¿La moda es Arte?. “Esa es la pregunta del siglo para nuestra profesión”.
Así responde Dries Van Noten en la entrevista que le hace Pamela Golbin, conservadora jefe de moda y textiles en el Museo y comisaria de la exposición, publicada con motivo de la inauguración de Inspirations en el Museo de Artes Decorativas de París.
La muestra recorre el trabajo, absolutamente innovador, de los diseños de Dries Van Noten. La manera en como trata los tejidos para darles un nuevo uso, la riqueza de sus bordados y las combinaciones más atrevidas con un resultado cautivador. El proceso de creación pone en juego tantas influencias y elementos de inspiración que unos con otros se van contraponiendo para dar lugar a piezas atemporales. Nunca son asociaciones directas sino llamadas de atención, un gesto, un olor, un color, una canción, un cuadro …
Su idea del diseño nada tiene que ver con tendencias, su inspiración se basa en lo que el mundo le ofrece, desde el folclore de algún lugar lejano, hasta el cine con películas como El Piano de Jane Campion o los maravilloso trajes de Balenciaga, incluso la música de David Bowie. Las cosas que durante estos 30 años de intenso trabajo, se le han ido cruzando en la vida y han llamado su atención.
El diseñador belga, ha colaborado activamente con el arquitecto Jean-Dominique Secondi, responsable del montaje, en la disposición de las piezas, y ha tratado de dar respuesta a la pregunta del papel de la moda en la cultura, poniendo en escena muchos de los elementos que han inspirado su obra. “Está todo lo que me gusta, lo que me ha dado ideas, en lo que he basado cada una de mis colecciones”. El montaje es un elemento más de su trabajo creativo.
La puesta en escena es un lujo para los amantes del espectáculo. En un ambiente dominado por el dramatismo del juego de luces con la oscuridad reinante, se dan cita no solo los diseños del creador belga sino esas imágenes que le han inspirado a través de cuadros, diseños de otros grandes creadores, fotos, fragmentos de películas y los estampados florales como una constante en su mundo creativo.
“Es el resultado de un gran esfuerzo en equipo y de un ejercicio de estilo” que marca una gran personalidad en busca de la innovación con el trabajo de los bordadores indios, los tintados imposibles, los estampados de las telas italianas y francesas, el montaje de los patchworks y la grandilocuencia contenida del trabajo bien hecho.
Creo que Van Noten da respuesta con esta exposición del valor de la moda dentro de nuestra cultura, resaltando el intenso trabajo creativo que hay detrás de cada pieza. La moda constituye todo un lenguaje que habla del creador, del consumidor y del entorno, en definitiva, de nuestra cultura.
Dries Van Noten nació en Amberes en 1958, se graduó en la Royal Academy of Fine Arts de su ciudad natal y presentó su primera colección en Londres en 1986 como componente del grupo denominado Antwerp Six. Desde entonces no ha dejado de trabajar.
Hasta el 31 de Agosto en Les Arts Décoratifs. París
http://www.lesartsdecoratifs.fr/
http://i-d.vice.com/en_gb/watch/episode/1952/dries-van-noten-inspirations
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- Escrito por Alejandra de Argos
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Ivorypress inaugura "On Reality", una exposición cuyo proposito es invitarnos a una reflexión sobre la realidad, la imaginación, las percepciones y las fantasías del ser humano a través de las fotografías del alemán Thomas Struth (Geldern, 1954) en diálogo con las esculturas de Cristina Iglesias (San Sebastian, 1956). Esta muestra forma parte del Festival PHotoEspaña y se abrirá al público el próximo día 28 de mayo.
Detrás de los pozos, las celosías y las naturalezas de Cristina Iglesias y con el agua y su sonido como elemento protagonista, se esconde todo un mundo de fantasía e imagenes para estimular nuestra imaginación y trasladarnos a otros lugares. Como una de sus piezas más interesantes, una celda suspendida en el aire conformada con letras de un texto de Arthur C. Clarke, The fountains of paradise que nos habla de un lugar en la Ionosfera donde van a parar los pensamientos humanos. Estas letras ejercen de estructura de la pieza formando una celosia. "Una fantasía, pero al final es un pabellón real, una escultura que te puede llevar a pensamientos y reflexiones que tienen que ver con los sueños, pero también con lo que tú tienes dentro" señala la artista.
