¿La moda es Arte?. “Esa es la pregunta del siglo para nuestra profesión”.
Así responde Dries Van Noten en la entrevista que le hace Pamela Golbin, conservadora jefe de moda y textiles en el Museo y comisaria de la exposición, publicada con motivo de la inauguración de Inspirations en el Museo de Artes Decorativas de París.
La muestra recorre el trabajo, absolutamente innovador, de los diseños de Dries Van Noten. La manera en como trata los tejidos para darles un nuevo uso, la riqueza de sus bordados y las combinaciones más atrevidas con un resultado cautivador. El proceso de creación pone en juego tantas influencias y elementos de inspiración que unos con otros se van contraponiendo para dar lugar a piezas atemporales. Nunca son asociaciones directas sino llamadas de atención, un gesto, un olor, un color, una canción, un cuadro …
Su idea del diseño nada tiene que ver con tendencias, su inspiración se basa en lo que el mundo le ofrece, desde el folclore de algún lugar lejano, hasta el cine con películas como El Piano de Jane Campion o los maravilloso trajes de Balenciaga, incluso la música de David Bowie. Las cosas que durante estos 30 años de intenso trabajo, se le han ido cruzando en la vida y han llamado su atención.
El diseñador belga, ha colaborado activamente con el arquitecto Jean-Dominique Secondi, responsable del montaje, en la disposición de las piezas, y ha tratado de dar respuesta a la pregunta del papel de la moda en la cultura, poniendo en escena muchos de los elementos que han inspirado su obra. “Está todo lo que me gusta, lo que me ha dado ideas, en lo que he basado cada una de mis colecciones”. El montaje es un elemento más de su trabajo creativo.
La puesta en escena es un lujo para los amantes del espectáculo. En un ambiente dominado por el dramatismo del juego de luces con la oscuridad reinante, se dan cita no solo los diseños del creador belga sino esas imágenes que le han inspirado a través de cuadros, diseños de otros grandes creadores, fotos, fragmentos de películas y los estampados florales como una constante en su mundo creativo.
“Es el resultado de un gran esfuerzo en equipo y de un ejercicio de estilo” que marca una gran personalidad en busca de la innovación con el trabajo de los bordadores indios, los tintados imposibles, los estampados de las telas italianas y francesas, el montaje de los patchworks y la grandilocuencia contenida del trabajo bien hecho.
Creo que Van Noten da respuesta con esta exposición del valor de la moda dentro de nuestra cultura, resaltando el intenso trabajo creativo que hay detrás de cada pieza. La moda constituye todo un lenguaje que habla del creador, del consumidor y del entorno, en definitiva, de nuestra cultura.
Dries Van Noten nació en Amberes en 1958, se graduó en la Royal Academy of Fine Arts de su ciudad natal y presentó su primera colección en Londres en 1986 como componente del grupo denominado Antwerp Six. Desde entonces no ha dejado de trabajar.
Hasta el 31 de Agosto en Les Arts Décoratifs. París
http://www.lesartsdecoratifs.fr/
http://i-d.vice.com/en_gb/watch/episode/1952/dries-van-noten-inspirations
- Detalles
- Escrito por Maira Herrero
La Tate Modern de Londres reúne en catorce salas la obra más particular del genio francés del siglo XX, Henri Matisse, sus Cut-Outs, sus recortables con papeles de colores.
En 1941 su salud sufrió un duro revés que le dejó en una silla de ruedas, pero que no le impidió seguir con el mismo espíritu creativo de siempre. Enfocó su creatividad hacia un nuevo lenguaje al que llamó “pintar con tijeras”, nunca este trabajo significó para el artista una renuncia a la pintura, sino un paso más en su creatividad.
Un nuevo lenguaje visual, elaborado a base de recortes de papeles pintados en tonos brillantes, fueron la razón de su actividad en unos años en los que Europa estaba ensombrecida por la Segunda Guerra Mundial. Sus asistentes, dirigidos por Lydia Delectorskaya, pintaban hojas en blanco con gouache de vivos colores y, siguiendo las instrucciones del maestro, las pegaban en las paredes del estudio y de su habitación.
Matisse dedicó muchas horas a meditar sobre el juego de las combinaciones antes de utilizar las tijeras. Elaboró numerosos sketches y estudió los distintos puntos de vista antes de dar forma definitiva a sus collages.
Varias películas a lo largo de la muestra nos acerca al trabajo de Matisse. Ver como recorta con manos fuertes y seguras esas formas improvisadas, imposibles de definir, e indicarle a Lydia Delectoskaya el lugar donde debe colocarlas, confirman la grandeza del genio.
