dos artículos sobre pintura, que fueron publicados en 1921 y 1922 por la revista Strand. En este caso, el político demostró sobradamente su reconocido talento para la escritura: en palabras del autor del libro, “Churchill escribió los artículos con una humildad y un candor auto-despreciativo nada comunes, aderezándolos con un brío y un sentido lúdico claramente reconocibles, y con vívidas construcciones léxicas”. A lo largo de las décadas siguientes Winston Churchill continuó pintando paisajes y naturalezas muertas, manteniéndose siempre alejado de las corrientes más modernas que apuntaban hacia el arte abstracto. El libro rinde un sentido homenaje a la pasión de Churchill por una afición sobrevenida, que convirtió en un elemento liberador y a la que dedicó tanto tiempo y energía como a su carrera política.
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- Escrito por Marta S. Galindez
La acción forma parte de un plan para obtener fondos con los que financiar el ajuste de salarios para las trabajadoras del consistorio. El ayuntamiento alquilará después los edificios para mantener su uso público.
Fachada del Riverside Museum de Glasgow. En mapsofworld.com
En unos tiempos en los que todo tiene un precio, casi no sorprenden noticias como la que difundió hace unos días la cadena británica BBC. El Ayuntamiento de Glasgow ha decidido “vender” una serie de edificios emblemáticos de la ciudad para recaudar fondos: entre ellos se encuentra el Riverside Museum, una institución dedicada al transporte cuya magnífica arquitectura contemporánea, obra de Zaha Hadid, la ha convertido en un icono contemporáneo de la capital escocesa. El museo se inauguró en el año 2011 en el Pointhouse Quay y supuso el comienzo de la regeneración de la zona, tal y como sucedió a finales del siglo XX con el Museo Guggenheim de Bilbao. En el año 2014 el Riverside Museum obtuvo el Premio al Museo Europeo del Año, otorgado por el Foto Europeo de Museos, que galardona a las instituciones museísticas más innovadoras.
La arquitecta Zaha Hadid frente al Riverside Museum de Glasgow, 2011. Foto: Jeff J. Michel / Getty Images. En wnpr.org
El edificio que alberga el museo escocés fue el primer encargo institucional realizado por el Reino Unido a la arquitecta, fallecida en el año 2016. El plan del consistorio consiste en hipotecar distintos edificios y no se detiene en el Riverside Museum, sino que incluye también enclaves como el Glasgow Royal Concert Hall, el SEC Armadillo y el Emirates Arena, entre otros. Fuera de tratarse de mero afán recaudatorio, la decisión se ha tomado por una buena causa: los fondos obtenidos contribuirán a cubrir un ajuste salarial anunciado por el ayuntamiento para sus trabajadoras. Según la alcaldesa de Glasgow, Susan Aitken, el coste anual del acuerdo costará a las arcas públicas unos 25 millones de libras “durante años”. Para cubrirlo se ha establecido un desembolso de 548 millones de libras, gran parte del cual se obtendrá de las mencionadas hipotecas. El ayuntamiento de Glasgow anunció también que los edificios seguirá siendo de propiedad pública y se mantendrán abiertos y en uso, sin perjuicio alguno para los usuarios.