La percepción de la realidad y la estimulación de la imaginación está muy presente también en la obra de Thomas Struth. “Quería repensar cómo funciona el proceso de la imaginación y la fantasía, cómo se hace realidad y se materializa algo que se ha construido en la mente de alguien”, señala el artista. Nos invita a que nos replanteemos las complejas estructuras tecnológicas que conforman nuestra realidad actual y el papel que juegan en nuestra fantasía e imaginación en relación con nuestra cultura e historia. Fotografías de Disneyland y otras relacionadas con la tecnología científica e industrial conforman esta muestra con los últimos trabajos de uno de los fotógrafos más interesantes de la escuela de Düsseldorf.
Entrevista a Thomas Struth
Elena C. : ¿La posibilidad de su reproductibilidad técnica perjudica la obra de arte o ensancha sus posibilidades como arte entendido de otro modo? En tal caso ¿de qué otro modo?
Dice Benjamin que "la naturaleza que habla a la cámara no es la misma que la que habla al ojo". ¿Cómo quedan modificados los conceptos de obra de arte, la figura del artista y la recepción de su obra por parte del público cuando las obras de arte pierden el aura que las hace únicas y se vuelven múltiples y cotidianas, como pasa con la fotografía?
En los años 80 inicia un proyecto de colaboración con el psicoanalista y amigo Ingo Hartmann que le encamina a realizar una serie de retratos de familia que posteriormente serían analizados por el paciente. ¿Cuál fue el resultado de esta colaboración y de que manera afectó esta experiencia de exploración psicológica del otro en su posterior trabajo fotográfico del retrato?
¿De qué modo tu interés por el conocimiento de los otros, se puede concretar en conocimiento de uno mismo y del mundo que nos ha tocado vivir? ¿De qué forma te planteas la comunicación entre el artista y su público?
¿Crees que el arte debe servir a un fin moral, social, político o cultural?
Espacio y tiempo están muy presentes en tus fotografías de paisajes urbanos, de la exuberante naturaleza o de ambientes tecnológicos. ¿ Qué relación hay entre la elección de esos motivos y la soledad de los individuo en nuestra época, la falta de comunicación, la no aceptación de la muerte, etc...?
En tu serie sobre los museos captando al espectador observando las grandes obras, el pasado de nuestra historia del arte es contemporalizado en tus fotografias. Crees que el arte ha sufrido una evolucion en el tiempo o que existe una sola linea atemporal?
Entrevista a Cristina Iglesias
A lo largo de la historia, el vacío se ha entendido como el no ser o como la totalidad del ser en potencia. Con mucha frecuencia se interpreta el vacío como una ausencia o una falta, sin embargo también es la potencialidad de todo lo que no ha sido pero puede producirse.
¿Hasta qué punto estos lugares ilusorios que recreas de tu pensamiento y que nos llevan a otros imaginarios, son entendidos como la presencia de la ausencia o la potencialidad de esos nuevos lugares a los que te lleva ese lugar a través de la imaginación?
¿Cuánto existe en tus esculturas de objeto que ocupa un espacio y cuanto de constructoras de espacios entendidas desde tu propósito de crear imágenes para estimular la imaginación?
Decía Heri- Levi que el erotismo es siempre un juego sutil, entre lo invisible y lo visible... velar y desvelar... La reserva más extremada y la desnudez repentina. En tu trabajo los contrarios están muy presentes, el velar y desvelar, el mirar y no ser visto, el ocultar, la luz y la sombra, el misterio. ¿Que hay de erotismo en tu obra?