En los cut-outs volvemos a ver las imágenes que siempre han sido una constante en su vida artística, las escenas de baile llenas de movimiento, (sinfonía nº 1 de Shostakovich), los fondos marinos con peces, corales, hojas (recuerdos de su viaje a Tahiti), las series de desnudos azules, los mosaicos moriscos, …
El Libro Jazz es una de las piezas claves de la exposición, contiene 20 láminas de papeles recortados con motivos circenses y textos escritos por el propio Matisse. El libro se considera una de sus obras más innovadoras.
En 1947 decoró la capilla del Rosario de las dominicas de Vence. Es la obra que mejor expone su tendencia simplificadora hacia formas más planas. Matisse puso mucho empeño en este encargo, trabajó más de cuatro años y sus diseños se extienden a diversos campos: la composición de las vidrieras de la iglesia, la ropa del sacerdote para la liturgia, los murales de las paredes, el diseño del altar…. El artista quedó muy satisfecho del trabajo, que definió como “the result of all my active life”.
Las últimas salas de la exposición están dedicadas a las obras de mayor tamaño, realizadas todas ellas en los primeros años de 1950, poco antes de su muerte, El Periquito y la Sirena, El caracol, Memoria de Oceanía y La gran decoración de Máscaras que son en realidad una sola obra que se muestran juntas por primera vez en Londres, desde su creación en 1953.
Esta exposición reconforta al visitante ante la vitalidad que desprende todo el trabajo de este genio del siglo XX. Como diría Benjamin, aquí el aura está presente.
¡Felicidades a Nicholas Serota, director de la Tate Modern, y a todo su equipo!
Henri Matisse. The cut-outs. Tate Modern de Londres. Hasta el 7 de Septiembre de 2014.
- Detalles
- Escrito por Marina Valcárcel
Después de sus exposiciones fotográficas sobre Roma, Venecia... Borja de Madariaga (Madrid, 1966) expone en la galería Espacio 51 de Madrid "Angkor: Naturaleza y Misticismo".
Son casi una veintena de fotografías de distinto tamaño, desde los 200x150 cms a 50x50cms, con las que el fotógrafo pretende ofrecernos, desde un enfoque muy personal y lírico, sus sensaciones y emociones de uno de los conjuntos artísticos más sobrecogedores del mundo: "Trato de resaltar aquello que me conmueve por su alto contenido estético, por el pequeño detalle, por captar una piedra, un árbol, una perspectiva, cosas que en un tiempo lejano quedarán inscritas en mi memoria".
Angkor, situada en el noroeste de Camboya, es la capital del antiguo Imperio Jemer. El origen de esta ciudad se remonta al siglo IX y su esplendor solo duró hasta 1225. Después de esta fecha la ciudad fue abandonada a su suerte y literalmente aislada y engullida por la selva hasta que en el año 1860 fue descubierta por misioneros franceses.
El conjunto arquitectónico, que ocupa una extensión de 400 km2, está compuesto por templos monumentales construidos durante este periodo y constituyen una joya del arte hindú. En 1992 la UNESCO nombró el conjunto monumental de Angkor Patrimonio de la Humanidad.
Madariaga fotografía sus principales templos, Bayon, Angkor Wat... pero las imágenes más impactantes son las de Ta Prom, el único templo que no ha sido restaurado y en el que el fotógrafo se recrea para demostrarnos cómo la naturaleza ha ido ganando terreno y los árboles, con sus enormes raíces que invaden los monumentos, están tan integrados que es difícil distinguir el límite entre naturaleza y escultura.
Pudimos pasear por la exposición acompañados por el fotógrafo que se detenía delante de alguna imagen: "estas fotografías las hice este verano, en mi viaje de novios. Mi mujer y yo solíamos llegar muy temprano a los templos, hacia las seis de la mañana, huyendo de las hordas de turistas. A esa hora los colores son distintos, más intensos y una neblina muy fina lo cubre todo..."
Siendo consciente de la dificultad de alejarse de los "tópicos y típicos enfoques de este lugar mil veces fotografiado", Madariaga pretende, con estas imágenes de alto contenido estético, adentrarnos, además, en algo del misticismo, de la esencia, de los sonidos de la selva, de la bruma y del misterio de estos templos.
De entre todas las fotografías nos detenemos en una en la que nos parece que se resume parte de la magia de Angkor: es el del sueño de una mujer camboyana tumbada sobre una piedra milenaria, como si ella también fuera parte de una raíz de los inmensos árboles que devoran la arquitectura y sobre todo la historia de esta civilización que quedó, como ella, dormida entre la selva durante siglos.