(O platónica, la celda imaginada (poética, semántica a través de los signos, las palabras del texto) como imitación del objeto real que te conduce a las ideas puras y todo ello entendido como una metáfora)
¿Cuánto existe en tus esculturas de objeto que ocupa un espacio y cuanto de constructoras de espacios entendidas desde tu propósito de crear imágenes para estimular la imaginación?
Existe un gran interés por tu parte hacía la ciencia ficción y has declarado que lo que haces es ficción (arquitectónica y escultorica), invención, (lugares imaginarios) ¿Qué motiva esa huida de la realidad cotidiana en tus obras? ¿Qué contiene de misticismo? (experiencia espiritual, o percepción extrasensorial, o búsqueda de la perfección y conocimiento)
En tus piezas hay siempre una vuelta atrás, una memoria de las anteriores, ¿existe en tu obra un eterno retorno del que te retroalimentas?
Las celosías, los pozos...
Tus obras requieren un esfuerzo intelectual que no está al alcance de todos por su complejidad y sus códigos. En una época bautizada por Vargas Llosa como civilización del espectáculo, de banalización del arte ¿Cómo te gustaría que el observador se acercara o entendiera tu trabajo?
¿Hasta qué punto el arte es para ti una canalización de tus obsesiones?
Entrevista a Thomas Struth. Borrador.
Thomas Struth (Geldern, 1954)
¿La posibilidad de su reproductibilidad técnica perjudica la obra de arte o ensancha sus facultades como arte entendido de otro modo? En tal caso ¿de qué otro modo?
Has the option of mechanical reproduction had negative consequences for the artwork, or do you think it has offered increased opportunities? If the latter, in which ways has it done so?
Comenzó sus estudios como pintor bajo la dirección de Gerhard Richter en la Academia de Düsseldorf. Puede explicarme su relación con Richter y si ha tenido un gran ascendiente sobre usted?
You began your studies as a painter, under the guidance of Gerhard Richter in the Düsseldorf Academy. Could you describe whether your relationship with Gerhard has held any particular significance for you?
En los años 80 inicia un proyecto de colaboración con el psicoanalista y amigo Ingo Hartmann que le encamina a realizar una serie de retratos de familia que posteriormente serían analizados por el paciente. ¿Cuál fue el resultado de esta colaboración y de que manera afectó esta experiencia de exploración psicológica del otro en su posterior trabajo fotográfico del retrato?
In the 80's you started a project in collaboration with the psychoanalyst and friend of yours, Ingo Hartman, who encouraged you to make a selection of family portraits that would later be analysed by the patient. What was the result of this collaboration?
¿Cómo esta exploración psicológica del otro ha afectado su trabajo posterior?
How did this psychological exploration of the other affect your later work?
¿De qué modo su interés por el conocimiento de los otros, se puede concretar en conocimiento de uno mismo?
Does an interest in the knowledge of the other heighten the knowledge of oneself?
Espacio y tiempo están muy presentes en tus fotografías de paisajes urbanos, de la exuberante naturaleza o de ambientes tecnológicos. Por qué la ausencia de individuos?
Space and time are very present in your images of urban settings, the exuberance of nature and the mechanical enviroments. Why the human absence?
En su serie sobre los museos captando al espectador observando las grandes obras, el pasado de nuestra historia del arte es contemporalizado en sus fotografias. Cree que el arte ha sufrido una evolucion en el tiempo o que existe una sola linea atemporal?
In the photographs where you capture the viewer looking at the Old Masters, art history is contemporised in your photographs. Do you think that art has undergone a process of evolution or that it exists as one timeless continuum?
Sotang dijo que " fotografiar gente es violarla, viendose como ellos nunca se han visto... se convierten en objetos que pueden ser simbolicamente poseidos... Por supuesto estas palabras fueron dichas antes de la dominacion de lo
Sontag famously wrote that "to photograph people is to violate them, by seeing them as they never see themselves... it turns them into objects that can be symbolically possessed." Of course, these words were written before the dominance of social media. In light of this, how far do you agree with Sontag?
Haces un esfuerzo por buscar la inspiración o sus fotografias son
Do you make an effort to look for inspiration or are your photographs ever whimsical? What feeds your creativity?
In your images of paradise, you depict a wild nature without human intervention, which you have described as a metaphor for life. What would your version of paradise involve?
As a private commission for a hospital in Zürich, you made some photographs of local landscapes and close-ups of various flowers. Your decision to highlight a particular aspect of each flower is an empathetic analogy for a patient's condition being brought into greater focus. To this end, do you believe that art has a pragmatic responsibilty?
¿Crees que el arte debe servir a un fin moral, social, político o cultural?
Do you think art must serve a moral, sociopolitical or cultural end?
You once mentioned that it is not possible for the camera to lie. Does this explain why you continue to refuse methods of digital manipulation?
What are you involved in now?
Dice Benjamin que "la naturaleza que habla a la cámara no es la misma que la que habla al ojo". ¿Cómo quedan modificados los conceptos de obra de arte, la figura del artista y la recepción de su obra por parte del público cuando las obras de arte pierden el aura que las hace únicas y se vuelven múltiples y cotidianas, como pasa con la fotografía?
La percepción de la realidad y la estimulación de la imaginación está muy presente también en la obra de Thomas Struth. “Quería repensar cómo funciona el proceso de la imaginación y la fantasía, cómo se hace realidad y se materializa algo que se ha construido en la mente de alguien”, señala el artista. Nos invita a que nos replanteemos las complejas estructuras tecnológicas que conforman nuestra realidad actual y el papel que juegan en nuestra fantasía e imaginación en relación con nuestra cultura e historia. Fotografías de Disneyland y otras relacionadas con la tecnología científica e industrial conforman esta muestra con los últimos trabajos de uno de los fotógrafos más interesantes de la escuela de Düsseldorf.
El cambio de la pintura a la fotografia es debido a un interes mayor por el mundo exterior, sociopolitico que por su campo psicologico. Mas interesado por los procesos analiticos.
Analisis de las estructuras urbanas en el paisaje de posguerra. El resultado de todo lo que vino despues del holocausto. ser testigo de la estructura emblematica de las ciudades alemanas de posguerra. Esto llevo a la curiosidad por otros patrones de patrimonio historico y lugo por intuicion o accidente a la estructura familiar, es la estructura social elemental. Donde se aprende primeros pasos como ser social
Estudio sociopolitico de la ciudadania moderna. identidad, globalizacion
Düsseldorf (artistas, academia)
Richter (influencia)
Ausencia (urbanos,paraiso)
Arquitectura (estructura social)
Familia (estructura psicólogica)
Identidad (retratos)
Paraiso (natural)
Psicología (estudio)
Imaginación (fantasía, disney)
Tecnología (estructura, realidad actual, ausencia)
Prado (espacio, tiempo)
Inspiración
Proyectos
Conclusión (Análisis sociopolítico. Refleja nuestra realidad actual. Mostrar las partes de las estructuras sociales)
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- Escrito por Marina Valcárcel
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Considerado como uno de los precursores del Pop Art el americano, Alex Katz (Brooklyn, 1927) inauguró anoche, junto a su esposa Ada, la exposición 'Red Hat' en la Galería Javier López de Madrid.
Pintor de series, interesado por la moda y el estilo de vida refinado, su obra difícilmente clasificable, se encuentra a caballo entre el Pop Art y el nuevo realismo norteamericano de los años setenta. 'Red hat' es la última serie de sus cotizadísimos retratos sobre fondos planos, sin perspectiva ni profundidad. El leitmotiv, esta vez, es un sombrero rojo con el objetivo de "indagar sobre las posibilidades plásticas de la figura en primer plano sobre un fondo neutro" y ofreciendo una inolvidable sensación de luz y color.
Esta magnífica exposición nos permite seguir las distintas fases de elaboración (desde el boceto hasta resultado final) del retrato. Katz recurre al cartón y al estarcido de pigmento siena sobre los contornos perforados, lo que implica una depuración formal extraordinaria. Estos enormes dibujos se pueden ver y disfrutar enfrentados a los retratos en la sala amplia y diáfana de esta galería.