- Detalles
- Escrito por Maira Herrero
La primera vez que me acerque al fascinante mundo de Olafur Eliasson (Copenhaguen, 1967) fue hace más de una década, en Octubre de 2003 en la Tate Modern de Londres. La obra a la que me enfrentaba era una instalación increíble que ocupaba toda la entrada del Museo (Turbine Hall). La impresión fue mayúscula pues la luz, el color y el sonido me envolvieron de tal manera que creía estar viendo un sol crepuscular dentro de la gran sala. Realidad y ficción se mezclaron en mi cabeza y me envolvieron junto con otros visitantes en una nueva dimensión. Desde entonces he seguido al que considero uno de los artistas más consolidados del panorama internacional actual. Lo sensorial, imaginativo y técnico se ponen al servicio del espectador para entender el juego de posibilidades de la obra de arte.
El pasado 21 de Febrero Olafur Elisson inauguró en la Galería Elvira González de Madrid su segunda exposición, Your successful uncertainty. Una vez más el título hace un guiño y tiende la mano al visitante, recordándole que la interacción es parte de su arte. A menudo los título de las obras van precedidas del pronombre posesivo Your: Your uncertain shadow, Your blind movement …
Esta exposición esta actualmente incluida en la selección de Alejandra de Argos de las 10 mejores exposiciones en Madrid.
Las piezas que conforman la muestra son muy diferentes en sentido formal pero todas están presididas por esa relación que siempre es patente en la obra de Eliasson: la naturaleza como fuerza creadora y la ciencia a través de la técnica como respuesta a ese sin fin de preguntas. Eliasson es un buscador en el sentido más amplio de la palabra, busca a través del contacto con la propia naturaleza de la que toma imágenes, como las que se pueden ver en la exposición (The hot spring series), recoge maderas durante sus largos paseos, que transforma en piezas llenas de sentido estético y técnico (Access compass), indaga con los materiales comunes como la descomposición de un espejo, unido por un imán a un meteorito encontrado en Nuevo México, o nos recuerda la importancia del agua en nuestro planeta con la catarata invertida (Waterfall Machine). Las piezas hablan de las cuestiones espaciales como reflexión del movimiento, de la luz, de los fenómenos atmosféricos , de la experiencia vital … . Caminar es generar espacio y un sentido físico del tiempo. (Leer es respirar, es devenir. Escritos de Olafur Eliasson. GG, Barcelona 2012)
Conocer a este artista es conocer la realidad que preside la actualidad de nuestro mundo. Comprometido con la naturaleza se sirve de ella para tratar de entender sus enigmas y lanza preguntas en ese laboratorio que ha creado en su estudio de Berlín, formado por un grupo multidisciplinar de profesionales (arquitectos, científicos, artesanos, historiadores del arte) que estudian las propuestas de este creador de ideas y desarrollan los proyectos que hoy podemos ver en museos y salas de exposición. Busca nuevas vías de fusión entre la ciencia y la naturaleza y le interesan tanto, lo formal como lo material, lo orgánico como lo inorgánico. Es un investigador de los fenómenos naturales de la vida en busca de su representación artística.
Su compromiso no se queda ahí, sino que se extiende al campo de la educación. Eliasson es profesor en la Universidad de Künste de Berlín. En 2009 creó el Instituto de Experiencia espacial (Institut für Raumexperimente) donde se imparte una enseñanza innovadora en el campo de la educación artística, busca una formación integral de los alumnos, viaja con ellos para enseñarles a entender mejor su relación con el entorno. De aquí salió la lámpara Little Sun, una pequeña pieza de luz que funciona con energía solar y que ha servido para llevar luz a esos rincones del planeta donde no se dispone de red eléctrica.
Seguir el trabajo de Olafur Eliasson es conocer uno de los caminos para comprender que el mundo sin arte no tiene sentido.
- Detalles
- Escrito por Maira Herrero
Poder disfrutar de una exposición retrospectiva de Josef Albers en Madrid es un privilegio para todas aquellas personas que sientan interés por el arte contemporáneo, y su evolución. Una vez más, debemos agradecer a la Fundación Juan March, la posibilidad de conocer de primera mano a este “maestro” de maestros.