En noviembre de 2010, Javier López abre un puntero espacio en Madrid para trasladar su galería desde el centro de la ciudad a un espacio a las afueras donde se produce un diálogo único entre arquitectura y paisaje. Las exposiciones se proyectan en un excepcional edificio del estudio de arquitectura Vicens + Ramos que estos días cuenta con la mágica visita de unas habitantes de paso: la fascinante mirada de unas mujeres tocadas todas con un sombrero rojo...
ALEX KATZ: RED HAT
Madrid, del 23 de abril 23 al 18 de junio de 2014
Calle Guecho, 12 B 28023 – Madrid
Tlf.: 91 593 21 84
Fax: 91 591 26 48 Esta dirección de correo electrónico está siendo protegida contra los robots de spam. Necesita tener JavaScript habilitado para poder verlo.
Horario de visita:
Lunes – viernes 10 – 17 h. y previa cita
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- Escrito por Alejandra de Argos
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Actualizado el 10 de Diciembre de 2024
Comparto con vosotros lo que para mí, son las mejores y más interesantes exposiciones en París en este momento. Completo así la serie iniciada con las Exposiciones en Madrid, Nueva York y Londres. Al igual que en artículos anteriores os recuerdo, que podéis guardar esta página pues las exposiciones se actualizarán periódicamente.
Chiaru Shiota. The soul trembles /Les frémissements de l'âme
Del 11 de Diciembre hasta el 19 de Marzo
La artista multidisciplinar japonesa Chiaru Shiota es conocida por sus espectaculares instalaciones, en las que cuerdas y lanas se entretejen creando espacios oníricos, inquietantes y llenos de sensibilidad poética. A la espera de la reapertura total del museo tras su remodelación, la exposición 'El alma tiembla' da comienzo a la temporada con la máxima calidad. Las enormes obras de Shiota suelen incluir también objetos de su propio entorno cotidiano, envolviendo al visitante en un viaje plástico lleno de majestuosidad. Son creaciones que, tal y como indica el museo, "exploran las nociones de temporalidad, movimiento y sueño, exigiendo un compromiso tanto mental como físico por parte del espectador". Una exposición con espíritu experiencial, perfecta para adentrarse en el universo de una de las artistas más interesantes de la actualidad.
Tarsila do Amaral. Pintando el Brasil Moderno
Hasta el 2 de Febrero
El Museo de Luxemburgo organiza esta temporada la primera retrospectiva en Francia de la artista brasileña Tarsila do Amaral (1886-1973), con más de 150 obras que permiten descubrir la trayectoria de una creadora visionaria para su época. Ya en los años 20 del siglo XX, la pintora empezó a desarrollar un estilo único inspirado en la herencia indígena de su país y en los cambios que la era moderna empezaba a implementar. Un estilo que combinó con éxito escuelas de vanguardia, como el cubismo, con la identidad plástica de la imaginería brasileña ancestral. La exposición incluye obras maestras, creadas por do Amaral como parte del movimiento Pau Brasil y del Movimiento Antropófago, que surgieron en los años 20 en el país. En los años 30 su visión adquiere una mayor cualidad política, para volverse progresivamente geométrica en los años 60, de camino a la plena abstracción.
Pop Forever, Tom Wesselmann &...
Hasta el 24 de Febrero
La temporada invernal se presenta caliente en el calendario artístico de la capital francesa. La Fundación Louis Vuitton inagura la muestra 'Pop Forever, Tom Wesselmann &...', una gran exposición sobre el movimiento Pop Art estructurada alrededor de uno de sus representantes más importantes. En ella se podrán ver 150 obras de Wesselmann, realizadas en distintos materiales, acompañadas de otras 70 piezas creadas por 35 artistas de distintas generaciones y procedencias, que en todos los casos comparten una potente relación con la cultura "pop". Desde artistas dadaístas como Marcel Duchamp y Kurt Schwitters hasta figuras plenamente contemporáneas, como Ai Wei Wei o Tomokazu Matsuyama, la selección de obras permite trazar un recorrido por una de las escuelas artísticas más populares del siglo XX.