Para entender la obra de Albers hay que conocer su formación y, muy especialmente, su carrera académica que ocupó gran parte de su vida. En 1921 comenzó a trabajar en la Bauhaus. A partir de este momento y hasta su clausura en 1933, Albers fue un pilar fundamental para el desarrollo de los planteamientos pedagógicos que se impartieron en este mítico centro de enseñanza. La Bauhaus constituyó la contribución más importante y renovadora de la educación estética europea de su tiempo. La escuela buscó la unidad de las esferas artísticas y culturales y una vuelta hacia la reunificación del arte con la artesanía. Las artes aplicadas, calificadas como inferiores, vuelven a tomar protagonismo en el ideario fundacional del centro. La Bauhaus criticó la enseñanza de la escuela tradicional y buscó enseñar a través de la experiencia.
Entre 1923 y 1928 , Albers dirigió junto con Moholy-Nagy el curso preliminar de la Bauhaus, allí se sentaron las bases que se irían desarrollando en los cursos posteriores. Se comenzaba con la supresión del concepto académico del arte. Había que poner en marcha la fuerza creadora de los jóvenes, y enfrentarse a los problemas más elementales de la creación artística para dar rienda suelta a la variedad de posibilidades y habilidades. Prácticamente, cualquier material era válido para convertirse en una obra de arte y los elementos formales se disolvían en una variedad infinita de posibilidades. El arte no se puede enseñar, pero se puede “aprender”. Hay que buscar un arte que se presente y no que se represente. Formas y texturas se disponen libremente, para acentuar la percepción del alumno, y estimular la fantasía creativa. “prueba y error”, como condición previa al proceso creativo. Economía del material, (utilización óptima del material) y economía del trabajo.
El mismo año en que la Bauhaus de Berlín se cerró, Josef Albers y su mujer Anni, se trasladaron a Estados Unidos invitados por el recién inaugurado Black Mountain Collage, una pequeña universidad situada en un lugar paradisiaco de las montañas de Carolina del Norte, cuyo ideario se parecía al de la Bauhaus. Durante algunos años Albers compatibilizó su trabajo en el Black Mountain con sus seminarios en la School of Desing de Harvard, y con frecuentes viajes a México que le sirvieron para acercarse a la cultura precolombina. En 1950 se instalo definitivamente en Connecticut para ocuparse del Departamento de Diseño de la Universidad de Yale, cargo que desempeñó hasta su jubilación en 1958. A partir de este momento su actividad docente quedó muy reducida pero no así su trabajo artístico. En estos años publicó muchos de sus escritos y realizó una parte muy importante de su obra pictórica.
La visita a la exposición hay que hacerla desde la perspectiva de un artista multidisciplinar y con la idea de que su obra camina ligada estrechamente a su trabajo pedagógico, de tal manera que uno y otro se condicionan hasta en los más mínimos detalles. Las piezas que se exhiben dan una idea de la variedad de materiales con los que trabajó y la diversidad de disciplinas a las que dedicó su ingenio.
Albers, es el pintor de los “cuadrados”, el creador de la famosa serie “Homage to the Square” que comenzó en los años cincuenta y llegó hasta los setenta. La exposición brinda la ocasión de ver reunidas varias de las series que realizó a lo largo de estas dos décadas, donde se adentra en el estudio de la armonía a través de la sincronización de tonos, color y forma. Desde el punto de vista formal estas obras son la mezcla y superposición de tres o cuatro cuadrados que no están dispuestos en el centro geométrico, tienden hacia la parte inferior de la composición, que esta ocupada por bandas estrechas y en la superior surgen campos anchos. Le gusta trabajar en serie porque considera que no existe una única solución para un mismo problema estético. Siempre utiliza elementos geométricos, de manera que optimiza la relación entre esfuerzo y efecto, principio resumido en la máxima que da nombre a la exposición “medios mínimos, efecto máximo”.
Su tendencia a la abstracción comenzó muy pronto y posiblemente su interés por el vidrio y sus composiciones con pequeñas piezas de desecho de este material, fueron un paso más en este camino.
Otras piezas muy representativas que se pueden ver en la exposición son sus diseños de mobiliario doméstico. Destaca la silla de brazos Ti 244, por ser un pieza desmontable, realizada en madera de fresno curvada y creada para su fabricación en serie, un concepto nuevo en este campo, y al alcance de un grupo social más amplio.
El cartón ondulado, y otros materiales de la misma índole, le sirven para practicar el pensamiento constructivo y la imaginación, y no caer en lo puramente formal.
El placer de lo efímero de esta exposición quedara para siempre en nuestra retina gracias al magnifico catálogo que se ha publicado con tal ocasión y donde se recogen algunos de los textos que escribió Josef Albers.
Fundación Juan March. Madrid. 28 de Marzo/6 de Julio
www.march.es