Bourse de Commerce - Pinault Collection
Arte Povera
Hasta el 20 de Enero
"A mediados de los 60, una serie de artistas italianos dieron vida a un cuerpo de obra original, espiritualmente libre y profundamente anticonvencional y antidogmático. Un movimiento que expandió los dominios de la pintura, la escultura, el dibujo y la fotografía, y que generó las primeras 'instalaciones' de la historia del arte, así como las primeras acciones y obras performativas". Con estas palabras, la especialista en el movimiento Arte Povera presenta la exposición que se puede visitar en la Bourse de Commerce - Pinault Collection de París durante esta temporada. Una gran muestra que reúne más de 250 piezas, tanto históricas como contemporáneas, y que recorre tanto el nacimiento en Italia como la expansión internacional del movimiento a través de las obras de sus principales impulsores: Giovanni Anselmo, Alighiero Boetti, Pier Paolo Calzolari, Luciano Fabro, Jannis Kounellis, Mario Merz, Marisa Merz, Giulio Paolini, Pino Pascali, Giuseppe Penone, Michelangelo Pistoletto, Emilio Prini y Gilberto Zorio. Un evento imprescindible para descubrir una de las escuelas artísticas más rompedoras, polémicas y potentes de los últimos 100 años.
Heinz Berggruen, un marchante y su colección
Picasso - Klee - Matisse - GIacometti. Obras maestras del
Museum Berggruen / Neue Nationalgalerie Berlin
Hasta el 27 de Enero
La excepcional colección que reunió el marchante Heinz Berggruen es motivo de homenaje en la exposición que abre esta temporada el Museo de l'Orangeire, en colaboración con el Museo Berggruen / Neue Natinalgalerie de Berlin. El coleccionista se exilió a California tras la II Guerra Mundial, y regresaría a Europa como periodista una vez finalizada la contienda. Tras trabajar en la UNESCO en París, empieza a interesarse por el arte de su época y abre su propia galería. Allí comienza la historia de una de las mejores colecciones privadas de arte de vanguardia del mundo, cuyos fondos (cerca de 100 obras maestras) giran alrededor de dos artistas fundamentales: Paul Klee y Picasso. En la muestra se pueden admirar algunas de las obras más importantes de ambos, además de collages de Henri Matisse y esculturas de Giacometti. Sin duda, una magnífica oportunidad para volver a admirar a algunso de los más grandes maestros de las vanguardias históricas.
Figures du Fou
Hasta el 3 de Febrero
El título de esta exposición se podría traducir como 'Representaciones de la locura'. Y eso es exactamente lo que nos invita a descubrir: las distintas formas en las que se ha representado la enfermedad mental, desde la Edad Media y el Romanticismo. La figura del "loco" y el bufón ha atraído desde siempre a los artistas, y se ha visto rodeada durante siglos de connotaciones esotéricas (como su presencia en el tarot) y espirituales. Si bien hasta el siglo XVI su presencia era constante, con la llegada de la Ilustración desaparecieron del imaginario; sin embargo, a finales del XVIII su imagen volvió con fuerza, convirtiéndose en un alter ego de los artistas con una potente veta psicológica. El museo nos invita a explorar el devenir de este imagianrio, a través de una selección de más de 300 obras cedidas por instituciones francesas, europeas y estadounidenses.
Foto: © Musée d’Orsay, dist. RMN-Grand Palais / Sophie Crépy
Caillebotte: Peindre les Hommes
Hasta el 19 de Enero
Gustave Caillebotte (1848-1894) fue un maestro de la pintura impresionista cuya obra se ha visto algo oscurecida por la sombra de algunos de sus contemporáneos. Sin embargo, su pintura luminosa y crítica merece estar en primera línea, algo que reinvindica el Museo D'Orsay de París esta temporada con la exposición 'Pintando hombres'. Con motivo de la adquisición de dos pinturas fundamentales, 'Hombre joven en la ventana' y 'La partida del bote' (sobre estas líneas), la pinacoteca ha organizado una magnífica muestra que se desarrolla alrededor de la predilección del pintor por reflejar figuras masculinas, en entornos no habituales en su tiempo. De esta manera, Caillebotte cuestionó el concepto de masculinidad y dio visibilidad a hombres fuera del estereotipo: de hecho, y tal y como señala el museo, "la novedad y el poder de sus imágenes cuestionaron tanto el orden social como el sexual".
Obras maestras de la Galería Borghese
Hasta el 5 de Enero
Tras un proceso de renovación que ha durado cerca de un año, el Museo Jacquemart André de París reabre sus puertas con una espectacular exposición. La muestra reúne cuarenta obras maestras pertenecientes a la Galería Borghese de Roma, que atesora algunas de las pinturas más importantes de la historia del arte clásico. El público podrá admirar obras de Caravaggio, Rubens, Leonardo da Vinci, Boticelli o Tiziano, entre muchos otros maestros del Renacimiento y el Barroco. Además, la selección también tiene como objetivo descubrir al visitante la obra de algunos artistas fundamentales, si bien menos conocidos: Annibale Carracci, Guido Reni, Cavaliere D’Arpino y Jacopo Bassano. Una ocasión única para admirar algunas de las pinturas más excepcionales del mundo, realizadas por los maestros más influyentes.
Surrealismo
Hasta el 13 de Enero
El Centro Pompidou de París inaugura temporada expositiva tras el verano. Y lo hace con una apuesta segura: una gran exposición sobre uno de los movimientos artísticos más populares, transgresores e influyentes del siglo XX: el Surrealismo. 10 años después de la muestra 'Surrealismo y el Objeto', en este caso el centro propone una nueva experiencia al público asistente. La exposición está concebida como "un laberinto y una inmersión inédita" en el universo del movimiento de vanguardia, surgido en 1924 con la publicación del célebre Manifiesto de André Breton. La selección de obra incluye pintura, escultura, documentos escritos, audiovisuales y fotografías, con nombres tan relevantes como los de Max Ernst, Leonora Carrington o Dora Maar, entre muchos otros. Como pieza de excepción, en el centro de la exposición un expositor alberga el manuscrito original del Manifiesto, prestado para la ocasión por la Biblioteca Nacional de Francia.
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- Escrito por Maira Herrero
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La Tate Modern de Londres reúne en catorce salas la obra más particular del genio francés del siglo XX, Henri Matisse, sus Cut-Outs, sus recortables con papeles de colores.
En 1941 su salud sufrió un duro revés que le dejó en una silla de ruedas, pero que no le impidió seguir con el mismo espíritu creativo de siempre. Enfocó su creatividad hacia un nuevo lenguaje al que llamó “pintar con tijeras”, nunca este trabajo significó para el artista una renuncia a la pintura, sino un paso más en su creatividad.
Un nuevo lenguaje visual, elaborado a base de recortes de papeles pintados en tonos brillantes, fueron la razón de su actividad en unos años en los que Europa estaba ensombrecida por la Segunda Guerra Mundial. Sus asistentes, dirigidos por Lydia Delectorskaya, pintaban hojas en blanco con gouache de vivos colores y, siguiendo las instrucciones del maestro, las pegaban en las paredes del estudio y de su habitación.
Matisse dedicó muchas horas a meditar sobre el juego de las combinaciones antes de utilizar las tijeras. Elaboró numerosos sketches y estudió los distintos puntos de vista antes de dar forma definitiva a sus collages.
Varias películas a lo largo de la muestra nos acerca al trabajo de Matisse. Ver como recorta con manos fuertes y seguras esas formas improvisadas, imposibles de definir, e indicarle a Lydia Delectoskaya el lugar donde debe colocarlas, confirman la grandeza del genio.
En los cut-outs volvemos a ver las imágenes que siempre han sido una constante en su vida artística, las escenas de baile llenas de movimiento, (sinfonía nº 1 de Shostakovich), los fondos marinos con peces, corales, hojas (recuerdos de su viaje a Tahiti), las series de desnudos azules, los mosaicos moriscos, …
El Libro Jazz es una de las piezas claves de la exposición, contiene 20 láminas de papeles recortados con motivos circenses y textos escritos por el propio Matisse. El libro se considera una de sus obras más innovadoras.
En 1947 decoró la capilla del Rosario de las dominicas de Vence. Es la obra que mejor expone su tendencia simplificadora hacia formas más planas. Matisse puso mucho empeño en este encargo, trabajó más de cuatro años y sus diseños se extienden a diversos campos: la composición de las vidrieras de la iglesia, la ropa del sacerdote para la liturgia, los murales de las paredes, el diseño del altar…. El artista quedó muy satisfecho del trabajo, que definió como “the result of all my active life”.
Las últimas salas de la exposición están dedicadas a las obras de mayor tamaño, realizadas todas ellas en los primeros años de 1950, poco antes de su muerte, El Periquito y la Sirena, El caracol, Memoria de Oceanía y La gran decoración de Máscaras que son en realidad una sola obra que se muestran juntas por primera vez en Londres, desde su creación en 1953.
Esta exposición reconforta al visitante ante la vitalidad que desprende todo el trabajo de este genio del siglo XX. Como diría Benjamin, aquí el aura está presente.
¡Felicidades a Nicholas Serota, director de la Tate Modern, y a todo su equipo!
Henri Matisse. The cut-outs. Tate Modern de Londres. Hasta el 7 de Septiembre de 2014.
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- Escrito por Maira Herrero
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Construida en 1927, y diseñada por el arquitecto parisino Robert Mallet Stevens (1886-1945). Es una joya arquitectónica. Mallet Stevenses junto con Le Corbusier fue uno de los arquitecto más influyentes del movimiento moderno francés. En 1929 fundo la “Union des Artistes Modernes” para reunir a la vanguardia artística parisina de la primera mitad del siglo XX, Jean Prouvé, Le Corbusier, Charlotte Perriand, …
La casa forma parte de una pequeña urbanización diseñada por Mallet Stevens. Sobre el volumen cilíndrico del hueco de la escalera, que asoma por encima de la terraza, giran los distintos espacios que configuran el complejo programa que demandaron sus propietarios. Figuras geométricas se ensamblan con absoluta limpieza y forman un conjunto armónico. Rue Mallet-Stevens nº 10 . 75016 Paris
Gracias al galerista Eric Touchaleaume, (Gallerie 54) hoy podemos ver delante de la casa Martell la fuente luminosa de hormigón realizada por Mellet Stevens para el casino La Pérgola de Saint-Jean-de-Luz. Un ejemplo mas de como este arquitecto extiende su trabajo a la escultura y al diseño.
www.admagazine.fr/architecture
www.connaissancedesarts.com
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- Escrito por Maira Herrero
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Nos obsesionamos tanto por hacernos la foto que olvidamos vivir la experiencia
Gran oportunidad para conocer el trabajo que el británico Martin Parr (1952), está realizando en estos momentos. Parr lleva años analizando el fenómeno del turismo de masas con un ojo crítico lleno de humor. La Maison de la Photographie Européenne le ha dado carta blanca para que recoja su visión particular de Paris, de sus gentes, de las masas de turistas que invaden sus calles, museos, restaurantes, de sus fiestas, de la moda, de todo aquello que llame su atención como fotógrafo y como extranjero.
Alrededor de sesenta piezas actuales y algunas más antiguas configuran el universo parisino de Martin Parr. Ocasión para reflexionar sobre la insaciabilidad del turista a la hora de inmortalizar todo lo que se le presenta, sin buscar mas allá, casi sin sentir lo que tiene delante.
www.martinparr.com
